Concebido por sus creadores y seguidores como una tendencia amplia en el arte que refleja la búsqueda de nuevos significados por parte de los artistas contemporáneos, el Arte Posmoderno es la respuesta en esta búsqueda a la crisis de la cultura clásica.
Arte Posmoderno
Se cree que en el siglo XX se produjo la llamada “muerte de los súper fundamentos”: Dios, hombre y autor. En otras palabras, la base religiosa se sacudió, surgió una crisis de ideas humanistas y los creadores pasaron de crear una nueva a repensar la vieja.
El posmodernismo en el arte es parte de una tendencia global que ha adoptado la cultura y la filosofía mundiales. El posmodernismo no es un estilo único, sino un complejo de direcciones, unidas por una base ideológica común. Muchos de ellos incluso se enfrentan entre sí.
El posmodernismo es un término derivado del idioma francés (postmodernisme). Este nombre refleja el significado de la dirección que reemplazó al arte de la era del modernismo (que no debe confundirse con la modernidad). A finales del siglo XIX y principios del XX, los movimientos modernistas (o vanguardistas) asestaron un fuerte golpe al arte clásico. Pero gradualmente los creadores dejaron de estar satisfechos con los enfoques modernistas.
Paralelamente a una multitud de nuevos desarrollos tecnológicos, el posmodernismo ha llevado a experimentos artísticos con nuevos medios y nuevas formas de arte durante casi cinco décadas, incluido el arte conceptual, varios tipos de performance e instalaciones artísticas y corrientes informáticas como el deconstructivismo y la tecnología de proyección.
Características del posmodernismo
Jean-François Lyotard y otros teóricos describen los fundamentos espirituales de la modernidad como una creencia inquebrantable en una progresión constante de la compresibilidad cada vez más detallada del mundo y el enfoque gradual hacia un conocimiento perfecto. Los sistemas totalitarios del siglo XX desacreditaron permanentemente el carácter absoluto de tales modelos.
Aquí están las razones de la necesidad de definir el posmodernismo como una ruptura consciente con la modernidad. El posmodernismo rechaza no solo la creencia moderna en el progreso, sino también la existencia de una realidad objetiva comprensible. La teoría y la estética posmodernas asumen que todo el conocimiento, toda la percepción y cada área de la conciencia y la existencia están sujetos a la relatividad. Un concepto clave del posmodernismo es pluralidad.
El deseo de la modernidad de crear constantemente algo nuevo, y los medios artísticos utilizados para lograrlo, se consideran automatizados, establecidos y obsoletos en el posmodernismo. El principio de que no se puede crear nada nuevo hace que el uso de citas sea una característica estilística esencial del arte posmoderno.
La demanda de apertura en el concepto de arte y la obra de arte individual abre posibilidades casi ilimitadas por un lado: el posmodernismo abre una variedad de nuevas formas de expresión al cruzar las fronteras de los géneros.
Una técnica de la era posmoderna utilizada con frecuencia es el collage. Este término, acuñado a principios del siglo XX para las pegatinas dadaístas, es mucho más amplio en la era posmoderna. Incluye, por ejemplo, instalaciones a gran escala, técnicas fílmicas o procesos de composición musical.
Autores como Umberto Eco (El nombre de la rosa), arquitectos como Friedensreich Hundertwasser (Hundertwasserhaus, Viena) y artistas como Keith Haring intentan cerrar la brecha entre la comprensión elitista del arte y la cultura de masas; esto también, es un aspecto esencial de la estética posmoderna.
Muchas obras posmodernas, especialmente en las artes escénicas, no quieren ser entendidas como un resultado perfecto, sino como un arreglo experimental. La presentación será fragmentaria (literatura: Roland Barthes, Fragmentos de un lenguaje de amor) o una obra en progreso (danza teatro: William Forsythe, La obra de Scott ) en varias etapas de su desarrollo.
Los críticos de arte dan diferentes respuestas a la pregunta sobre qué es el posmodernismo en la pintura, ya que la cultura posmoderna es un fenómeno multifacético y no tiene una plataforma ideológica clara. Los posmodernistas no crearon un canon universal, además, se negaron en principio a crearlo. Quizás el único valor básico declarado por los partidarios de esta tendencia es la libertad sin fin de expresión.
La posmodernidad no es un movimiento, sino una forma general de pensar. Por tanto, no existe una lista única de características que definen el «arte posmoderno». Sin embargo, hay una serie de características que son propias del arte posmoderno:
- Libertad ilimitada y absoluta del artista en la elección de los métodos de autoexpresión.
- Repensar las imágenes tradicionales, incluyéndose en un nuevo contexto (de ahí la amplia distribución de remakes, interpretaciones, citas artísticas, préstamos, alusiones).
- El sincretismo, es decir, la fusión de elementos heterogéneos en un solo todo, que a veces incluso se contradicen entre sí (por ejemplo, el uso de diferentes estilos por parte del artista en un cuadro, o incluso una combinación de pintura con otros tipos de arte).
- Diálogo, es decir, una mirada al tema desde diferentes ángulos, desde la posición de diferentes «voces», que finalmente crean una «sinfonía» polifónica.
- Forma de presentación de la obra, invitación del espectador a unirse a la obra con significados.
- Naturaleza impactante de la creatividad.
- Ironía y autoironía del autor. Los artistas ahora son mucho más escépticos con las «grandes ideas» (por ejemplo, que todo progreso es bueno).
