La lechera de Vermeer, pintor holandés

Una obra de arte no es solo una pintura que muestra determinadas imágenes, también es una forma de exponer la realidad, plasmar la personalidad del pintor en cada trazo e incluso manifestar la mentalidad y las ansiedades de una época determinada. Así que con este artículo, exploraremos todo el misterio que hay tras La Lechera de Vermeer.

LA LECHERA DE VERMEER

Identificación y descripción de la Lechera de Vermeer

La lechera es un óleo sobre lienzo de 45,5 x 41 cm del afamado pintor holandés Johannes Vermeer de Delf. En esta obra el artista capta con todo de detalles y seguridad, la prudencia y determinación con que una empleada de cocina doméstica realiza una de sus tareas más habituales: verter leche sobre loza de cerámica. La pintura en la actualidad se halla en el Rijksmuseum de Ámsterdam, Países Bajos.

Los pintores de esa época acostumbraban representar en sus obras acciones cotidianas o habituales de la vida como quehaceres del hogar por ejemplo, por lo que el género costumbrista es algo muy característico en esta obra de Vermeer, además que tiene un estilo barroco holandés que se utilizó mucho para representar la riqueza de las familias holandesas en ese momento. Aunque se desconoce el año exacto de finalización del cuadro, los expertos determinan que fue pintado entre los años 1658-1661.

  • Autor: Johannes Vermeer
  • Cronología: 1658 – 1661
  • Técnica: Óleo sobre lienzo
  • Dimensiones: 45,5 x 41 cm
  • Género: Pintura de género o costumbrista
  • Estilo: Barroco Holandés
  • Ubicación actual: Rijksmuseum de Amsterdam, Países Bajos

Análisis de la pintura

Lo primero que se observa en esta obra es a una mujer que vierte la leche de una jarra de barro en una vasija del mismo material. La leche vertida se convierte en el centro de atención gracias a un truco de composición; que es la construcción de dos diagonales imaginarias que se encuentran en las muñecas de la mujer. Mientras que la jarra inclinada hacia adelante (como en esta pintura) o sostenida en alguna forma sugerente, de acuerdo a muchos críticos de la pintura refiere a la anatomía femenina.

También hay una mesa está cubierta con un mantel de color verde y sobre esta cuelga un paño azul. La mesa además contiene que exterioriza elementos de naturaleza muerta como varios trozos de pan, una canasta de pan y una jarra de cerámica azul, (es interesante observar como en el  pan el pintor usó pequeños puntos brillantes, esta es una técnica conocida como puntillés).

La lechera de Vermeer que en sí es una sirvienta, que posiblemente esté haciendo papilla de pan en la olla. La figura robusta de la fémina está resplandecida por la luz que traspasa la ventana, ella haya concentrada en su tarea por lo que en su rostro se refleja una inmersión en sus pensamientos o simplemente su preparación. Algunos observadores de la pintura dicen, que sus pensamientos pueden estar vinculados a un fantaseo con alguien, destacando que el sonrojo de sus mejillas puede validar esta idea.

LA LECHERA DE VERMEER

Como vestimenta la cual es muy representativa a lo holandés contemporáneo del siglo XVII, lleva un sombrero de lino blanco, una chaqueta de lana amarilla, mangas remangadas verdes y azules que no están incluidas en su chaqueta, un delantal azul y una falda roja. En el lugar de la escena, la luz del sol entra por la ventana de la izquierda.

Asimismo, se puede detallar una canasta de pan que cuelga de la pared a la derecha de la ventana. Una pequeña pintura con contenido desconocido que cuelga sobre la canasta y un recipiente de metal que también cuelga a la derecha de la misma. La gran pared trasera es blanca donde se puede notar la presencia de un  clavo y algunas ausencias de ellos por los huequitos presentes en la obra, además esta pared se encuentra iluminada por la luz del sol a través de la ventana.

