Conoce algunos rasgos de la pintura modernista

La innovación es la máxima expresión de lo que fue el período moderno. En sí, este movimiento trajo consigo una de las mayores contribuciones al arte del siglo XX. Y es por ello, que hemos decidido darte a conocer los principales rasgos de este movimiento sobre el arte, especialmente sobre la Pintura Modernista y más.

PINTURA MODERNISTA

Modernismo y la pintura modernista

El arte moderno es un término utilizado para describir un período de la historia del arte que se desarrolla aproximadamente desde la década de 1860 hasta la de 1970. El término denota el estilo y la filosofía del arte producido durante ese tiempo. Sus raíces se encuentran en el trabajo de artistas de finales del siglo XIX como Van Gogh, Cezanne y Gauguin, cuya formación y sus primeras carreras se basaron en un estilo de pintura tradicional.

Sin embargo, a fines del siglo XIX muchos artistas comenzaron a alejarse de la narrativa realista en materia y estilo, y avanzaron hacia un estilo de pintura más abstracto que abordara sus nuevas ideas estéticas, esto sería conocido luego como la pintura modernista. Así que el término «modernista o moderno», se asocia con el arte alejando a esta expresión artística de la pintura tradicional.

Los artistas modernos, jugaron con inexploradas formas de ver a sus sujetos y novedosas formas de emplear los materiales tradicionales de la pintura. Estos, desafiaron la idea de que el arte debe representar el mundo de manera realista, experimentando con el uso expresivo del color, nuevas técnicas y materiales no tradicionales que ahora se consideran el sello distintivo del arte y la pintura modernista.

El comienzo del siglo XX trajo aún más experimentación. Los artistas fauve (Fauvismo), comenzaron a pintar paisajes expresivos “salvajes” y los artistas cubistas comenzaron a deconstruir los sujetos en formas sólidas, que los volvían casi abstractos.

Estos movimientos artísticos y los que los siguieron hasta el siglo XX, se basaron en las nuevas formas de pensar, ver y explorar el arte, haciendo la definición misma de lo que es el arte moderno. Donde el arte moderno es un término utilizado para describir un movimiento artístico y un período de la historia del arte, modernismo es el nombre del movimiento filosófico que surgió al mismo tiempo.

PINTURA MODERNISTA

La Revolución Industrial, el rápido crecimiento de las áreas urbanas y las nuevas formas de transporte contribuyeron al desarrollo de la filosofía del modernismo que rechazaba las formas tradicionales de pensamiento, arte, religión y comportamiento social. El modernismo y el arte moderno están interrelacionados y coexistieron: las teorías del modernismo alimentan el pensamiento de los artistas y el arte moderno promueve la filosofía en la práctica real.

Características de lo moderno en las artes

Aunque no existe una característica única que defina el «arte moderno», este se destacó por una serie de características importantes, como las que se presentan a continuación:

Nuevos tipos de arte

Los artistas modernos fueron los primeros en desarrollar el arte del collage, diversas formas de ensamblaje, una variedad de arte cinético (incluidos los móviles), varios géneros de fotografía, animación (dibujo mas fotografía), land art o terraplenes y performance art.

Uso de nuevos materiales

Los pintores modernos plantaron sobre sus lienzos objetos, como recortes de periódicos y otros artículos. Los escultores utilizaron objetos hallados, como los «readymades» de Marcel Duchamp, a partir de los cuales crearon obras de arte basura. Los ensamblajes se produjeron con los elementos cotidianos más comunes, como: automóviles, relojes, maletas, cajas de madera y otros elementos.

Uso expresivo del color

Las corrientes del arte moderno como el fauvismo, la pintura de campo de color y el expresionismo y fueron los iniciales en detonar el color de una forma bastante significativa.