- El posmodernismo es una expresión de un desencanto generalizado con la vida y el poder de los sistemas de valores y / o tecnologías existentes para lograr un cambio positivo. Como resultado, la autoridad, la experiencia, el conocimiento y la motivación han caído en descrédito.
- El arte moderno fue visto no solo como elitista, sino también como blanco (en el sentido del color de la piel), dominado por hombres y desinteresado por las minorías. Es por eso que el arte posmoderno aboga por el arte de artistas del tercer mundo, feministas y minorías.
Arte posmoderno, contemporáneo y moderno tardío
Por regla general, arte posmoderno y arte contemporáneo se utilizan más o menos como sinónimos. Sin embargo, desde un punto de vista técnico, arte posmoderno significa «después de la modernidad» y se refiere a un período fijo que comienza alrededor de 1970, mientras que arte contemporáneo se refiere principalmente al período cambiante de alrededor de cincuenta años inmediatamente antes del presente.
Actualmente coinciden estos dos periodos. Pero en el año 2050 el arte posmoderno (por ejemplo, de 1970-2020) es posible que haya sido sustituido por otra época, sin embargo el arte contemporáneo cubre entonces el período hasta ese año.
En las artes visuales, el término moderno tardío se refiere a movimientos o tendencias que rechazan un aspecto del arte moderno pero que por lo demás permanecen en la tradición de la modernidad. Estilos como el expresionismo abstracto (1948-65) fueron practicados por varios artistas modernos radicales, incluidos Jackson Pollock y Willem De Kooning , quienes se opusieron a muchas de las convenciones formales de la pintura al óleo.
Y, sin embargo, ni Pollock ni de Kooning podrían haber producido algo como el Dibujo de Kooning borrado de Rauschenberg, ya que ambos creían firmemente en los conceptos de autenticidad y significado.
La historia del arte posmoderno
El primer estilo artístico significativo después del Renacimiento fue el arte académico, enseñado por profesores en las academias. En el arte académico confluyen muchos estilos y corrientes como el clasicismo y el romanticismo. A partir de 1870, con la llegada del impresionismo, surgió el arte moderno. Los primeros rasgos surgieron alrededor de 1970, que ahora se resume como arte posmoderno.
El arte moderno se asocia principalmente con el siglo 1870-1970, desde el impresionismo hasta el arte pop, por ejemplo. A pesar de varios desastres globales (la Primera Guerra Mundial, la gripe, el desplome de Wall Street y la Gran Depresión) que socavaron muchas de las certezas morales de la época, los artistas modernos generalmente mantuvieron la creencia en las leyes científicas básicas de la razón y el pensamiento racional.
En general, como la mayoría de los occidentales de la época, creían que la vida tenía sentido. Que el progreso científico era automáticamente positivo, que el Occidente cristiano era superior al resto del mundo, que los hombres eran superiores a las mujeres. El modernismo también creía en el significado, la relevancia y el progreso del arte, especialmente las bellas artes y la arquitectura.
Siguiendo los pasos de Leonardo y Miguel Ángel, creían en el arte elevado, un arte que eleva e inspira al espectador culto, y no en el “arte bajo» que solo entretiene a las masas. Adoptaron un enfoque progresista y vieron el arte como algo que debería estar en constante evolución, guiado por un grupo líder de artistas de vanguardia.
La Segunda Guerra Mundial y el Holocausto pusieron todo de cabeza. París fue repentinamente reemplazada por Nueva York como la capital del mundo del arte. A raíz de las atrocidades de la guerra, todo el arte figurativo de repente pareció irrelevante, por lo que los pintores modernos recurrieron al arte abstracto para expresarse.
Sorprendentemente, la Escuela de Nueva York, con las pinturas de Jackson Pollock y la pintura de campo de color más tranquila de Mark Rothko, promovió una recuperación temporal en el arte en ambos lados del Atlántico en la década de 1950. Los pintores de vanguardia lograron redefinir los límites de la pintura abstracta, pero se mantuvieron dentro de los límites de la modernidad. Creían en la creación de obras de arte auténticas y acabadas con un contenido importante.
Pero la modernidad estaba inevitablemente llegando a su fin. Las crecientes revelaciones de la Shoah, las pruebas de bombas atómicas, la crisis de los misiles cubanos y la guerra de Vietnam dejaron a la gente cada vez más decepcionada con la vida y el arte.
Jasper Johns y Robert Rauschenberg ya habían producido las primeras obras posmodernas de Neo-Dada y Pop Art a mediados de la década de 1950. Pronto, el arte pop convencional marcaría el comienzo del arte posmoderno mismo, ya que las cadenas de televisión estadounidenses se centraron en la Ofensiva Tet de 1968 y la caótica Convención Nacional Demócrata de 1968.
A partir de este paso del tiempo en la historia del arte, también se puede establecer la actitud hacia el arte por parte del artista y del público. Los artistas y espectadores del presente no están determinados por las antiguas ideas de las instituciones docentes y donantes con respecto a qué es el arte y qué puede ser el arte. Las posibilidades y aplicaciones del arte se han vuelto más diversas sin tener que forzarse a ponerse un corsé determinado.
La arquitectura moderna fue influenciada por el deseo de crear un estilo completamente nuevo para el hombre moderno. Los arquitectos querían eliminar todas las referencias históricas y crear algo completamente nuevo. Esto llevó al Estilo Internacional (circa 1920-1970), un diseño minimalista de regularidad.