En el segmento inferior de esta pared, hay una serie de azulejos característicos de Delft Blue. Anverso a estos azulejos hay una especie de calentador de pies con nueve agujeros en la parte superior y un cuenco llenos de brasas en su interior, este objeto sugiere sentimientos de calidez y la falta de ellos. En términos de iconografía se ha escrito extensamente que el simbolismo de este denota un despertar en la sexualidad de la mujer, ya que las brasas insinúa que no sólo calentarán sus pies sino todas las demás partes del cuerpo escondidas debajo de su falda.

Por lo que el calentador de pies puede haber señalado la reputación prevaleciente de las empleadas domésticas, especialmente las lecheras como disponibles sexualmente,  y desde el un punto de vista pragmático puede indicar el trabajo duro de la mujer y la necesidad de descanso en el medio.

Continuando con la observación de la pintura, a la izquierda del calentador se haya un azulejo que tiene como figura a Cupido, mientras que el azulejo a la derecha del calentador representa a un hombre con un bastón largo. Esta última figura mencionada podría de igual forma validar lo mencionado anteriormente en relación al pensamiento de la mujer, por lo que se puede decir que el personaje de su pensamiento es un amante ausente. La imagen del azulejo contiguo en el extremo derecho presenta una imagen que deliberadamente es indescifrable.

La calidad matérica

Esta obra de la lechera de Vermeer presenta diversos detalles que denotan cierto legado de la escuela de pintura renacentista flamenca del siglo XV, entre lo más característico de esta obra se mencionan los siguientes: el detalle de la cesta de mimbre, el clavo que se encuentra en la pared y el calentador que contiene un cuenco lleno con brasas ardientes.

La composición y el sentido del espacio 

Lo primero que hace captar la atención “La Lechera de Vermeer” es el fuerte arreglo triangular formado por la mujer, el pan y la mesa. Esta área contiene la mayoría de los colores, actividades y luces del tablero. Asimismo, hay una línea implícita creada por el campo de visión de la mujer cuando mira la leche vertida. De cierto modo, esto ayuda a mantener su atención en esta área triangular: por lo que esto hace desear ver hacia dónde la mujer está mirando.

Fuera de la área anteriormente mencionada, hay algunas vistas menos importantes en la composición: los azulejos de Delft y el calentador de pies en la parte inferior de la pared; la cesta colgante de la izquierda; el clavo y pequeños agujeros en la pared; la ventana; y lo que parece ser un marco de fotos que cuelga en la esquina superior izquierda.

En sí, estas no son características clave de la pintura, pero juegan un papel importante a la hora de dar forma a la escena y llamar su atención sobre la pintura. Por lo que el pintor también agrega el elemento: así que cuanto más miras, más sutiles se vuelven los detalles. Finalmente, se puede destacar que todos los detalles incorporados por el pintor, incluyendo la interacción entre bordes duros, blandos y perdidos contribuye a la notable sensación de realismo en esta pintura.

Vale recalcar, que los bordes duros sugieren cambios repentinos en el sujeto, como cambiar de tela clara a oscura o de tela amarilla a azul. Los bordes suaves y perdidos indican una falta de claridad en áreas enmascaradas por sombras.

LA LECHERA DE VERMEER

Los colores, luz y textura

En cuanto a los colores, Vermeer utilizó una pequeña cantidad de pigmentos en comparación con su pintor y productor de color contemporáneo Rembrandt, que utilizó más de cien pigmentos. Sin embargo, se han detectado menos de veinte pigmentos en las obras de Vermeer y diez de ellos parecen haberse utilizado con regularidad.

Curiosamente, en la época de Vermeer, cada pigmento se diferenciaba del otro en términos de durabilidad, tiempo de secado y trabajo. La dificultad de pintar con estos pigmentos era que muchos de ellos a menudo eran incompatibles entre sí y tenían que usarse por separado. Si bien es poco probable que Vermeer tuviera todos los pigmentos en su paleta al crear cualquiera de sus obras, es posible que tuviera los pigmentos necesarios para cada parte de la pintura en la que estaba trabajando.

