En qué consiste la pintura del Romanticismo y tipos

El énfasis está en el sentimiento y la emoción dentro la Pintura del Romanticismo. Hay mucho espacio para la intuición y la imaginación del artista. Esto a veces dio lugar a obras de arte extraordinarias con una atmósfera poética teñida de sentimentalismo.

PINTURA DEL ROMANTICISMO

Pintura del romanticismo

A finales de los siglos XVIII y XIX, la cultura europea y, incluida la estadounidense, experimentó un nacimiento que fue completamente diferente del período del pensamiento y la filosofía de la Ilustración: la etapa del Romanticismo. Infiltrándose gradualmente desde Alemania en la cultura y el arte de Inglaterra, Francia, Rusia y otros países europeos, el romanticismo enriqueció el mundo artístico con nuevos colores, historias y la audacia del desnudo.

Características generales del Romanticismo

El romanticismo comenzó como un movimiento literario en Alemania, Inglaterra y Francia. A finales del siglo XVIII (el siglo de la Razón), la gente se cansó del pensamiento racionalista de la Ilustración y del clasicismo académico, en el que constantemente intentaba imitar a los viejos clásicos.

En el Romanticismo, el artista ya no era un imitador del arte clásico, sino que se convirtió él mismo en un creador. Trabajó desde un sentimiento personal. El arte se convirtió en la “expresión personal de la emoción individual”. En esta actitud ante la vida del siglo XIX, la experiencia del individuo fue el punto de partida. Desde una visión negativa del propio tiempo con la industria, el racionalismo y el materialismo, el pasado se veía de manera ideal.

Este sentimiento se consideraba superior al sentido común, porque el romántico vivía insatisfecho con la sociedad: huía del aquí y ahora a otras culturas, al pasado, en los cuentos de hadas o en la naturaleza. Con melancolía la gente deseaba volver a la Edad Media, de la idea de que la vida todavía era pura y auténtica en ese entonces.

En las artes plásticas, el auge del romanticismo fue entre 1820 y 1850. En muchos países europeos hubo un revivir del interés por los mitos, sagas, cuentos de hadas y leyendas de su propio país y por la literatura que exalta el glorioso pasado. En Inglaterra, Sir Walter Scott escribió más de treinta novelas históricas, una de las cuales fue Ivanhoe. En Francia, Víctor Hugo escribió Notre Dame de París, una historia medieval en la que Quasimodo, el jorobado, tiene el papel principal.

Hubo las traducciones de Las mil y una noches, una serie de historias orientales. Los compositores se inspiraron en canciones populares, baladas y leyendas del pasado. Franz Schubert compuso nada menos que seiscientos Lieder románticos. Ludwig van Beethoven eligió la naturaleza como punto de partida en su Pastoral. En el Romanticismo se veía la armonía en la naturaleza, las leyes naturales eran un ejemplo. El escritor alemán Goethe desarrolló un método de estudio de la naturaleza basado en la percepción.

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Goethe también tuvo mucha influencia a través de su teoría del color, que tomó como punto de partida los contrastes complementarios, especialmente el azul y el amarillo cálido. El melodrama predominó en los ballets románticos y el teatro. Cuanto más teatral era una representación, con trajes exagerados y decorados fantásticos, más se apreciaba.

Muchos artistas huyeron con sus temas en el pasado o en el futuro, en el exotismo, en la fantasía, en la naturaleza “salvaje”, virgen o abrigaron un anhelo romántico por un amor imposible. Los artistas románticos a veces literalmente huyen de la realidad como anhelo de muerte, como liberación del sufrimiento.

Todos estos temas fueron abordados subjetivamente por el artista, asumiendo que el sentimiento o idea individual evoca sentimientos e ideas universales. El artista fue visto como un sumo sacerdote de lo superior o sobrenatural, como un conocedor de lo sublime. Con su imaginación, solo el artista fue capaz de transformar en arte los sentimientos personales, una intensa experiencia de vivencia interior.

Incluso los precursores del romanticismo (Johann Heinrich Füssli y Francisco de Goya y los escritores del movimiento literario Sturm und Drang) se refirieron a los sentimientos como fuente de experiencia estética, aunque no excluyeron el horror y el terror, además de la admiración y el asombro, y por tanto el cofundador “Romanticismo negro”.

La imaginación individual, lo sublime y la belleza de la naturaleza se discutieron como nuevas categorías estéticas. En la segunda mitad del siglo XIX, el realismo contrasta con el romanticismo.

Historia

Cuando hablamos de romanticismo estamos hablando de un período histórico de 1815 a 1848 en el que toda la sociedad se ve envuelta en un viento que ya sopla desde finales del siglo XVIII y seguirá soplando en el siglo siguiente y que subraya nuevos valores sociales.

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Ciertamente en el espíritu del siglo XVIII ya contenía los elementos identificativos del Romanticismo, pero por lo que obtenemos de los escritos de la época, eran considerados valores negativos, tanto que fueron identificados como síntoma de trastornos mentales atribuibles a “El mal del siglo” descrito rápidamente por el médico y filósofo francés La Mettrie (1709-51) en “De la folie”.

Entre los grandes precursores del movimiento romántico se encuentra Francisco de Goya, quien, superando las difundidas ideas neoclásicas, acentuó el gusto figurativo del siglo XVIII para obtener una nueva libertad expresiva propia del romanticismo, del que anticipó valientemente los motivos fantásticos más oscuros.