Afortunadamente, alrededor de 1970, los arquitectos posmodernos comenzaron a revitalizar la arquitectura del siglo XX diseñando estructuras con características interesantes extraídas de la cultura popular y los estilos arquitectónicos más tradicionales. Las estructuras que parecen burlar la gravedad también se han hecho posibles gracias a las nuevas posibilidades controladas por computadora en el marco del deconstructivismo.
El movimiento posmodernista tomó forma en las décadas de 1960 y 1970, pero las condiciones previas para su surgimiento están asociadas con una crisis de cosmovisión que surgió mucho antes. Entre ellos: La tesis de Spengler sobre el declive de Europa; colapso de la conciencia pública debido a la Primera Guerra Mundial; la aparición en la ciencia de ideas sobre la inconsistencia y ambigüedad del orden mundial (de la geometría no euclidiana a la física cuántica).
El término posmoderno ya se usaba a fines del siglo XIX y luego cada vez más a principios del siglo XX, pero solo en la década de 1950 en el sentido de su significado actual. A finales de la década de 1970, dos autores contribuyeron principalmente a establecer el término como un elemento permanente: Jean-François Lyotard con su obra La Condition postmoderne (El conocimiento posmoderno, 1979) y Charles Jencks con el ensayo El auge de la arquitectura posmoderna.
Con la introducción del término posmoderno, el modernismo se define por primera vez como una época histórica cerrada (como la antigüedad o la Edad Media antes). Postmoderno se ha establecido como un término estilístico, especialmente en arquitectura.
Los posmodernistas llegaron a la conclusión de que el mundo moderno no puede describirse dentro del marco de los enfoques clásicos de la filosofía, la ciencia y la cultura. En consecuencia, los métodos clásicos del arte no son adecuados para describirlo.
Uso de tecnología
La era del arte posmoderno coincidió con la introducción de varias tecnologías visuales nuevas (como la televisión, los videos, internet entre otros) y beneficiándose ampliamente de ellas. La nueva gama de formatos de vídeo y fotografía ha reducido la importancia del arte del dibujo, y la manipulación de las nuevas tecnologías ha permitido a los artistas acortar los procesos tradicionales de creación de arte, pero aún así crear algo nuevo.
Movimientos y estilos del arte Posmoderno
Hasta ahora no ha habido grandes movimientos artísticos internacionales en el arte posmoderno. En cambio, la época vio el surgimiento de una serie de corrientes estrechas y localizadas, así como varias formas de arte completamente nuevas, como el video y la pintura de palabras.
Además, ha habido docenas de facciones artísticas, así como un centro anti-posmoderno o dos cuyos miembros se han esforzado por producir el tipo de arte del que Miguel Ángel o Picasso habrían estado orgullosos.
Desde el neo-dadaísmo, a los posmodernistas les ha gustado mezclar cosas, o traer nuevos elementos a formas tradicionales, para crear nuevas combinaciones. Fernando Botero pinta cuadros primitivos de figuras obesas, Georg Baselitz pinta figuras al revés.
Gerhard Richter combinó el arte de la cámara y la pintura en sus pinturas fotográficas de la década de 1970, mientras que Jeff Koons combinó imágenes orientadas al consumidor con técnicas sofisticadas de escultura para crear sus esculturas de acero inoxidable.
Andreas Gursky combina la fotografía con imágenes generadas por computadora para crear obras como Rhein II, mientras que Jeff Wall usa montajes fotográficos procesados digitalmente en sus creaciones de imágenes posmodernas.
Los críticos de arte no tienen consenso respecto a qué estilos artísticos se pueden clasificar como arte posmoderno: por ejemplo, algunos estilos se clasifican simultáneamente como vanguardistas y posmodernos. Aún así, se puede distinguir la siguiente lista de Movimientos y estilos de posmodernismo:
El dadaísmo
Los dadaístas creían que la brutalidad de la Primera Guerra Mundial que sacudió a Europa, trayendo dolor y sufrimiento a millones de personas, fue producto de la lógica y el racionalismo. Por eso, promovieron con su creatividad la destrucción de los cánones estéticos, el cinismo, la sistematicidad, la irracionalidad.
El collage se convirtió en el principal método creativo de los artistas dadaístas . El lienzo o el papel sirvieron como telón de fondo contra el cual el artista creó un collage utilizando trozos de tela, trozos de papel y otros materiales.
El dadaísmo existió durante un tiempo relativamente corto: de 1916 a 1923. Esto se debe al hecho de que su plataforma ideológica era un patetismo pacifista oponiéndose a la realidad de la Primera Guerra Mundial. En la década de 1920, el dadaísmo se fusionó con el expresionismo en Alemania y con el surrealismo en Francia.
Arte pop
El arte pop (pop art) es un estilo que transfirió la cultura de consumo al campo del arte y enseñó a la humanidad a ver la belleza en treinta y tres latas de sopa. El arte pop no debe confundirse con la cultura popular. Los autores consideraron la cultura de masas como un objeto, al igual que un retratista mira a un modelo o un paisajista: en el seno de la naturaleza.