Este pintor solía utilizar siete tipos diferentes como el: plomo blanco, ocre amarillo, bermellón, rojo loco, verde tierra, ámbar crudo y negro marfil. Un dato notable sería decir que en La Lechera hay tonalidades de azul para pintar. Por lo que Vermeer usó un pigmento especial llamado ultramar, que era más caro y más fino que la azurita de uso común.

Ahora en cuanto al análisis de la pintura, partiendo del rostro de la mujer es importante centrarse en la luminosidad que se cuela por la ventana y que se refleja directamente sobre su rostro en sombras y escamas pálidas, crea un efecto tridimensional. Para el rostro, el pintor utilizó pequeños toques de pintura como marrón rojizo, blanco, ocre claro y marrón mezclados para pintar la forma de su rostro.

La ventana se convierte en uno de los temas focales del cuadro, aportando luz y luminosidad al retrato. Por lo que Vermeer presta la mayor atención a cada detalle de la pintura; un objeto común como la ventana rústica se pinta meticulosamente prestando atención a los pequeños detalles como un trozo de vidrio roto o la irregularidad del marco de la ventana. Así como en esta pintura y otras de Vermeer, las ventanas están tan geométricamente estilizadas que, en algunos casos, parecen obras de arte abstractas en sí mismas.

LA LECHERA DE VERMEER

La canasta y el cubo de cobre junto a la ventana elementos del cuadro, está pintada en blanco, ocre y negro, que finalmente se combinan para que coincida con la forma de mimbre de la canasta. Ahora, la textura ligeramente porosa de la jarra de cerámica y el puntillés con la que se pinta el pan confieren a la imagen un brillo y una naturalidad extraordinaria.

En relación a la vestimenta la cual muchos dicen que es un vestido de invierno por la cantidad de capas que tiene, el pintor aplicó toques rápidos y gruesos de pigmento amarillo y marrón para darle la textura rugosa requerida.

Ahora la forma en que Vermeer incluyó los efectos de la luz solar en esta pintura es particularmente notable. La luz es más visible cuando miras las paredes. La pared izquierda está a la sombra y la pared trasera está muy iluminada. También puede ver diferentes sombras en la pared trasera. Una obvia es la sombra del contenedor de metal a la izquierda de la pared trasera.

Otro punto a resaltar en relación al trabajo de la luz se ve en la ventana que está incluida sólo parcialmente, acá podemos hacernos una buena idea de su tamaño real observando la presencia o ausencia de sombras. Por ejemplo, al no presenciarse la sombra de la lechera, nos indica que la ventana no se extiende mucho hacia la izquierda. Sin embargo, podemos ver la sombra de la uña en la parte superior del marco (sobre el hombro derecho de la Lechera), lo que indica que la ventana es bastante alta.

Datos curiosos

Cuando la pintura fue sometida a visión de rayos X o técnicas de análisis modernas, puede visualizarse que el cuadro actual tiene un gran cambio de pentimento o trasfondo, es decir, que se puede visualizar objetos que Vermeer colocó primeramente pero que luego decidió cambiar con otros objetos.

El pintor inicialmente incluyó una pintura de un mapa del mundo en la pared blanca. Sin embargo, como las pinturas eran bastante caras en ese momento, las quitó para crear una pared vacía para simplificar la habitación. En segundo lugar, también incluyó una canasta de ropa junto a la parte inferior derecha de la falda roja de la mujer, pero también la quitó más adelante. Probablemente quitó esta canasta para poner más énfasis en el tema principal de esta pintura y no distraer demasiado al espectador.

En relación a la identidad de la mujer, algunos críticos han especulado que fue Tanneke Everpoel la criada de la familia Vermeer. Y en cierto modo, este retrato se le asocia a ella debido a algunos documentos de archivo de 1663 de donde se conoce su existencia y carácter.