El romanticismo, como fenómeno social, se teorizó inicialmente en Alemania, pero tuvo efectos más amplios en Francia, donde las normas de comportamiento social eran tan fuertes que los artistas románticos vivían solos, oprimidos por un profundo sentimiento de malestar y culpa.

En la pintura del romanticismo se refiere a las tendencias culturales y filosóficas, fue relevante en América y los estados europeos en los siglos XVIII, XIX y en el siglo XX. El género se originó en Alemania, inicialmente se manifestó en la literatura, luego pasó a la pintura y se extendió a Inglaterra, afectó a Francia, España y varios otros países de Europa y América.

La era del romanticismo cae en el período histórico entre la Revolución Francesa de 1789 y las revoluciones democrático burguesas europeas de 1848, un punto de inflexión en la vida de los pueblos europeos.

El rápido crecimiento del capitalismo socavó los cimientos del sistema feudal, y en todas partes las relaciones sociales, mantenidas durante siglos, comenzaron a colapsar. Las revoluciones y las reacciones estremecieron a Europa, el mapa se rediseñó. En estas condiciones contradictorias, se produjo la renovación espiritual de la sociedad.

El romanticismo se desarrolló originalmente (década de 1790) en filosofía y poesía en Alemania, y más tarde (década de 1820) se extendió a Inglaterra, Francia y otros países. El romanticismo pone en la base de la percepción de la vida el conflicto entre el ideal y la realidad, los sentimientos elevados y la vida cotidiana.

El género de la pintura del romanticismo se formó gradualmente, inicialmente apareció un ideal heroico romántico. Hacia fines del siglo XIX, la tendencia comenzó a manifestarse. Principales objetivos y dogmas: énfasis en la espontaneidad, la fe en lo mejor de las personas y la búsqueda de la justicia. El estilo del romanticismo se caracteriza por el predominio de temas mitológicos, la idealización de los tiempos pasados, el rechazo de los dogmas del pasado y la visión racional y por las imágenes líricas.

Cada artista vio el género del romanticismo en la pintura a su manera, por lo que el tema, el estilo y los detalles son significativamente diferentes. Las características especiales de la dirección contribuyeron a la apertura de varias escuelas, entre ellas: la Escuela de Pintores Paisajistas de Norwich, la Escuela Barbizon, etc. Asimismo, el estilo tuvo cierto valor en la manifestación del simbolismo y el esteticismo, y gracias al aporte de los artistas más influyentes, se logró formar el movimiento prerrafaelita.

El romanticismo en las artes visuales se basó en gran medida en las ideas de filósofos y escritores. En la pintura, como en otras formas de arte, los románticos se sintieron atraídos por todo lo inusual, desconocido, ya sean países lejanos con sus exóticas costumbres y vestimentas (Delacroix), el mundo de las visiones místicas (Blake, Frederick, Prerrafaelitas), la magia, sueños (Runge) o subconsciencia de las profundidades oscuras (Goya, Füssli).

La herencia artística del pasado se convirtió en fuente de inspiración para muchos artistas: el Antiguo Oriente, la Edad Media y el Proto Renacimiento (Nazareno, Prerrafaelitas). En contraste con el clasicismo, que exaltaba el claro poder de la razón, los románticos cantaban sentimientos apasionados y tormentosos que captaron a toda la persona.

Los primeros en responder a las nuevas tendencias fueron el retrato y el paisaje, que se están convirtiendo en los géneros predilectos de la pintura del romanticismo.

El florecimiento del género del retrato se asoció con el interés de los románticos por la brillante individualidad humana, la belleza y la riqueza de su mundo espiritual. La vida del espíritu humano prevalece en un retrato romántico sobre el interés por la belleza física, por la plasticidad sensual de la imagen. Un retrato romántico (Delacroix, Gericault, Runge, Goya) siempre revela la singularidad de cada persona, transmite dinámica, intenso latido de la vida interior, pasión rebelde.

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Los románticos también están interesados ​​en la tragedia de un alma rota: los héroes de las obras suelen ser personas con enfermedades mentales. Los románticos piensan que el paisaje es la encarnación del alma del universo; la naturaleza, como el alma humana, aparece en dinámica, cambio constante.

Los paisajes ordenados y ennoblecidos característicos del clasicismo fueron reemplazados por imágenes de naturaleza espontánea, recalcitrante, poderosa, siempre cambiante, correspondientes a la confusión de los sentimientos de los héroes románticos.

Características y tendencias

Durante buena parte del siglo XVIII, la corriente neoclásica dominó en la pintura, principalmente inspirada en dictados de orden, equilibrio, racionalidad, claridad. Para los pintores de la época, el tema representado adquiere una importancia fundamental, que suele catalogarse en función de criterios de relevancia y géneros cada vez menos menores.

Sin embargo, en medio del período romántico, asistimos a la distorsión de todo lo que ha afectado a los dictados artísticos neoclásicos en beneficio de tendencias completamente nuevas. De hecho, la pintura se convierte en terreno fértil para lo irracional, para los sentimientos, para la pasión, para la energía, lo absoluto y el misterio.

En particular, el pintor deja de jugar un rol social preestablecido ligado a ciertos protocolos artísticos y se convierte en un burgués simple y común como muchos que pretende hacer de la creatividad y la imaginación su propia figura artística.