El tema de la cultura de masas, sobre el que cayó la mirada del artista, se transformó en algo original: un objeto de arte refractado a través de la interpretación del artista. Desde un punto de vista artístico, este estilo apelaba a la materialidad, la objetividad, a diferencia de otra tendencia popular, el abstraccionismo. El arte pop nació en la lucha contra la creatividad de los abstraccionistas y proclamó el regreso a la exhibición de objetos específicos en el lienzo.
Por sí solo, la apelación a las cosas cotidianas no es nueva para la historia de la pintura. La naturaleza muerta es, después de todo, la visión de un artista de los objetos circundantes. De hecho, no hay mucha diferencia entre el jarrón de Caravaggio y las botellas verdes de Coca-Cola de Warhol. Pero el arte pop tenía su propia peculiaridad conceptual: los artistas tomaban objetos e imágenes icónicas de la cultura de masas, que ahora llamarían «memes».
Además, prestaron atención no solo a los objetos, sino también a las imágenes; un ejemplo típico es el Díptico de Marilyn de Warhol. No se puede negar el hecho de que el arte pop ayudó a afirmar el Sueño Americano, legitimar la sociedad de consumo y el estilo de vida correspondiente. Al mismo tiempo, sentó las bases de una crítica a la filosofía del consumo, que posteriormente cobrará fuerza.
Word Art
El término Word Art (arte de la palabra) describe una categoría de arte posmoderno basado en texto por varios artistas contemporáneos presentes desde la década de 1950. Una definición simple de arte basado en texto podría ser «arte que incluye palabras o frases como componente artístico principal».
Las imágenes basadas en texto que contienen palabras y frases se han publicado en una variedad de medios que incluyen pintura y escultura, litografía y serigrafía, así como artes aplicadas (camisetas, tazas). También aparece en las últimas formas de arte contemporáneo, como el mapeo de proyección.
Arte conceptual
El conceptualismo (del latín conceptus: pensamiento, representación) es una corriente posmoderna en el arte, que proclama la supremacía de la idea de una obra sobre la forma de su expresión artística. Los seguidores del conceptualismo están convencidos de que sus pinturas, esculturas, instalaciones y performances deben evocar en el espectador no emociones, sino un deseo de repensar intelectualmente lo que vieron.
El conceptualismo no es un arte comercial, en él los objetos para la creatividad pueden ser cualquier artículo del hogar, materiales naturales e incluso partes del entorno humano. El artista conceptual no busca crear una obra terminada, sino que intenta transmitir sus ideas al espectador, para involucrarse en una especie de juego intelectual.
Las obras de arte conceptual tienen características distintivas. Dichos trabajos se pueden identificar por las siguientes características: influir no en lo emocional, sino en la percepción intelectual del espectador; uso frecuente de texto explicativo a la obra; el rechazo consciente del artista del significado de la forma en favor de la importancia del significado (idea) de la obra; crear objetos de arte a partir de cualquier objeto disponible para el autor.
Performance Art y Happenings
El Happenings es una forma de arte de vanguardia, un tipo de expresión creativa, estrechamente relacionada con el arte de la performance, que tiene su basamento en las teorías del arte conceptual del siglo XX, en gran parte derivadas de las demostraciones de representantes del Dadá, así como de Tristan Tzara ( 1896-1963). En la práctica, no es fácil distinguir entre Performance Art y Happenings.
Ambas son formas de entretenimiento cuidadosamente planificadas (aunque con elementos de espontaneidad) en las que el artista realiza (o gestiona) un evento artístico teatral. Algo más fácil de ver que de describirlo con palabras.
En cualquier caso, un Happenings es una obra de arte escénica espontánea que se encuentra en algún lugar entre el drama y el arte visual y, por lo general, invita y desencadena una fuerte respuesta del público.
Debido a su estilo dadaísta de fugacidad, fue originalmente concebido como una alternativa radical a los principios artesanales tradicionales y como un «objeto de arte permanente». Una explicación completa de esta nueva forma de arte posmoderno se puede leer en el libro de Michael Kirby ‘Happenings’ (1965).
Este tipo de evento artístico se asoció particularmente con la escena artística de Nueva York alrededor de 1960 y todavía se presenta en las mejores galerías de arte contemporáneo alrededor del mundo.
Arte abstracto
El abstraccionismo es un estilo de pintura y arte en general, que rechaza la reproducción realista del mundo circundante. Sus seguidores representan formas simples y complejas, juegan con el color, utilizan líneas, planos y otros objetos, combinándolos para crear ciertas emociones en el espectador. Es así como su enfoque se diferencia del utilizado por maestros que se adhieren al clasicismo y muchos otros estilos.
A primera vista de un cuadro pintado por un abstraccionista, puede parecer que es un revoltijo caótico de líneas, formas y manchas. Tras un examen más detenido, queda claro que el artista ha creado una composición completa diseñada para evocar ciertos pensamientos o estados de ánimo en el espectador.
El abstraccionismo, a medida que se desarrolló, se estratifica en varias direcciones, cada una de las cuales tenía sus propios representantes. Existían tipos de estilo como:
- Geométrico. En las obras de artistas interpretadas en este estilo, prevalecen formas y líneas claras, muchas de ellas crean la ilusión de profundidad.
- Los maestros que se adhieren a esta dirección trabajan activamente con los colores y sus combinaciones; es a través de ellos que transmiten las emociones que quieren crear en la audiencia.
- La esencia de esta dirección de la pintura está en la ausencia total de referencias a objetos reales y el uso extremadamente restringido de colores, formas y líneas.