PINTURA MODERNISTA

Nuevas técnicas

La cromolitografía fue ideada por el cartelista Jules Cheret, el dibujo automático fue definido por los artistas surrealistas, de la misma manera que Frottage y Decalcomania. Los pintores gestualistas concibieron la pintura de acción. Mientras, que los artistas pop introdujeron los «puntos Benday» y la serigrafía en las bellas artes. Otros movimientos y escuelas de arte moderno que introdujeron igualmente nuevas técnicas en la ejecución y elaboración de la pintura.

Movimientos del arte modernista

Los inicios de la pintura modernista no pueden restringirse, pero existe un acuerdo general de que comenzó en la Francia del siglo XIX. Las pinturas de Gustave Courbet, Edouard Manet y los impresionistas representan un rechazo cada vez más profundo de la herencia académica imperante y la búsqueda de una representación más naturalista del universo visual.

Los sucesores pueden verse como más modernos en su repudio de las prácticas y temas tradicionales y en su expresión de una visión personal más abstracta.  A partir de la década de 1890, surgieron una serie de movimientos y estilos diversos, que son el núcleo del arte contemporáneo y que representan uno de los puntos altos de la cultura visual occidental. Estos movimientos modernos incluyen:

  • Neoimpresionismo
  • Simbolismo
  • Fauvismo
  • Cubismo
  • Futurismo
  • Expresionismo
  • Suprematismo
  • Constructivismo
  • Pintura metafísica
  • De Stijl
  • Dada
  • Surrealismo
  • Realismo social
  • Expresionismo abstracto
  • Arte pop
  • Op art
  • Minimalismo
  • Neoexpresionismo

Independientemente de la tremenda variedad observada en estos movimientos, muchos de ellos son característicamente contemporáneos en su investigación de los potenciales inherentes al medio pictórico en sí para expresar una respuesta religiosa a las variadas condiciones de vida en el siglo XX y más allá.

Estas condiciones incluyen un cambio tecnológico acelerado, el crecimiento del conocimiento y la comprensión científicos, la aparente irrelevancia de algunas fuentes estándar de creencias y valores, y la expansión de la conciencia de las culturas no occidentales.

Cronología y evolución

El desenvolvimiento del arte moderno en toda su representación (pintura modernista y más), fue presentándose y evolucionando en el mundo a través de diferentes formas y causas, que se detallará de manera cronológica, a continuación:

1870-1900

Aunque de alguna manera el último tercio del siglo XIX estuvo dominado por el nuevo estilo impresionista de pintura, en realidad hubo varias vertientes pioneras del arte moderno y la pintura modernista, cada una con su propio enfoque particular. Estas incluyeron:

  • Impresionismo (exactitud en la toma de los efectos de la luz solar).
  • Realismo (contenido – tema).
  • Arte académico (imágenes reales de estilo clásico).
  • Romanticismo (estado de ánimo).
  • Simbolismo (iconografía enigmática).
  • Arte del cartel litográfico (motivos y colores llamativos).

La última década de este período, vio una serie de revueltas contra las academias y sus salones en la forma del movimiento de la Secesión, mientras que a finales de la década de 1890 la misma se hizo testigo del declive del arte basado en la naturaleza, como el impresionismo, que pronto conduciría a un auge en el arte más serio basado en mensajes.

1900-14

Casi en todo, este fue el tiempo más impresionante del arte moderno, cuando todo era potencialmente viable todavía y cuando el «artilugio» todavía se visualizaba únicamente como un aliado del hombre. Los artistas de París produjeron una serie de nuevos estilos, incluidos: el fauvismo, el cubismo y el orfismo. Mientras que los artistas alemanes lanzaron su propia escuela de pintura modernista expresionista.

Todos estos movimientos progresistas, rechazaron las actitudes tradicionalistas hacia el arte y buscaron defender su propia agenda particular de modernismo. Así, el cubismo quiso priorizar los atributos formales de la pintura, mientras que el futurismo prefirió enfatizar las posibilidades de la máquina, y el expresionismo defendió la percepción individual.