En cuanto al movimiento físico de la pintura, hay información que posiblemente al morir el pintor en 1674 fueron compradas alrededor de 21 obras de Vermeer por su mecenas de Delft, Pieter van Ruijven. Cuando estos cuadros se vendieron en la finca del yerno de Van Ruijven, Jacob Dissius en 1696, La lechera de Vermeer fue descrita como “excepcionalmente buena” y obtuvo el segundo precio más alto en la venta (el célebre paisaje urbano de Vermeer, Vista de Delft (que se encuentra Mauritshuis en la Haya), era un poco más caro).

“La lechera de Vermeer”, posteriormente fue subastada en 1719 y luego pasó por al menos cinco colecciones de Amsterdam a una de las grandes coleccionistas de arte holandés, Lucretia Johanna van Winter (1785-1845). En 1822 se casó con un miembro de la familia de coleccionistas Six, y fue a través de los herederos de los dos hijos de Lucretia que el Rijksmuseum en 1908, compró a “La Lechera” con el apoyo del gobierno holandés y la Sociedad Rembrandt.

Contexto, autor y otras obras

La lechera de Vermeer fue una obra que se pintó en una época de gran riqueza y poder en los Países Bajos, cuando el comercio, el arte y la ciencia se estaban desarrollando hasta el punto de estar entre los más famosos del mundo. En 1568, las siete provincias que firmaron la Unión de Utrecht iniciaron un levantamiento contra Felipe II de España que finalmente desembocó en la Guerra de los Ochenta Años. Antes de que España recuperará los Países Bajos, Inglaterra declaró la guerra a España y obligó a las tropas españolas a detener su avance.

LA LECHERA DE VERMEER

La Guerra de los 80 años culminó finalmente con la Paz de Westfalia en 1648, donde España y la República Unida de los Siete Países Bajos firmaron el acuerdo de paz. La Compañía Holandesa de las Indias Orientales estableció un monopolio holandés sobre el comercio asiático que prevaleció durante dos siglos. Los holandeses también dominaban el comercio entre países europeos, en 1680 un promedio de casi 1.000 barcos holandeses cruzaban el Mar Báltico cada año.

En términos de estatus social, el de los Países Bajos estaba determinado en gran medida por los ingresos. Esto trajo una nueva forma de ver las clases sociales. La aristocracia había vendido la mayoría de sus privilegios a las ciudades donde dominaban los comerciantes y su dinero. El clero no tuvo influencia, ya que la Iglesia Católica Romana había sido suprimida al comienzo de la Guerra de los Ochenta Años.

El calvinismo era el movimiento religioso predominante de la época, y hay algunos rumores que vinculan a Vermeer con la fe calvinista, aunque no está claro si se hizo católico después de casarse con su esposa.

Lo cierto es, que debido a las fuertes enseñanzas del calvinismo, a los artistas de la época no se les permitió representar el sexo en sus pinturas. Sin embargo, Vermeer junto con otros artistas de la época supo burlar la censura dejando sutiles símbolos que evocan la lujuria o la sexualidad femenina, y esto es algo muy reflejado en la lechera de Vermeer.

¿Quién es Vermeer?

Johannes Vermeer nació en una familia de clase media en octubre del año 1632, oriunda de la ciudad comercial holandesa de Delft. Su padre, de nombre Reijnier Jansz para ganarse la vida se dedicaba a tejer telas, luego se convirtió en un posadero y finalmente en un comerciante de arte. Su madre, Digna Baltus que probablemente fue una ama de casa, de ella no hay mucha información.

Educación y formación

Se cree que el adolescente Vermeer se anotó como aprendiz de pintor de su padre a mitad de la década de 1640, quien estaba listo para pagar los costosos honorarios para asegurarse de que su hijo tuviera un futuro brillante. Debido a la falta de evidencia empírica, es imposible nombrar de quién aprendió Vermeer, pero varios historiadores sugieren que el estudiante estrella de Rembrandt, Carel Fabritius, le dio su educación inicial. Otros creen que su maestro fue el pintor Pieter van Groenewegen, que nació en Delft y creció en el Gremio de San Lucas.