- Los artistas que trabajan en esta dirección se esfuerzan por traer dinámica, movimiento a sus obras, a través de los cuales transmiten emociones y sensaciones. Al mismo tiempo, las sombras, las líneas y las formas se desvanecen en el fondo.
Ensamblaje
Ensamblaje es una técnica de arte decorativo y aplicado en la que el artista crea una imagen en relieve pegando a una base plana piezas u objetos tridimensionales. En la técnica de ensamblaje, también se permite el uso de pinturas para una adición pictórica a una composición artística.
El ensamblaje, en contraste con su relacionado el collage, es un tipo de técnica para unir elementos tridimensionales, en lugar de bidimensionales (planos) a la superficie frontal de la imagen. Gracias al uso de detalles volumétricos, la imagen es lo más realista y visualmente efectiva posible.
Los artistas profesionales a menudo utilizan desechos domésticos y basura para crear sus propias obras de arte originales. En manos del maestro, una gran cantidad de objetos cotidianos dispersos se convierte en una composición artística llena de profundo contenido estético.
Hoy en día, las obras creadas con la técnica del ensamblaje atraen invariablemente la atención de los conocedores del arte contemporáneo. A menudo causan una feroz controversia entre los críticos, pero no dejan indiferente a nadie y, por lo tanto, hacen una gran contribución al desarrollo de la cultura mundial.
Fluxus
Fluxus era un grupo de artistas poco organizado que se extendía por todo el mundo, pero tenía una presencia particularmente fuerte en la ciudad de Nueva York. George Maciunas es históricamente considerado el principal fundador y organizador del movimiento, que describió a Fluxus como una fusión de Spike Jones, Vaudeville, Cage y Duchamp.
Como los futuristas y dadaístas antes que ellos, los artistas de Fluxus desaprobaron la autoridad de los museos de arte para determinar el valor del arte. También sugirieron que no es necesario tener una educación especial para ver y comprender una obra de arte.
Fluxus no solo quería que el arte estuviera disponible para las masas, quería que todos crearan arte todo el tiempo. A menudo es difícil definir a Fluxus, ya que muchos de sus propios artistas han afirmado que el mismo acto de definir el movimiento ya es demasiado limitante y reductor.
A diferencia de los movimientos artísticos anteriores, Fluxus intentó cambiar la historia mundial, no solo la historia del arte. El objetivo tenaz de la mayoría de los artistas ha sido erradicar cualquier límite entre el arte y la sociedad.
Un principio central de Fluxus era descartar y ridiculizar el mundo de élite del «arte elevado» y encontrar todas las formas posibles de llevar el arte a las masas, de acuerdo con el clima social de la década de 1960. Los artistas de Fluxus utilizaron el humor para expresar su intención y, junto con Dadá, Fluxus fue uno de los pocos movimientos artísticos que pudo caminar por la cuerda floja.
A pesar de su comportamiento juguetón, los artistas de Fluxus se tomaron en serio su deseo de cambiar el equilibrio de poder en el mundo del arte. Su falta de respeto por el arte elevado tuvo un impacto en la autoridad percibida del museo como la autoridad sobre quién y qué considerar artistas.
Fluxus involucró al espectador y se basó en el elemento del azar para dar forma al resultado final de la obra de arte. El uso del azar también fue utilizado por el Dada, Marcel Duchamp y otros artistas de performance de la época. Los artistas de Fluxus estaban fuertemente influenciados por las ideas de John Cage, quien creía que uno debería abordar una pieza sin tener idea del resultado final. Lo que importaba era el proceso de creación, no el producto final.
Videoarte
El video es uno de los medios más versátiles disponibles. Una película de video puede ser la obra de arte en sí misma y / o un registro de cómo se hizo la obra de arte; también puede ser un elemento en una instalación y / o parte de una disposición de video múltiple. El video hace que el arte sea más dinámico y animado. Desde finales de la década de 1980, tanto el video como la animación se han basado en el uso de software de computadora para manipular imágenes.
Fotorrealismo
El fotorrealismo es un género de pintura que surgió a fines de la década de 1960 en respuesta a la creciente popularidad de la abstracción. Desde entonces, las pinturas fotorrealistas con su enorme atención al detalle han proporcionado ilusiones ópticas que solo pueden determinarse de cerca como imágenes pintadas del original fotográfico.
En lugar de observar y representar lo que sucedía en la realidad, el fotorrealismo se inspiró en la fotografía. La información visual capturada por una cámara se utiliza para crear pinturas, dibujos y otras obras de arte ilusionistas. Los artistas suelen proyectar fotos en lienzos para que las imágenes se puedan renderizar con precisión y detalle.
Arte Povera
El Arte Povera (de la expresión del italiano para «arte pobre» o «arte empobrecido») fue uno de los movimientos artísticos de vanguardia más importantes e destacados que surgieron en el sur del continente europeo a finales de la década de los sesenta.
Esto incluyó el trabajo de una docena de artistas italianos cuya principal característica creativa fue el uso de materiales cotidianos que recuerdan una época preindustrial. La tierra, las piedras y la ropa eran particularmente populares: materiales «de desecho» o baratos que usaban para su arte. Este enfoque del arte atacó las nociones vigentes de valor y corrección y criticó sutilmente la industrialización y mecanización del sur de Europa en ese momento.