PINTURA MODERNISTA

1914-24

La carnicería y destrucción de la Gran Guerra cambiaron las cosas por completo. En 1916, se lanzó el movimiento Dada, lleno de un impulso nihilista de subvertir el sistema de valores que había causado Verdún y el Somme. De repente, el arte representativo parecía obsceno. Ninguna imagen podía competir con las fotografías de los muertos en guerra. Los artistas ya habían recurrido cada vez más al arte no objetivo como medio de expresión. Los movimientos de arte abstracto de la época incluyeron:

  • Cubismo (1908-40)
  • Vorticismo (1914-15)
  • Suprematismo (1913-18)
  • Constructivismo (1914-32)
  • Stijl (1917-31)
  • Neoplasticismo (1918-26)
  • Elementarismo (1924-31)
  • Bauhaus (1919-33)
  • La posterior Escuela St Ives

Incluso los pocos movimientos figurativos eran claramente vanguardistas, como lo mostrado en la pintura metafísica (1914-20). 

1924-40

Los años de paz entre guerras permanecieron marcados por dificultades políticas y económicas. La pintura modernista y la escultura abstractas se mantuvieron sobresaliendo, ya que el arte distintivo a la realidad permaneció muy pasado de moda.

Inclusive, el ala realista del movimiento surrealista el movimiento más grande del período, no pudo manejar más que un estilo de realidad de fantasía. Mientras tanto, una realidad más siniestra estaba emergiendo en el continente, en forma de arte nazi y agit-prop soviético. Solo Art Decó, un estilo de diseño bastante elegante dirigido a la arquitectura y el arte aplicado, expresó alguna confianza en el futuro.

1940-60

El mundo del arte fue transformado por la catástrofe de la Segunda Guerra Mundial. Para empezar, su centro de gravedad se trasladó de París a Nueva York, donde permanece desde entonces. Casi todos los precios récord mundiales futuros se alcanzarían en las salas de ventas de Christie’s y Sotheby’s en Nueva York. Mientras tanto, el fenómeno indescriptible de Auschwitz había socavado el valor de todo el arte realista, excepto el arte del Holocausto de los afectados.

PINTURA MODERNISTA

Como derivación de todo esto, el próximo gran movimiento internacional el expresionismo abstracto, fue creado por artistas estadounidenses de la Escuela de Nueva York. De hecho, durante los próximos 20 años, dominará la abstracción, a medida que surjan nuevos movimientos. En estos se incluyeron:

  • Arte informal.
  • Pintura de acción.
  • Gestualismo.
  • Tabaquismo.
  • Pintura de campo de color.
  • Abstracción lírica.
  • Pintura de borde duro.
  • COBRA, un grupo distinguido por sus iconografías infantiles y sus trazos expresivos.

Durante la década de 1950 germinaron otros estilos de tipo más audaces, como: el arte cinético, Nouveau Realismo y Neo-Dada, todas las cuales manifestaron una progresiva inquietud con la industria de las artes estrechas.

1960

La explosión de la música y la televisión populares se reflejó en el movimiento Pop-Art, cuyas representaciones pictóricas de los famosos de Hollywood y la iconografía de la cultura popular festejaron el éxito del consumismo masivo de Estados Unidos. También tenía una impresión fresca y moderna, cosa que ayudó a disipar parte de la tristeza de principios de los años 60 asociada con la crisis cubana de 1962. Que en Europa había impulsado el éxito del movimiento Fluxus liderado por:

  • George Maciunas
  • Joseph Beuys
  • Nam June Paik
  • Wolf Vostell

El arte pop con los pies en la tierra, fue también un contrapunto bienvenido al expresionismo abstracto más erudito, que ya había comenzado a desvanecerse. Pero la década de 1960 también vio el surgimiento de otro movimiento de alto nivel conocido como Minimalismo, una forma de pintura modernista y escultura purgada de todas las referencias o gestos externos, a diferencia del lenguaje cargado de emociones del expresionismo abstracto.