En 1653 Vermeer se unió en lazo matrimonial con Catharina Bolnes, hija de una rica familia católica de Delft. Aunque ambos grupos de padres se opusieron al matrimonio debido a creencias cristianas en conflicto, la boda tuvo lugar después de la conversión de Vermeer al catolicismo.

Quizás para demostrar su devoción por su nueva religión y sus suegros, Vermeer pintó a Cristo en la casa de Marta y María (1654-55), su única descripción conocida de una narración bíblica. Su matrimonio con Catherine le permitió a Vermeer ascender en la escala social de manera significativa, y se cree que luego incluso redujo el contacto con su familia mientras vivía en la formidable casa de su suegra.

Durante ese tiempo de su matrimonio, Vermeer continuó el legado de su padre y se apuntó como maestro pintor en el Gremio de San Lucas, lo que le brindó una variedad de sucesos oportunos, mecenas y vínculos para prosperar en su carrera. Sus primeras obras muestran la influencia de maestros como Rembrandt, el italiano Caravaggio y los pintores de Utrecht Caravaggisti como Gerrit van Honthorst y Dirck van Baburen.

Tiempo de madurez

En 1662 Vermeer se convirtió en el jefe del Gremio de San Lucas, lo que significaba que habría estado en estrecho contacto con numerosos mecenas, artistas y coleccionistas de Delft. El nuevo cargo lo convirtió en un pintor autoestimado, aunque las pocas pinturas que existían han llevado a muchos estudiosos a creer que el artista sólo producía alrededor de tres pinturas al año.

Además que la riqueza de la familia de su esposa hizo posible que Vermeer pintaba para su propio placer, en lugar de mantener a su familia como era el caso de la mayoría de los otros pintores, y nunca contrató a nadie como estudiantes o aprendices.

También se sabía que el pintor había utilizado pigmentos costosos como el lapislázuli para la falda de la lechera y el carmín profundo para el vestido de la niña de la copa de vino. Si bien algunos han sugerido que el mecenas de Vermeer, Pieter van Ruijven, compró y suministró al artista estos ingredientes exclusivos, tal vez no sea sorprendente que fue en esta época cuando el pintor comenzó su propia caída en deudas.

Tiempo tardío y muerte

El año 1975 fue cuando Vermeer murió, este dejó tanta deuda que su familia no pudo pagar una lápida para él. En la historia holandesa, el año 1672 se denominó “El año del desastre” debido a la invasión de la República Holandesa por parte de los ejércitos francés, alemán y británico. Esto condujo a un colapso económico dramático para el otrora próspero país de clase media.

El mercado del arte se desplomó y Vermeer apenas podía permitirse el lujo de mantenerse a sí mismo, a su esposa, a su madre y a sus once hijos. Se endeudó cada vez más, pidió prestados miles de florines e incluso fue sorprendido guardándose el dinero de su suegra.

Específicamente Vermeer murió  el 16 de diciembre de 1675, después de caer en un ataque de locura y depresión. En los registros judiciales, su esposa declaró:

“… durante la guerra ruinosa con Francia no solo no pudo vender una de sus obras, sino que también se sentó en gran desventaja con pinturas de otros maestros que como resultado y debido a la gran carga de sus niños al no contar con sus propios recursos, cayó en tal decadencia y depresión, que se había tomado a sí mismo tan en serio como si en un día y medio hubiera entrado en un frenesí y  pasado de sano a estar muerto “.

El legado

Debido a la gran fama local durante su vida, Vermeer pareció desaparecer del mundo del arte hasta el siglo XIX, cuando los artistas franceses al igual que Édouard Manet; cuando comenzó a regresar la mirada hacia lo real y sin pretensiones. Y debido a que Vermeer había sido tan experto en capturar momentos de belleza ordinaria, se convirtió en una gran influencia para estos artistas, quienes revivieron la conciencia del trabajo del maestro.