Su obra marcó una reacción a la pintura abstracta del modernismo que había controlado el arte europeo en la década anterior, de la que se distinguió por centrarse más en el trabajo escultórico que en la pintura.
Algunas de las obras más significativas del grupo se crearon a través del contraste entre materias primas y referencias simultáneas al surgimiento de la cultura de consumo. Convencido de que la modernidad amenazaba con erradicar el patrimonio colectivo, el Arte Povera intentó contrastar lo nuevo con lo antiguo.
Además de rechazar el concurso tecnológico, los artistas asociados al Arte Povera rechazaron lo que percibían como realismo científico. Contrariamente a un enfoque metódico de las relaciones espaciales, evocaron un mito cuyos secretos no eran fáciles de explicar.
Los artistas presentaron yuxtaposiciones absurdas y divertidas, a menudo de lo nuevo y lo viejo o de lo altamente procesado y lo preindustrial. Al hacerlo, han ilustrado algunos de los efectos de la modernización que está contribuyendo a la destrucción de lugares y recuerdos a medida que avanza cada vez más hacia el futuro.
El interés de Arte Povera por los materiales pobres se puede vincular a varios otros movimientos artísticos de las décadas de 1950 y 1960. Por ejemplo, compartieron algunas técnicas con movimientos como Fluxus y el Nouveau Réalisme en su combinación de materiales de fácil acceso con un socavamiento rebelde de su función habitual.
Posminimalismo
En el arte posminimalista, término utilizado por primera vez por el crítico de arte Robert Pincus Witten, el enfoque cambia de la pureza de la idea a su comunicación. Como ejemplo se pueden apreciar las obras de la artista germano estadounidense Eva Hesse.
Arte feminista
Un movimiento artístico que se ocupa de temas específicamente femeninos como el nacimiento, la violencia contra la mujer, las condiciones laborales de la mujer y mucho más. Los artistas participantes incluyen a Louise Bourgeois y la artista de performance de origen japonés Yoko Ono.
Deconstructivismo
El deconstructivismo es una de las formas de arte visualmente más impresionantes jamás concebidas. Su peculiar pero intensamente creativo estilo de la arquitectura del siglo XX surgió a finales de los 80, principalmente en Los Ángeles pero también en Europa.
Como parte del arte posmoderno hecho posible por el uso de software de diseño de la industria aeroespacial, la arquitectura deconstructivista contrasta con la racionalidad ordenada de la geometría y favorece un enfoque extraño del diseño que típicamente distorsiona el exterior de una estructura al tiempo que socava los valores de la modernidad.
Algunos historiadores creen que la filosofía deconstructivista también se opone al arte posmoderno, aunque las consecuencias prácticas de esto no están claras. Después de todo, un arquitecto deconstructivista debe seguir las leyes modernas y posmodernas de la ciencia, le guste o no.
El representante más famoso de la arquitectura deconstructivista es el ganador del Premio Pritzker el canadiense estadounidense Frank O. Gehry. Otros deconstructivistas conocidos son Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Bernard Tschumi y Peter Eisenman. Los extraordinarios edificios deconstructivistas incluyen: Dancing House (Praga), Museo Guggenheim (Bilbao) y el Museo Vitra Design en Weil am Rhein.
La arquitectura deconstructivista se caracteriza por la manipulación superficial, la fragmentación y las formas no lineales que distorsionan y anulan las convenciones arquitectónicas en cuanto a estructura y superficie. Al hacerlo, los elementos que parecen contradecirse se contrasta deliberadamente para cuestionar las ideas tradicionales de armonía y continuidad.
Realismo cínico
Movimiento de arte chino contemporáneo que surgió tras la derrota de la Plaza de Tiananmen (1989). Los realistas cínicos utilizaron un estilo de pintura figurativa con una narrativa burlona. Los motivos recurrentes son figuras, hombres calvos y retratos fotográficos. El estilo se burlaba del estado político y social de China y, dado que este era un nuevo amanecer para los artistas chinos, fue bien recibido por los coleccionistas de arte occidentales.
Literatura y cine posmodernos
Las características de la literatura posmoderna incluyen un manejo reflexivo de lo que está disponible en forma de citas y alusiones y jugar con géneros literarios. También es característica la construcción de numerosos niveles de acción y relaciones, a menudo rotos.
Probablemente la novela posmoderna más conocida sea El nombre de la rosa de Umberto Eco. Con una estructura literaria muy compleja a modo de novela policíaca, Eco logró salvar la brecha entre la llamada cultura alta y la de masas. Las citas y referencias históricas, literarias e históricas del arte hacen del libro una novela educativa o incluso un concurso literario. Pero incluso aquellos que no estén interesados en él pueden disfrutar del trabajo de Eco como un emocionante thriller.
De manera similar, Peter Greenaway combinó el género cinematográfico histórico con el thriller en su película de 1982 «El contrato del dibujante», pero a diferencia de Eco, no resuelve el acertijo. Aunque la trama proporciona numerosas pistas clásicas, todas no conducen a ninguna parte.
Artes visuales
El uso del término posmoderno es rechazado por muchos teóricos y artistas, especialmente en el campo de las artes visuales, dado el amplio espectro de formas de expresión. El rechazo de la creencia modernista en la innovación es también uno de los fundamentos de la estética posmoderna en las bellas artes. El posmodernismo se vincula con categorías históricas del arte que fueron rechazadas por la modernidad, como las estructuras narrativas y mitológicas.