Es decir, el pintor comienza a apuntar al individualismo, a la expresión espontánea y libre de su propio genio creativo. En esta perspectiva, por tanto, toda regla y convención está absolutamente prohibida en la etapa de creación para dar rienda suelta a la subjetividad del pintor.

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Sin embargo, en la era romántica, no solo cambiaron las reglas pictóricas, sino también el propósito artístico. Si en pleno neoclasicismo, de hecho, toda obra es portavoz de una finalidad didáctica, de una finalidad educativa, en el período romántico (como hemos subrayado antes) la obra de arte es mera expresión de la interioridad del pintor que ya no apunta a imitación de la naturaleza circundante sino a la representación del conflicto con la sociedad, del ego contra la naturaleza fuera de sí mismo.

Desde este punto de vista, el sujeto pictórico deja de jugar un papel preponderante porque lo que realmente transmite el mensaje artístico pasa a ser la forma elegida de retratar. En Inglaterra, por ejemplo, la pintura del romanticismo era principalmente paisaje, pero carecía de detalles ennoblecedora.

El paisaje se representa tal cual aparece, sin florituras ni convenciones como en las pinturas de Constable o cargado de dramatismo, con poderosa fuerza evocadora, como en las obras de Turner, en las que también se acogen elementos de la modernidad, como el tren, la máquina, veloz pero insertada en contextos borrosos, dinámicos, tensos.

En Alemania, en cambio, la pintura vuelve su mirada hacia objetivos más filosóficos y religiosos, como en los cuadros de Caspar David Friedrich por ejemplo, en los que la temática romántica se abre paso al poner el foco en la angustia del hombre, la soledad, la melancolía expresada gracias al uso de una naturaleza desnuda y simbólica.

En Francia, la pintura del romanticismo cobra fuerza, está cargada de violencia, lucha, tensión dramática, elementos todos desarrollados por Géricault en el cuadro “La balsa de Medusa”, en el que se escenifica un naufragio durante una de los momentos más dramáticos.

El espíritu de la pintura del romanticismo

El espíritu romántico rechaza la disciplina académica, a favor de un retorno regenerativo a algo más antiguo y libre, más personal y exótico. El descubrimiento de Herculano y Pompeya en el siglo XVII había despertado en los artistas un sentimiento nostálgico del pasado que los llevó a redescubrir y reapropiarse de formas de expresión nuevas y antiguas.

El ideal plástico mediterráneo, encarnado por el héroe griego o romano, fue reemplazado gradualmente por el gusto por las civilizaciones nórdica, germánica, inglesa, escandinava y escocesa. La pintura es el arte figurativo por excelencia del romanticismo y adquiere facetas muy diversificadas según el territorio en el que se desarrolló.

Sentimientos nacionalistas

La Revolución Francesa, que surgió de la Ilustración, fue el trasfondo del Romanticismo. Nacida del ideal de la Ilustración, ‘libertad, igualdad y hermandad’ también proporcionó una base para emociones heroicas y chovinistas. El romanticismo desencadenó sentimientos nacionalistas, en los que se glorificaron el país, el idioma y la historia y las normas y valores tradicionales.

En el proceso de formación de la nación y el estado en el siglo XIX, el nacionalismo también surgió como una ideología política. El contenido de las obras de arte comparó estos sentimientos nacionalistas con el pasado mitológico histórico o ficticio. Los aspectos más destacados artísticos de ese pasado nacional también recibieron mucha atención en los museos.

Aunque los pintores románticos a menudo se remontan al pasado, Eugène Delacroix retrató   la revolución de 1830 ese mismo año. Los revolucionarios están encabezados por Marianne, el símbolo nacional de Francia.

Como alegoría de la libertad, tiene la bandera francesa y un rifle en la mano. Delacroix no ha dotado a la pintura de una capa de barniz, por lo que las texturas polvorientas y los vapores del polvo son mate sobre el lienzo. La falta de una capa brillante hace que el rendimiento sea más realista.

A pesar de la lucha de los artistas por determinar ellos mismos el contenido de su trabajo, también persistió una demanda de trabajo en un estilo clásico. A pesar de la Revolución Francesa, los pintores académicos aún podían ganarse la vida pintando imágenes mitológicas y religiosas. Durante la Revolución Francesa, las iglesias sufrieron, pero casi todos los regímenes franceses mantuvieron vínculos con la iglesia después.

Tampoco querían herir los sentimientos religiosos de la mayoría de la población. Pintores finos tradicionales y conservadores como Delaroche, Lourens Alma Tadema y Bouguereau respondieron a la demanda de pinturas religiosas y mitológicas en la tradición académica.

Lugares exóticos

El siglo XIX fue el siglo de la expansión. Lo que en un principio parecía lejano se acercó gracias al tren y los vapores. Las exposiciones mundiales mostraron arte e industria de continentes “extranjeros”. El colonialismo trajo los mundos exóticos y “primitivos” a Europa. El orientalismo y el exotismo en el arte surgieron del colonialismo y las ferias mundiales.

Las pinturas académicas de Lawrence Alma-Tadema como “La muerte del primogénito” quedaron fascinadas por el tema exótico de la representación. Alma-Tadema trabajó en el estilo clásico tradicional, pero sus actuaciones alimentaron la imaginación romántica y exótica. Los artistas realizaron muchos estudios y bocetos en sus viajes, que antes se veían como estudios preliminares insignificantes.