El modernismo en las artes gráficas

A fines del siglo XIX, los artistas se estaban cansando de las formas de arte tradicionales y conservadoras. En Viena, un grupo de artistas liderado por Gustav Klimt se autodenominó la Secesión de Viena y se desligó de las instituciones artísticas de la capital de Austria en ese momento.

El grupo exploró territorios inexplorados en forma, composición y expresión, lo que provocó experimentos similares en otros países cercanos como Francia y Alemania. Los ricos trazos de pintura modernista y el realismo se traducen en colores planos y tipografía estilística, expresiones que allanarían el camino para el arte gráfico.

Cuando comenzó la Primera Guerra Mundial, el diseño gráfico ya se empleaba con fines comerciales, corporativos y estéticos. Su nuevo papel sería político, utilizado en carteles y propaganda durante la guerra.

Los avances en la impresión en color masiva permitieron la producción eficiente de mensajes para recaudar fondos, fomentar el alistamiento y elevar la moral. La agitación y los desafíos enfrentados en ambas guerras mundiales inspiraron en última instancia la primera ola de verdadero modernismo dentro del diseño gráfico.

En Europa y América, los diseñadores gráficos se inspiraron en movimientos artísticos más amplios como el cubismo, el futurismo, De Stijl y el surrealismo. En Alemania, el movimiento Bauhaus también tuvo un impacto significativo en el diseño gráfico. Con las líneas gruesas, los colores primarios y los espacios en blanco perturbadores eran tan sorprendentes en el formato 2-D como en la arquitectura o la escultura.

Finalmente, el diseño modernista se definió por la expresión abstracta, el tipo en negrita y los colores y formas primarios. Estos diseñadores abordaron el trabajo de manera objetiva, enfatizando lo racional sobre lo expresivo (y enfatizando la creencia modernista clásica de que la forma sigue a la función).

Cuando los nazis llegaron al poder en la década de 1930, se denunciaron los experimentos modernistas en todas las prácticas y muchos artistas, arquitectos y diseñadores emigraron a los Estados Unidos. Aunque el diseño modernista se vio interrumpido en su crecimiento, sigue siendo uno de los movimientos más impactantes en la historia del diseño gráfico.

Joyería, cristalería, cerámica, mobiliario y forja modernistas

Los joyeros modernistas de los Estados Unidos que practicaron su oficio desde la década de 1930 hasta la de 1960 fueron bastante enfáticos en su rechazo a los estilos que habían llegado antes. La joyería victoriana se descartó por ser demasiado decorativa, las piezas Art Nouveau se consideraron demasiado exigentes y la estética Art Deco se consideró excesivamente rígida. Estos joyeros sintieron que tenían más en común con los pintores, escultores y otros artistas modernos de la época.

Su ambicioso objetivo era crear obras de arte únicas que la gente pudiera usar. Uno de los primeros campeones y practicantes de la forma fue Sam Kramer, quien, como muchos de sus contemporáneos, vivió, trabajó y vendió sus creaciones en Greenwich Village de la ciudad de Nueva York. Kramer trabajaba principalmente en plata, pero también era experto en la confección de anillos, aretes y alfileres de cobre y encontró objetos, incluidos: dientes de alce, botones, fósiles y monedas antiguas.

En ocasiones, Kramer utilizó piedras semipreciosas como granates u ópalos en sus piezas surrealistas, geométricas o biomórficas. Otro líder no oficial del movimiento de joyería modernista fue Art Smith, vecino de Kramer. Sus joyas iban desde simples anillos de plata para el cuello hasta piezas biomórficas que se basan en motivos africanos.

Si bien Smith hacía piezas pequeñas como gemelos y aretes, muchas de sus mejores obras eran lo suficientemente grandes como para envolver el cuerpo, como si la forma humana fuera el mero telón de fondo de sus creaciones.