Esto ya comienza con las representaciones de Andy Warhol de los iconos del siglo XX, desde Elvis hasta Jackie Onassis. El arte pop también marcó la ruptura con la modernidad en la década de 1950 al decir adiós a la abstracción. En los años setenta, las artes visuales, como la arquitectura de la época, enfatizaron la importancia de lo sensual, aspectos emocionales y tradicionales frente a la teoría y el concepto.
En los años ochenta, el colectivo Nuevo Salvaje (Neue Wilden) rompió el predominio de la vanguardia minimalista y conceptualmente trabajadora con su pintura expresiva y representativa. Hubo tendencias similares en Estados Unidos e Italia.
Después de que el torbellino se asentó en torno a los Nuevos Salvajes, se afianzaron tendencias que se centraron en la reflexión sobre el medio de la pintura y en la experimentación sensual con medios pictóricos (Sigmar Polke, Anselm Kiefer, Gerhard Richter), la pintura representacional el predominio de la vanguardia laboral minimalista y conceptual. Hubo tendencias similares en Estados Unidos e Italia.
Característicos de la época son dos artistas cuyo trabajo incorpora la estética de la cultura sub y de masas: Keith Haring y Jeff Koons. Haring logró combinar elementos del arte del graffiti, los cómics, el lenguaje de señas por computadora, el dibujo de los niños y la pintura de la historia temprana en un lenguaje de señas muy poético que es comprensible en muchas culturas. Jeff Koons se hizo un nombre a principios de la década de 1990 con la banalidad provocadora de sus sujetos.
El material que utiliza suele ser de alta calidad, pero el diseño de su superficie cita el mundo de las chucherías y el kitsch, como la figura de porcelana de tamaño natural y parcialmente bañada en oro de Michael Jackson con su chimpancé Bubbles.
La demanda de la estética posmoderna por el pluralismo, la subjetividad, el alejamiento de la abstracción, la inclusión de los medios de comunicación, la difuminación de los límites del género y la aceptación de las citas como medio artístico ha traído color y movimiento al paisaje artístico y museístico.
El reconocimiento final de la fotografía y el cine como medio de arte bien puede considerarse como un resultado duradero de las tendencias posmodernas. Destacado temporal: En el verano de 2002, el Museo Ludwig de Colonia mostrará las cinco películas del «Ciclo Cremaster» de Matthew Barney, que acaba de finalizar, como parte de una gran exposición.
Arquitectura
A mediados de la década de 1970, Charles Jencks introdujo el término posmodernismo en el discurso arquitectónico. De esta manera, discurso posmoderno llegó al público en general por primera vez. Los principios de estilo de la arquitectura posmoderna ya habían emergido claramente en este punto.
Se requería un lenguaje arquitectónico democrático y comunicativo, cuya estética no debería basarse únicamente en la función, sino también en un contenido significativo. También se pidió la inclusión de elementos de ficción, como el gótico, que veía una imagen de la Jerusalén celestial en la catedral.
Al mismo tiempo, aumentó la tendencia a conservar y rediseñar los edificios históricos. El ejemplo más destacado fue la Gare d’Orsay de París, que se inauguró como Musée d’Orsay en 1986. Tales edificios históricos influyeron en el lenguaje de la arquitectura posmoderna, que desde el principio estuvo fuertemente determinado por las citas.
Para evitar un nuevo historicismo, el lema era que el eclecticismo, que se expresaba, por ejemplo, en el uso de columnas, ventanales y celosías, debía romperse irónicamente. El espectro de la arquitectura posmoderna se desarrolló particularmente en el edificio del museo de los años ochenta y noventa.
Además del Museo Abteiberg de Hans Hollein (Mönchengladbach), la Galería Estatal de James Stirling (Stuttgart) se considera un producto exitoso y característico del posmodernismo. En el diseño de Stirling, numerosas alusiones a la arquitectura histórica, desde Egipto hasta el modernismo clásico, se fusionan con los colores de la cultura pop y los materiales regionales típicos de arenisca y travertino para crear una forma coherente y contemporánea.
En los últimos tiempos, cuando se trata de la construcción de museos, el carácter de la experiencia ha pasado a primer plano cada vez más que la exigencia educativa.
En lugar de contemplar el arte meditativo, se requieren puestas en escena, y la arquitectura en sí se escenifica con vistas sorprendentes y efectos teatrales. Las primeras visitas públicas se realizan cada vez con más frecuencia antes de que se cuelgan los cuadros para que se pueda experimentar la arquitectura.
Enfoque posmoderno en la cultura popular
Los críticos de arte suelen utilizar el término «alta cultura» cuando tratan de distinguir el arte de la pintura y la escultura (y otras artes visuales) de la cultura popular de revistas, televisión y otros productos de producción masiva. El modernismo y sus seguidores influyentes como Greenberg (1909-94) vieron estas formas de cultura como inferiores. Por el contrario, los posmodernistas, que prefieren una concepción más democrática del arte, ven la «alta cultura» como más elitista.
El arte pop, el primer movimiento posmoderno, convirtió los bienes de consumo ordinarios en arte. Los artistas pop y otros fueron aún más lejos en sus intentos de democratizar el arte imprimiendo su «arte» en tazas, bolsas de papel y camisetas: un método que, dicho sea de paso, ejemplifica el deseo posmoderno, la originalidad y la autenticidad de socavar el arte.