En la pintura del Romanticismo, el boceto se convirtió en una expresión espontánea del arte, en la que se dejaba ver la caligrafía personal del artista.

El espíritu guerrero, que creció con las ambiciones imperiales de Napoleón, se impuso en la conciencia de muchos artistas. El movimiento de ejércitos propició intercambios entre diferentes civilizaciones, profundizando el conocimiento mutuo, se apreciaron los estilos característicos de cada país.

Las campañas napoleónicas en Oriente Medio despertaron el interés por las civilizaciones árabe y judía, y pintores como Gross y Auguste comenzaron a coleccionar objetos orientales, joyas y alfombras, que pasaron al lenguaje pictórico gracias a Ingres, Delacroix y Chassériau

Pintura del romanticismo en los diferentes países

La profundidad de sus propias vivencias y pensamientos personales es lo que los pintores transmiten a través de su imagen artística, que se realiza a partir del color, la composición y los acentos. Los diferentes países europeos tenían sus propias peculiaridades en la interpretación de la pintura del romanticismo. Todo esto está relacionado con la corriente filosófica, así como con la situación sociopolítica, a la que el arte fue la única respuesta viva. La pintura no fue una excepción.

La pintura figurativa en el romanticismo adquiere facetas muy diversificadas según el territorio en el que se desarrolla. Entre los grandes precursores del movimiento romántico se encontraba Francisco Goya en España. En Francia e Inglaterra resurgió el interés por el pasado nacional cercano que favoreció un cambio en el diseño de decoraciones y complementos, hasta la creación del “Estilo Trovador”.

Este gusto surgió ya en 1770, favorecido en Francia por la serie de estatuas encargadas por el Conde d’Angiviller, que conmemoraban a los ilustres franceses. Los poemas de Milton y el redescubrimiento de las obras de Shakespeare jugaron el mismo papel como estímulo para volver a las glorias pasadas.

Romanticismo alemán en la pintura

En el territorio de Alemania, el estilo se manifestó antes, los artistas se esforzaron por idealizar el pasado: la Edad Media. A menudo las obras eran contemplativas y pasivas, adherentes al romanticismo especializado en paisajes y retratos. Entre otros, destacó Otto Runge, sus lienzos combinan la tensión de la vida interior manteniendo la calma en las manifestaciones externas.

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Runge dibujó escenas de la vida silvestre usando colores vivos, mientras que las criaturas de otro mundo a menudo estaban presentes. Estudió activamente información sobre reproducción cromática, escribió tratados sobre este tema, dividió el espectro en partes y pudo lograr un gran éxito en la transmisión de colores y luz. En sus fantásticos lienzos, pudo lograr una sensación de espacio y aire.

La pintura del romanticismo plena de los siglos XIX y XX se reflejó en la obra de Caspar David Friedrich, especializado en obras de estilo paisajístico. Eligió las montañas del sur de Alemania como tema principal de su creatividad. El talento del artista le permitió transmitir el encanto de la zona, combinado con la transparencia melancólica de la costa del mar. A menudo pintaba paisajes bajo una luz de luna moderada.

El tema mitológico estuvo cerca de muchos artistas, en particular, se observa el predominio del romanticismo en la pintura de  Carstens.

Creó dibujos que acompañan a varios libros, pintó residencias reales. Ya durante su trabajo en Roma, escribió activamente en la dirección, a menudo combinándolo con el neoclasicismo. El artista logró reflejar sentimientos ocultos, drama. En muchos sentidos, la dirección de artistas locales en la pintura del romanticismo de Alemania contribuyó a una mayor difusión del estilo, reflejando más la percepción interna que la esencia real de las cosas.

Una rama es el género del romanticismo en la pintura llamado Biedermeier, se reflejó en obras de cámara, generalmente escenas cotidianas. El estilo era típico de la pintura del romanticismo alemana y de Austria, en los dibujos se dio preferencia a las escenas idílicas. El estilo estuvo representado por Ludwig Richter, G.F. Kersting, Ferdinand Waldmüller y otros artistas.

Romanticismo inglés en la pintura

En Inglaterra se distinguieron tres corrientes artísticas: la corriente visionaria onírica, la corriente de lo sublime y la corriente pintoresca. Los máximos exponentes de cada uno de ellos fueron respectivamente William Blake, William Turner y John Constable. El visionario poeta William Blake extrajo sus obras pictóricas a partir de las imágenes creadas por su poesía, estrechamente ligada al cristianismo.

John Constable fue el primero en renovar con sus colores el sentimiento alegre y libre de la naturaleza, inaugurado en el siglo anterior por Jean Honorè Fragonard , pero abandonado en la era neoclásica , sublimándola. El sentimiento de la historia y el placer de ilustrar lo pintoresco se siente en Inglaterra, un ejemplo es la obra Ventisca, en la que William Turner representa a Aníbal con sus soldados cruzando los Alpes.

Mientras que Thomas Gainsborough , ya tenía que tiempo para descubrir la misteriosa magia de colores con sus toques casi esquemáticos, fluidos, indeterminados respecto al academicismo y el uso de una personal mezcla fluida y brillante.