A pesar de que solo han sobrevivido 34 (tres Vermeer más controvertidos) de sus piezas, Vermeer es hoy considerado uno de los más grandes artistas de la edad de oro holandesa. En el siglo XX, el surrealista Salvador Dalí quedó fascinado por el trabajo de Vermeer y produjo sus propias variaciones, incluido El fantasma de Delft de Vermeer, que se puede usar como mesa en 1934, y La encajera (después de Vermeer) en 1955.

Otros artistas, como el pintor danés Vilhelm Hammershoi, adaptaron los tranquilos interiores de Vermeer a sus propios temas de los siglos XIX y XX. Hammershoi modernizó Woman in Blue leyendo una carta de Vermeer, invirtiendo la imagen y atenuando la paleta de colores para que casi parezca que el público está mirando una foto antigua de una sala de estar danesa.

Entre muchas de las pinturas pinturas sublimes de Vermeer, la joven con un pendiente de perla es considerada la “Mona Lisa del Norte”. Su asombroso realismo y ambigüedad emocional han inspirado a artistas, escritores y cineastas durante décadas. Más recientemente, el artista de graffiti británico anónimo Banksy ha reinterpretado y reproducido la pintura en un edificio en Bristol, Reino Unido. Se usó una alarma antirrobo en lugar del legendario arete de perlas.

Logros de Vermeer

Este artista se especializó en escenas de la vida doméstica, un género que ayudó a catapultar al léxico barroco. Muchas de sus pinturas contienen los mismos muebles o motivos que vivía en su propio estudio privado, y sus modelos eran a menudo mujeres que conocía o parientes de mecenas.

Vermeer además recibió póstumamente el título de “Maestro de la luz” debido a la sensible atención que prestó a expresar cómo la luz jugaba con la piel, las telas y las gemas en su trabajo. Su experiencia se deriva del uso de técnicas renacentistas como el claroscuro, mezcladas con su propio uso distintivo de la luz, la sombra y el color para evocar textura, profundidad y emoción.

Los colores y pigmentos eran de gran interés para Vermeer y era conocido por su exquisita combinación de tonos etéreos. Se dice que su mecenas, Pieter van Rujiven, compró y proporcionó al artista ingredientes costosos como lapislázuli y carmín para estos esfuerzos. Quizás no sea de extrañar que fue en este momento cuando el pintor comenzó su propio endeudamiento, compulsivo como era con sus valiosos materiales.

Vermeer fue un pintor modestamente exitoso en su vida, pero hoy en día solo se le atribuyen 34 pinturas (algunas otras son cuestionables), lo que significa la gestión semi-imprudente del artista de su carrera, que eventualmente lo dejaría a él y su familia endeudados y desesperados.

Dado que la incertidumbre económica, la locura y la depresión reforzaron la vida del artista, se ha asumido que el idilio silencioso que Vermeer era conocido por representar en la pintura reflejaba un mundo en el que él mismo podría haber querido vivir.

Otras obras de Vermeer

Entre las obras del pintor holandés Vermeer que pueden ser admiradas y observadas a disposición al público, se pueden mencionar las siguientes:

  • Cristo en la casa de Marta y María de 1654-1656
  • La procuradora de 1656
  • El oficial y la joven que ríe de 1657-1660
  • La chica de la copa de vino de 1659
  • La vista de Delft de 1660-1661
  • Mujer de azul leyendo una carta de 1662-1663
  • La lección de música o Una dama en las virginales con un caballero de 1662-1665
  • La joven con el pendiente de perlas de 1665
  • La señora y la criada de 1667
  • El astrónomo de 1668
  • Dama sentada en un virginal de 1672
  • La alegoría de la fe de 1670-1674

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