Sus muñequeras de cobre vintage, especialmente las esposas de «jazz» con notas musicales aplicadas a sus superficies exteriores, son muy coleccionables. Boomerangs, líneas rectas que se cruzan con curvas y formas de la era atómica tipifican el trabajo de Ed Wiener.

A veces, un par de aretes de plata que parecían relojes de arena deformados estaban adornados con una sola perla. Otras veces, se colocaba una ágata ojo de gato en el centro de una pieza, como para dar a sus objetos inanimados la apariencia de un rostro humano.

Otro residente de Greenwich Village cuya joyería modernista vintage es muy apreciada fue Paul Lobel, quien diseñó adorables alfileres y brazaletes de plata, así como vidrio, muebles y vajillas de plata. Fuera de Nueva York estaba Betty Cooke, que trabajaba en el modo Bauhaus en Baltimore.

Sus joyas se componían de formas geométricas y se caracterizaban por un fuerte sentido del orden, que ella deliberadamente interrumpiría mediante la colocación aguda de perlas, pequeños bloques de madera o incluso piedras sin terminar como el cuarzo.

Otra acólita de la Bauhaus fue Margaret De Patta, cuyo trabajo reflejó la profunda influencia del maestro de la Bauhaus László Moholy-Nagy, con quien estudió. Mientras tanto, en San Francisco, Peter Macchiarini buscó inspiración en las máscaras africanas y el cubismo. El latón, el cobre y la plata eran materiales comunes, junto con los ópalos, las ágatas y la madera.

En Escandinavia durante las décadas de 1940 y 1950, se estaba llevando a cabo un movimiento paralelo. Henning Koppel y Nanna Ditzel fueron dos notables diseñadores de Georg Jensen, cuyos collares de plata con formas de lágrimas y de amebas combinaban la perfección de la orfebrería danesa con un interés por las formas naturales, incluso primitivas.

Más tarde, en la Finlandia de los sesenta, Bjorn Weckstrom se casó con plata maciza y trozos de acrílico pulido para crear anillos, pulseras y colgantes que eran a la vez de la era espacial y orgánicos. Otras de las áreas exploradas por los artistas modernista fueron la producción de cerámica, muebles, cristalería y la metalurgia. Entre los más destacados artistas, se pueden mencionar los siguientes:

  • Louis Comfort Tiffany (diseñador)
  • Émile Gallé (ceramista y vidriero)
  • Antonin Daum (vidriero)
  • Lluís Masriera (joyero)
  • Carlo Bugatti (diseñador de mobiliario)
  • Louis Majorelle (diseñador de mobiliario)
  • Gustave Serrurier-Bovy (diseñador de mobiliario)
  • Jacques Grüber (decorador y pintor)
  • Jules Brunfaut (arquitecto y decorador)
  • Auguste Delaherche (ceramista)
  • Georges de Feure (pintor y decorador)

Pintura modernista

El período moderno de la historia del arte fue un gran espectador del derrumbe de las limitaciones tradicionales, tanto en términos de forma (la apariencia del arte) como de contenido (el tema). Esto aconteció en todas las ramas del arte, con la pintura a la cabeza. De hecho, los pintores habían liderado la innovación estética en Europa desde el final de la antigüedad.

La innovación más destacada en la forma fue el surgimiento de estilos de pintura cada vez más distorsionados, que culminó con el nacimiento del arte abstracto. En términos de contenido, la pintura modernista tiende a presentar escenas cotidianas y ordinarias, en oposición a los temas tradicionales «elevados» (bíblicos, mitológicos, históricos).

El nacimiento de la pintura modernista a menudo se remonta al realismo, un movimiento francés que representó escenas de la vida cotidiana de una manera físicamente realista. Aunque las escenas realistas de la vida cotidiana se remontan a la pintura de los Países Bajos del Renacimiento, el movimiento del realismo moderno adoptó un nuevo enfoque al centrarse en las duras realidades, incluida: la pobreza, la falta de vivienda y las condiciones de trabajo opresivas.