En el territorio de Inglaterra, el estilo también se arraigó perfectamente, la pintura del romanticismo inglés es más notable en las obras de Johann Heinrich Füssli. Favoreció la gráfica y la pintura, manteniendo el romanticismo en sus cimientos. Logró combinar la idealización de la imagen en la forma clásica con tramas fantásticas.

El artista mostró miedos humanos, incluido el miedo a los espíritus malignos que supuestamente estrangulan a las personas mientras duermen. Aunque el artista nació en Suiza, pasó la mayor parte de su vida en Inglaterra.

Gracias a su visión del romanticismo en Inglaterra, la pintura adquirió un carácter místico. Desde los lienzos nos miran visiones fantásticas y pesadillas que son características de millones de personas. Durante mucho tiempo, el tema fue tácito y gracias a Füssli pudieron debatir a nivel público. Combinó cuentos de hadas, folclore y alucinaciones.

Además, la esencia del romanticismo en la pintura europea fue revelada por William Turner, se hizo famoso por la transmisión de luz aire y el reflejo de las sombras. Un rasgo es una fantasmagoría, mostró huracanes, tormentas, desastres. Poco a poco, los tonos oscuros desaparecieron de las obras del artista, y el lugar principal en ellos se asignó a la iluminación y el aire. Reflejaba movimiento, matices e iluminación especial.

Un conocido representante de la pintura del romanticismo europeo fue William Blake, algunas de sus obras fueron influenciadas por el estudio en profundidad de la Biblia, pero el arte atrajo al artista desde la infancia. Trabajó en témpera y acuarelas, alegando que las visiones le vienen. Al ver cosas increíbles, reflejó su esencia en sus obras, creyendo que todos los artistas trabajan de esta manera.

William Blake tuvo éxito sólo en los últimos diez años de su vida, cuando encontró personas de ideas afines y comenzó a vender sus obras de manera rentable. El arte está dominado por imágenes femeninas, deidades, varios animales y sujetos no estándar.

John Constable tenía un estilo de pintura en relieve, formó la textura con trazos gruesos, a menudo evitando los detalles. Pintó retratos para su sustento, y consideró que su vocación era la pintura de paisajes, aprendiendo la belleza de la naturaleza y las leyes del color antes de popularizar la dirección entre los impresionistas.

El artista prefirió pintar bellezas inglesas, formando muchos bocetos con el fin de obtener aún más la composición. A menudo, los bocetos tenían expresión y energía especial, pero al final no se reflejaban en el trabajo terminado.

Muy a menudo, el escenario estaba pintado con un sesgo místico. Aunque la esencia de la obra se transmite en el estilo del romanticismo, buscó mostrar efectos atmosféricos, entre ellos fue capaz de dibujar la alta humedad, el movimiento del ambiente. Entre otras cosas, se utilizaron para ello trazos quebrados, toques con un pincel con pintura ligera para dar el efecto de brillo.

Constable mostró la furia de los elementos, a menudo representados con arco iris, hermosos edificios, incluidas catedrales. Supo agregar detalles de tal manera que lograra un juego de matices especial, para formar ligereza y llamar la atención sobre los lienzos.

Romanticismo francés en la pintura

En Francia, el romanticismo en la pintura se desarrolló según diferentes principios. La vida social tormentosa, así como los trastornos revolucionarios se manifiestan en la pintura por la gravitación de los pintores para representar temas alucinantes e históricos, también con excitación nerviosa y patetismo, que se lograron mediante un contraste de color deslumbrante, algo de caos, expresión de movimientos. , así como composiciones espontáneas.

Los primeros signos de un cambio de estilo se pueden ver en Francia durante la década de 1810. Durante el reinado de Napoleón, Jacques-Louis David dio forma a la pintura académica con retratos estatales y pinturas históricas.

La pintura de historia que ahora comienza muestra composiciones idealizadas, en su mayoría de pequeño formato, de la Edad Media y el Renacimiento, a las que se hace referencia como estilo trovador. El contenido suele ser de carácter íntimo y anecdótico, pero también hay escenas muy dramáticas.

Se reconstruyen las vidas de artistas venerados como las de Rafael o Leonardo da Vinci, así como las de gobernantes o personajes de ficción. Théodore Géricault, Eugène Delacroix, Ingres, Richard Parkes Bonington, Paul Delaroche son los artistas de la pintura del romanticismo más importantes de Francia.

El importante autor francés, Víctor Hugo, se dedicó al dibujo mientras escribía, literalmente “entre dos versos”. Sus paisajes sombríos en sepia (tinta marrón oscura) y tinta negra reflejan la atmósfera de sus novelas sin referirse a ellas en términos de motivo. Lo romántico se puede encontrar principalmente en los temas: castillos góticos, ruinas en descomposición, naturaleza salvaje, mar rugiente con barcos, etc. André Bretón ya apreciaba el trabajo de Hugo con lo imprevisto, su búsqueda de lo misterioso.

William Bouguereau eligió inicialmente temas mitológicos y piezas de género, más tarde temas principalmente religiosos. Tenía un estilo virtuoso con el que logró reproducir bellamente la sensualidad de la piel y las texturas. Aunque su estilo es muy académico, con las formas y las líneas claras y los colores del neoclasicismo, muchas representaciones están en consonancia con el sentimiento de la pintura del romanticismo.