Este movimiento fue dirigido por Gustave Courbet, cuyas obras más destacadas son «Los rompepiedras» y «Entierro de Ornans». Aunque la distorsión no el realismo, se convertiría en la tendencia dominante de la pintura modernista, el arte realista ha continuado floreciendo hasta nuestros días. Gran parte de este arte es, como el movimiento francés original, socialmente consciente.

La siguiente fase importante de la pintura modernista fue el impresionismo, un estilo rápido y esquemático que captura la impresión general de una escena (en oposición a los detalles precisos). En particular, el impresionismo intenta capturar los efectos momentáneos de la luz, principalmente a través de pinceladas adyacentes de colores brillantes y contrastantes (que realzan el brillo de ambos colores, produciendo así un efecto resplandeciente).

Los impresionistas fueron el primer grupo de artistas en pintar principalmente en el lugar, en lugar de dibujar en el lugar y pintar en el estudio. Las raíces del impresionismo se encuentran en las obras de Édouard Manet, quien pintó con un estilo bastante realista. Sin embargo, Manet provocó controversia al adherirse sólo de manera flexible a la perspectiva, renderizar fondos de una manera esquemática simplificada y aplanar las superficies de los objetos en áreas de color sólido (en lugar de modelar objetos con sombreado suave).

Estas tendencias se manifestaron claramente por primera vez en «Almuerzo sobre la hierba», la pintura temprana más famosa de Manet. Se vuelven más pronunciados en sus obras posteriores, incluida: «Un bar del Folies-Bergére», a menudo considerado su obra maestra. La extensión del estilo de Manet llevó al impresionismo, ya que se abandonaron los detalles nítidos y el modelado realista en favor de pinceladas rápidas y toques de color sólido.

El impresionista más destacado fue Claude Monet, que trabajó principalmente en paisajes terrestres y marinos. Sus primeros trabajos incluyen muchas pinturas costeras alrededor de su ciudad natal de Le Havre, incluida «Impresión, sol naciente». Cuando esta obra fue criticada como una “mera impresión”, se aseguró el nombre del estilo.

A veces, Monet volvía a un tema varias veces, en diferentes horas o estaciones, para capturar una gama completa de condiciones de iluminación. Este enfoque culminó en la famosa serie de nenúfares, que presenta muchos tratamientos del estanque de nenúfares fuera de la casa a la que se retiró Monet.

El impresionismo abarca muchos de los nombres más reconocidos de la pintura. Junto con Monet, la pintura de paisaje impresionista fue dirigida por Sisley y Pissarro. Los pintores de figuras más destacados del estilo impresionista fueron:

  • Renoir
  • Morisot
  • Degas.

A los impresionistas, que difuminaba ligeramente y simplifican la realidad, les siguió un grupo de artistas que llevaron la distorsión mucho más allá: los postimpresionistas, que descubrieron que eran posibles nuevos efectos emocionales llamativos si las formas y colores de la realidad se transforman de forma más espectacular.

Algunos postimpresionistas persiguieron la distorsión geométrica (en la que el mundo se comprime en formas geométricas, creando una sensación de rigidez y control), mientras que otros exploraron la distorsión fluida (en la que el mundo está sesgado de una manera fluida y orgánica). Ambos tipos de distorsión (especialmente fluida) a menudo presentan colores dramáticamente poco realistas.

El principal pionero de la distorsión geométrica fue Paul Cézanne, quien simplificó suavemente las características físicas de una escena en formas geométricas. Esto resultó en paisajes (su tema preferido) con una apariencia algo rígida, en bloques.