Su obra también ilustra la huida de la realidad, el escapismo del siglo XIX. El misticismo, la contemplación y el drama en su trabajo de representaciones de santos y figuras mitológicas atrajeron a muchas personas, incluidas las damas y caballeros retratados por los prerrafaelitas en respuesta a los rápidos cambios en la sociedad. Pintores como Dante Gabriel Rossetti tampoco quisieron anunciar una revolución pictórica.

Para los franceses, el romanticismo también significa el sentido de la vida moderna y el esfuerzo por comprender e ilustrar la actualidad. Se abandona así el Clasicismo, Eugene Delacroix es el líder de la pintura romántica francesa: su célebre cuadro “La libertad guiando al pueblo”, se considera la primera parte de carácter político en la historia del arte moderno.

El estilo trovador

El estilo puede considerarse un aspecto del romanticismo, una versión pictórica de los poemas y novelas de Walter Scott, y se ha descrito como un “estilo dentro del estilo”. Populares especialmente en Francia, los pintores de esta corriente representan escenas inspiradas en la Edad Media y el Renacimiento, con ropas coloridas, aventuras amorosas y hazañas caballerescas.

Las pinturas del estilo trovador son generalmente de tamaño pequeño, con énfasis en los detalles. Muchos artistas importantes se han enfrentado a este estilo, por ejemplo Jean-Auguste-Dominique Ingres en La muerte de Leonardo da Vinci (1818, Petit Palais, París).

Artistas de la pintura del Romanticismo

El romanticismo se expresó plenamente en la pintura. Vistos internacionalmente, algunos iconos pictóricos típicos de la ‘época romántica’ 1790-1850 fueron: el pintor alemán Caspar David Friedrich, el inglés John Constable y el pintor francés Eugène Delacroix. Sus diferencias entre ellos muestran cuán diverso fue en realidad el movimiento del romanticismo.

Eugène Delacroix    1798–1863

Delacroix dejó una extensa obra, realizó cientos de pinturas, acuarelas, murales, dibujos, litografías y grabados. Al hacerlo, a menudo eligió representaciones con un contenido emocional o dramático, que representan eventos históricos, mitológicos y literarios. Logró dramatizar sus actuaciones con fuertes contrastes luz-oscuridad. A diferencia de los pintores académicos del neoclasicismo, Delacroix no se centró en formas y líneas “geniales”, sino en el color y la atmósfera.

Aunque las composiciones de Delacroix están pensadas en detalle, el efecto del color era importante para él, lo discutió con Constable y Turner. En sus viajes a Marruecos, entre otros, realizó numerosos bocetos y acuarelas.

Delacroix también eligió temas exóticos, principalmente inspirados en sus viajes al norte de África. En 1824 causó sensación con su cuadro de cuatro metros de altura La masacre de Quíos. El subtítulo era: Escena de un asesinato en masa en Quíos; Familias griegas esperando la muerte o la esclavitud.

En él retrató una horrible masacre que había tenido lugar en la isla de Quíos dos años antes. Además, cincuenta mil griegos fueron asesinados por los turcos otomanos y se llevaron a tantos como esclavos. Delacroix, que conocía bien la Balsa de la Medusa de Géricault porque había sido un modelo para ella, construyó la composición de manera similar con figuras apiladas en triángulos. Debido a esta pintura, Delacroix fue rápidamente visto como el pintor más importante de la época romántica.

En 1827 Delacroix exhibió la pieza histórica La muerte de Sardanapalus, la historia de un monarca asirio de la antigüedad. Después de que su palacio fue sitiado, se dice que este sultán hizo que mataran su harén y sus caballos y quemaron sus pertenencias antes de suicidarse. El cuadro representa las dramáticas ejecuciones de quienes no quisieron beber veneno, con un profundo contraste complementario entre el rojo cálido y las sombras oscuras de las que ya se eleva el humo.

Théodore Géricault 1791–1824

También en Géricault se desvaneció la línea y la forma austeras, tan características de los neoclásicos. Se ocupó de cuestiones de la vida a través de temas históricos, pero también miró la realidad cotidiana. El lienzo más famoso de Géricault, La balsa de la Medusa, está basado en una historia real.

Géricault ha destacado el momento más dramático de esto: en el momento en que la balsa está a punto de hundirse y casi todas las personas a bordo de la Medusa han muerto, algunos descubren un barco en el horizonte. Ese es el barco que salvó a estos supervivientes.

Francisco de Goya 1746–1828

Como pintor de la corte, Goya pintó retratos de la familia real española. Goya había vivido mucha pobreza en su juventud, y para el buen observador se puede ver en estos retratos que aún albergaba sospechas de la aristocracia. También mostró el miedo a la guerra, la opresión y la violencia en grabados y pinturas con representaciones horripilantes.

El pueblo español se rebeló después de 1808 contra las tropas francesas de Napoleón, que cometieron terribles atrocidades durante la ocupación. Se produjo un caos violento en España. Estos terribles acontecimientos determinaron la obra de Goya hasta 1815. La obra más famosa de este período es el 3 de mayo de 1808, que muestra la ejecución de civiles.

Goya también retrató acertadamente la desesperación en la serie pinturas negras. En los últimos años de su vida, la fantasía jugó un papel importante, sus oscuras imágenes de fantasía representan el lado depravado del hombre. Goya ocupa un lugar especial, como cortesano y retratista tuvo que adaptarse un poco a la élite, pero también dejó constancia de su disgusto por el comportamiento del hombre. La obra de Goya, por tanto, ligada al barroco tardío, pero también anunciaba la pintura del romanticismo.