El pionero más importante de la distorsión fluida fue Vincent van Gogh. (Otras figuras importantes incluyen a Gauguin, Munch y Toulouse-Lautrec.) El estilo de Van Gogh es fluido y colorido, con especial énfasis en el amarillo. La noche estrellada puede ser su obra más famosa.

Mientras que Georges Seurat, desarrolló una forma muy distintiva de post impresionismo: el puntillismo, en el que las escenas se representan en muchos puntos de un solo color. La obra puntillista más famosa es «La tarde del domingo» que refleja a la isla de la Grande Jatte.

Escultura modernista

La escultura moderna se define históricamente como la escultura que comienza con la obra de Auguste Rodin y termina con el advenimiento del arte pop y el minimalismo en la década de 1960. La discusión de Alex Potts en 2001 sobre la historiografía de la escultura moderna es integral para la comprensión de los medios, el período y los métodos utilizados por artistas clave.

Si bien ahora se ve como un cliché comenzar el movimiento modernista en escultura con la obra de Rodin, en su obra uno comienza a ver tendencias que se volverán características de la escultura moderna, como un nuevo interés en el fragmento, en particular el cuerpo.

Así como también, un tratamiento superficial y detalle superficial expresivo, una atención hacia el movimiento, una fusión simbólica de la expresión interior de una figura y su representación exterior, o lo que Constantin Brancusi denominó «esencia». Y una mayor consideración de la abstracción, la fragmentación y la no representación en los objetos escultóricos, es decir, un alejamiento consciente del realismo y el idealismo académico.

Los escultores durante este período también pusieron énfasis en el diseño, la forma y el volumen sobre la representación de un tema específico. El uso de materiales que no se usan tradicionalmente en los conceptos escultóricos finales se hizo más evidente, como el uso de: ropa, textiles y otras técnicas mixtas. Como se ve en la «Pequeña bailarina de catorce años» elaborada por Edgar Degas entre los años 1878-1881, actualmente esta se ubica en el National Gallery, Washington.

La fusión de elementos humanos y mecánicos se observa durante el período de la Era de las Máquinas, como en las obras de Umberto Boccioni y Jacques Lipschitz, además de la distorsión y la fragilidad que aparecen en obras del período de entreguerras, como en las obras de Medardo Rosso y Alberto Giacometti.

La influencia del arte fuera de la tradición occidental, es decir, europea, se volvió muy influyente para los escultores de principios de siglo y se puede ver en las esculturas de Paul Gauguin y Pablo Picasso. Artistas como Naum Gabo y Antoine Pevsner, empezaron a utilizar materiales que no se habían utilizado para esculturas de bellas artes en el pasado inmediato y materiales de nueva invención, como los plásticos.

Los materiales que se habían utilizado en el pasado cobraron mayor importancia en la época moderna como: el aluminio con Isamu Noguchi, la electricidad para las luces en la escultura y para el movimiento motorizado de Camille Claudel, el hierro por Julio González, el plomo por Aristide Maillol, acero y metales soldados por David Smith y Julio González, la madera por Constantin Brancusi y objetos encontrados por Louise Nevelson.

Si bien hay ejemplos de esculturas en movimiento realizadas por escultores anteriores como: Antonio Canova y Lorenzo Bartolini. Que hoy pensaríamos como escultura cinética, tanto la sugerencia de movimiento en la escultura como las esculturas en movimiento reales se hicieron más prominentes durante la primera mitad del siglo XX. Alexander Calder y László Moholy-Nagy implementaron en sus obras un mayor uso de la tecnología del movimiento en la segunda mitad del siglo.

La tensión y la reacción entre la imagen positiva y el espacio negativo que rodea una obra de arte también jugó un papel significativo, y esto se puede ver especialmente en los primeros trabajos y «dibujos espaciales» de Giacometti, Picasso y David Smith, así como en la escultura de Jean Arp, Henry Moore y Barbara Hepworth.

Los anteriores artistas mencionados, junto con muchos otros, incluidos: Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens y Aristide Maillol, rompieron de manera significativa con la escultura del pasado reciente, la liberaron de su dependencia de la anatomía y su servidumbre a la arquitectura, y llevaron al medio más lejos que cualquier otro generación desde los escultores del Renacimiento temprano.

Arquitectura modernista

La arquitectura moderna surgió del rechazo de los avivamientos, el clasicismo, el eclecticismo y todas las adaptaciones de estilos anteriores a los tipos de construcción de la sociedad industrializada de finales del siglo XIX y XX. Además, surgió de los intentos de crear formas y estilos arquitectónicos que pudieran usar y reflejar las tecnologías de construcción recientemente disponibles de hierro y acero estructural, hormigón armado y vidrio.

Hasta la expansión del posmodernismo, la estructura moderna también implicó el rechazo del ornamento aplicado y la característica de decoración de los edificios occidentales premodernos. El impulso de la arquitectura moderna ha sido una rigurosa concentración en edificios cuya disposición rítmica de personas y formas establece un motivo geométrico en la luz y el color.

Este desarrollo estuvo estrechamente ligado a los nuevos tipos de construcción exigidos por una sociedad industrializada, como los edificios de oficinas que albergan la dirección corporativa o la gestión gubernamental. Una de las tendencias y movimientos más importantes de la arquitectura modernista son:

  • La Escuela de Chicago
  • El Funcionalismo
  • El Art Deco
  • El Art Nouveau
  • De Stijl, la Bauhaus
  • El Estilo Internacional
  • El Nuevo Brutalismo
  • El Posmodernismo

Artistas modernos

La historia del arte moderno es la historia de los mejores artistas y sus logros. Los artistas modernos se han esforzado por expresar sus puntos de vista del mundo que los rodea utilizando medios visuales. Si bien algunos han conectado su trabajo a movimientos o ideas anteriores, el objetivo general de cada artista en la era moderna era hacer avanzar su práctica a una posición de pura originalidad.

Ciertos artistas se establecieron como pensadores independientes, aventurándose más allá de lo que constituían formas aceptables de «arte elevado» en ese momento, las cuales contaban con el respaldo de las academias estatales tradicionales y los mecenas de clase alta de las artes visuales. Estos innovadores describieron un tema que muchos consideraban lascivo, controvertido o incluso francamente feo.

El primer artista moderno que se mantuvo esencialmente solo en este sentido fue Gustave Courbet, quien a mediados del siglo XIX trató de desarrollar su propio estilo distintivo. Esto se logró en gran parte con su pintura de 1849-1850, Entierro en Ornans, que escandalizó al mundo del arte francés al retratar el funeral de un hombre común de un pueblo campesino.

La Academia se erizó ante la representación de trabajadores agrícolas sucios alrededor de una tumba abierta, ya que solo los mitos clásicos o las escenas históricas eran el tema apropiado para una pintura tan grande. Inicialmente, Courbet fue condenado al ostracismo por su trabajo, pero finalmente demostró ser muy influyente para las generaciones posteriores de artistas modernos. Este patrón general de rechazo y posterior influencia ha sido repetido por cientos de artistas en la era moderna.

A continuación, se presenta una lista con algunos de los más destacados artistas de la forma de expresión artística modernista:

  • Eugène Atget
  • Hippolyte Blancard
  • Paul Cézanne
  • Salvador Dalí
  • Max Ernst
  • Paul Gauguin
  • Vincent van Gogh
  • Hector Guimard
  • Wassily Kandinsky
  • Raoul François Larche
  • Jacques-Henri Lartigue
  • Fernand Léger
  • Henri Matisse
  • Joan Miró
  • Edvard Munch
  • Pablo Picasso
  • Piet Mondrian
  • Franz Klein
  • Paul Klee
  • Frantisek Kupka
  • Paul Strand
  • Charles Sheeler
  • Henri de Toulouse
  • Lautrec
  • Édouard Vuillard

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