Dante Gabriel Rossetti 1828-1882

En 1848, varios artistas ingleses fundaron la Hermandad Prerrafaelita. Uno de los artistas de este grupo fue Dante Gabriel Rossetti. Querían volver a la naturaleza y distanciarse del arte académico. La pintura italiana temprana antes de Rafael (pre-Rafael) fue la inspiración para su pintura. Piense en pintores como Botticelli, Tiziano y Giorgione.

El objetivo de los prerrafaelitas era crear un mundo mejor, deteniendo la mecanización en curso que envolvía a la Inglaterra victoriana. Los elementos religiosos y sociales jugaron un papel importante en su trabajo.

Caspar David Friedrich 1774-1840

Caspar David Friedrich fue, en pintura, el intérprete más importante del espíritu romántico alemán. En sus obras el pintor expresa la soledad, la melancolía, la angustia del hombre frente a una naturaleza arcana y simbólica, que no revela el secreto de la muerte. La naturaleza está representada por Friedrich en toda su infinitud, como para expresar la sensación de impotencia del hombre, un ser finito, frente a la naturaleza, una manifestación infinita.

El adjetivo que se utiliza a menudo para explicar el romanticismo alemán reside en el término Sehnsucht, que puede traducirse como “deseo de deseo” o “mal de deseo”, una sensación de inquietud continua y tensión conmovedora, un sentimiento que aflige al sujeto y empuja él para ir más allá de los límites de la realidad terrena, opresiva y asfixiante, para refugiarse en el interior o en una dimensión que va más allá del espacio-tiempo.

Francesco Hayez 1791-1882

En Italia, el mayor representante de la pintura romántica fue el veneciano Francesco Hayez, conocido retratista y principal intérprete de la pintura histórica en Italia. El tema histórico fue para Hayez el medio para transmitir los hechos y aspiraciones del Risorgimento.

A diferencia de Delacroix, que representó los acontecimientos políticos actuales de su tierra natal, Hayez retomó sus temas a partir de episodios de la historia italiana pasada (particularmente medieval), a los que atribuyó el valor de las metáforas del presente. Su obra Il bacio se considera el manifiesto del arte romántico italiano.

Joseph Mallord William Turner 1775-1851

El inglés Joseph Mallord William Turner es uno de los artistas más originales de los tiempos modernos. Turner comenzó a colorear puntadas y estudió en la Royal Academy de Londres a partir de 1789. Inicialmente, estaba interesado en la pintura de paisajes.

Durante sus viajes por Inglaterra y Gales, realizó dibujos y acuarelas de antiguos castillos, catedrales y paisajes costeros. Creó sus primeras pinturas al óleo en 1796. En los años siguientes creó paisajes y paisajes marinos, que a menudo aumentó a lo irreal con figuras mitológicas y motivos dramáticos.

Las pinturas de paisajes de Turner son un preludio del impresionismo, el expresionismo y el informalismo. Se le considera el descubridor del paisaje atmosférico y, por lo tanto, fue el primero en crear la dirección en la pintura de paisajes que no quiere representar los objetos en sí, sino la impresión que causan bajo ciertas condiciones de iluminación. Visto así, es el verdadero precursor de los impresionistas y unas dos generaciones antes que los franceses.

Las pinturas de Turner aportan modos y timbres completamente nuevos a la pintura del siglo XIX. Pintó sus paisajes, horas del día, condiciones climáticas, formaciones de nubes con contornos disueltos y borrosos, con detalles nítidos en el medio. Su pintura “Lluvia, vapor, velocidad”, de 1844, es una de las primeras representaciones de un ferrocarril: la máquina de vapor de hierro emerge de una nebulosa nube de color; la fealdad y la magnificencia del mundo cambiado por la industria son atractivas.

Cuadros emblemáticos del romanticismo

En lo que respecta al romanticismo, la pintura es sin duda una de las mejores formas de entender el alma de este período histórico, intenso y contrastante. Los principales motivos de los artistas en este período fueron el anhelo, el amor y la soledad, así como lo aterrador, subconsciente, fantástico y aventurero, a lo que los humanos no podemos resistir. Las obras de arte románticas están moldeadas por el espíritu del individualismo y, a menudo, transmiten un estado de ánimo melancólico, incluso triste.

El beso de Francesco Hayez  

(Pinacoteca di Brera -Milán) No se puede empezar a hablar de las pinturas del romanticismo más bellas sin partir de la obra maestra italiana de Francesco Hayez, pintor italiano con fuerte presencia en Milán, capaz de combinar cuentos políticos con escenas de intensa belleza. No es casualidad que este cuadro se haya convertido en el manifiesto del romanticismo en Italia y el propio pintor lo propuso en tres versiones diferentes.

Si a primera vista observamos a los dos amantes empeñados en un beso apasionado, capaz de narrar el ardor juvenil, en realidad los significados subyacentes son mucho más profundos: unión nacional, patriotismo, compromiso político y militar, todo representado alegóricamente en este asombroso cuadro.

La balsa de la Medusa de Théodore Géricault  

(Louvre -París) De gran tamaño, La balsa de la Medusa de Théodore Géricault fue originalmente una causa de escándalo y conmoción real. La pintura narra un hecho trágico que realmente tuvo lugar: el naufragio de 1816 que costó la vida a cientos de soldados. Ese evento conmocionó a toda una nación cuando ciento cincuenta personas subieron a la balsa, pero solo quince lograron sobrevivir y ser rescatadas.

El pintor, entonces muy joven, relató la tragedia con sorprendente realismo para la época, estudiando los cuerpos directamente en vivo, incluida la morgue. De la época del neoclasicismo, que todavía caracteriza tanto al arte en Francia, se sumergió en un intenso romanticismo. Entonces, la obra se entendió completamente solo a lo largo de los años, como suele ocurrir con los grandes artistas, pero, cuando salió, la emoción que prevaleció fue la de rechazo.

El caminante sobre el mar de nubes por Caspar David Friedrich

(Hamburg Kunsthalle -Hamburgo) Esta es la pintura que encarna bien alguno de los principales valores de la pintura del romanticismo. La representación inmortaliza a un viajero por detrás y frente a un mar tempestuoso.

Lo que cuenta este maravilloso cuadro no es una historia, como ocurre en los demás cuadros vistos hasta ahora, sino un estado emocional: el concepto de infinito, de vagar y de la imperfección del alma y sus sentimientos. El caminante sobre el mar de nubes es el emblema del romanticismo alemán, muy diferente de los franceses e italianos.

El Temerario remolcado a su último atraque para el desguace de William Turner 

(National Gallery -Londres) A través de sus pinturas, William Turner es capaz de narrar estados emocionales, sentimientos y conceptos románticos como lo sublime. Esta obra maestra narra el último viaje del barco inglés Temerario, una vez victorioso en la batalla: remolcado para ser destruido, está representado con la bandera blanca erizada y el atardecer detrás, una representación capaz de combinar sentimientos encontrados y significados políticos.

La carreta de heno de John Constable 

(National Gallery -Londres) John Constable es otro de los pintores más significativos de la pintura del romanticismo inglés y, como Turner, también se dedicó totalmente a la representación de los paisajes bucólicos de Dedham Vale, cerca de donde nació. Su gran obra maestra es La carreta de heno, un gran lienzo, que en su momento causó escándalo: la técnica utilizada, de hecho, parecía casi impresionista por las pequeñas pinceladas que forman el paisaje.

Una novedad que en Londres parecía irreverente y deliberadamente provocativa, pero que fue muy querida en Francia, incluso por Géricault. Seguramente la naturaleza fue la protagonista de este artista, pero de una naturaleza muy diferente a la representada por Friedrich.

La Libertad guiando al pueblo de Eugene Delacroix 

(Louvre -París) Representa la libertad que conduce al pueblo unido, contra el opresor, un gran concepto de patriotismo. Aquí no cuenta la clase social, Delacroix representa a diferentes tipos de personas como se puede ver en la indumentaria y también por eso siempre ha sido considerado un ícono del arte político. Uno de los primeros ejemplos del género y sin duda una de las pinturas más queridas de la historia.

Los niños de Huelsenbeck por Philipp Otto Runge

(Kunsthalle -Hamburgo) Este artista pertenece al romanticismo alemán y se distingue por las representaciones de niños, lo que le valió el sobrenombre de pintor de cuentos de hadas. Forma parte del romanticismo por sus significados alegóricos, como en el cuadro elegido entre sus más bellos: Los hijos de Hülsenbeck.

El cuadro, que representa en primer plano el retrato de los hijos de un amigo junto a los girasoles y presenta una perfecta composición cromática, expresa el sentido alegórico de la infancia, la inocencia y la edad perdida, que el romanticismo mira con melancolía.

Dido construye Cartago por William Turner

Una de las prerrogativas del romanticismo artístico era mirar al pasado, a menudo añorando tiempos lejanos y sintiendo una profunda nostalgia. En Dido construye Cartago, Turner representa bien este concepto.

Admirador de los artistas anteriores Nicolas Poussin y Charles Lorraine, como ellos, el pintor inglés utiliza elementos antiguos, comenzando por el tema de la obra en sí, tomado de la Eneida de Virgilio. Pero para capturar al espectador está el aspecto naturalista y las sensaciones que transmite esta naturaleza. Una naturaleza serena y majestuosa que domina.

El naufragio de la esperanza de Caspar David Friedrich 

El tema del naufragio vuelve de nuevo en Friedrich, pero esta vez en un mar de hielo. Lo que más caracteriza la pintura del artista alemán es la evocación de fuertes sentimientos a través de imágenes de paisajes y naturaleza que simbólicamente tienen otros significados.

El naufragio, de hecho, representa la continua peregrinación del hombre y evoca su extrema fragilidad, la fragilidad humana. El hombre, aunque está en constante búsqueda, está a merced de los acontecimientos y no puede hacer nada contra ellos.

La Catedral de Chartres de Jean Baptiste Camille Corot 

Paisajista en primer lugar, Camille Corot es uno de los artistas románticos por su atención a la naturaleza y la relación que nutre con el hombre, como se puede apreciar en este bello cuadro: la Catedral de Chartres. La pintura representa la presencia del hombre en un contexto natural formado por árboles, nubes y prados. La presencia humana es sentida por las figuras en primer plano en una creación pictórica que pretende dar igual importancia a todos los diferentes elementos representados.

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