Los artistas posmodernos han abandonado la noción de que una obra de arte tiene un solo significado inherente. En cambio, creen que el espectador es una fuente de significado igualmente importante. La fotografía surrealista de Cindy Sherman, por ejemplo, subraya la idea de que una obra de arte puede interpretarse de muchas formas.
De hecho, algunos artistas, como la artista de performance Marina Abramovic, incluso permiten que los espectadores participen en su arte, o incluso requieren la intervención de la audiencia para completar su trabajo.
Centrarse en el espectáculo
En ausencia de un verdadero significado en la vida, especialmente cuando somos sometidos por comerciales de radio y televisión día y noche, los artistas posmodernos han preferido limitarse en el estilo y el espectáculo, a menudo con herramientas y técnicas promocionales para lograr mayor impacto. Este enfoque se ejemplifica en el proceso de impresión comercial que utiliza imágenes tipo póster de artistas pop como Roy Lichtenstein y James Rosenquist.
El enfoque en la superficie es una característica común del arte posmoderno y, a veces, llega a la cima con imágenes teatrales, brillantes, muy impactantes. Desde 1980, el uso de computadoras y otras tecnologías ha revolucionado el arte multimedia (por ejemplo, la animación) y ha creado posibilidades específicas en áreas como la arquitectura.
Lo importante que es captar la atención de la audiencia en el posmodernismo lo demuestran las tácticas de choque de un grupo de estudiantes del Goldsmiths College, conocido como Young British Artists, en Londres a fines de los años ochenta y noventa. Se hicieron famosos por tres programas, los YBA fueron criticados por su mal gusto y, sin embargo, varios de ellos se convirtieron en ganadores del Premio Turner, mientras que otros lograron notoriedad y fortuna considerables.
Satisfacer las necesidades del consumidor
El aumento del comportamiento del consumidor y la cultura inmediata del disfrute en las últimas décadas del siglo XX también han tenido una fuerte influencia en las artes visuales. Los consumidores ahora quieren innovación. También quieren esparcimiento y diversión. Muchos artistas, curadores y otros profesionales posmodernos aprovecharon la oportunidad para convertir el arte en un producto de diversión.
La introducción de nuevas formas de arte como performance, acontecimientos e instalaciones, así como nuevos temas, incluidos tiburones muertos, esculturas gigantes de hielo, muchos de cuerpos desnudos, edificios que parecen estar en movimiento, una colección de treinta y cinco mil figuras de terracota, cuerpos pintados, proyecciones espeluznantes en edificios públicos (y muchos más): han brindado a los espectadores una gran cantidad de experiencias nuevas, a veces impactantes.
Si estas nuevas formas de arte son en realidad «arte» sigue siendo una cuestión que causa muchas discusiones. Los conceptualistas posmodernos mantienen que si lo es, mientras que los tradicionalistas rechazan considerarlo como tal.
Principios del arte posmoderno
Para los especialistas el arte posmoderno consta de tres principios básicos que lo regirán de manera general sin ser totalmente limitativa:
Significado inmediato
No más pinturas al óleo descoloridas que representan eventos espeluznantes de la mitología griega para provocar una sonrisa de complicidad en el observador culto. Desde sus inicios en el movimiento Pop Art, la pintura y la escultura posmodernas han sido atrevidas, brillantes y reconocibles al instante.
Los temas e imágenes se tomaron principalmente de productos de consumo de alto perfil, revistas, comerciales, televisión, películas, dibujos animados y cómics. Por primera vez, todos entendieron el arte expuesto. Aunque el posmodernismo ha evolucionado desde el arte pop, un objetivo principal sigue siendo inmediatamente evidente de significado.
El arte se puede hacer de cualquier cosa
Basados en las tradiciones de Marcel Duchamp, cuyo urinario con el título Fuente (1917) fue el primer ejemplo famoso de un objeto ordinario convertido en una obra de arte (otro ejemplo: La historia del ready-made), los artistas del arte posmoderno hicieron la tarea de crear arte a partir de los materiales y desechos más inusuales. La idea que hay detrás es democratizar el arte y hacerlo más accesible.
La idea es más importante que la obra de arte en sí
En general, hasta la década de 1960, los artistas creían que sin un producto terminado no habría nada. Se prestó gran atención a la calidad de la obra de arte terminada y a la artesanía requerida para ello. Hoy las cosas son distintas.
Los posmodernistas suelen creer más en el concepto que hay detrás del producto final que en el producto en sí, por lo que gran parte del «arte posmoderno» se denomina «arte conceptual» o «conceptualismo». Otras formas de conceptualismo incluyen instalaciones, artes escénicas, sucesos, arte de proyección y algunas otras.
Artistas posmodernos notables
Dado que somos contemporáneos del arte posmoderno, es difícil distinguir los nombres icónicos de la época. Solo después de un lapso de tiempo será posible decir qué artistas dejaron una huella expresiva en la historia de la pintura y cuya fama fue solo un homenaje a la moda. Pero, ya que el posmodernismo se ha desarrollado durante más de medio siglo, podemos nombrar algunos de los nombres ya inscritos en la historia. Estos incluyen, por ejemplo:
- Dadaísta, surrealista y fundador del conceptualismo Marcel Duchamp
- Líder del arte pop de Andy Warhol
- El pionero del ensamblaje César Baldaccini
- El renombrado conceptualista Bruce Nauman
- Robert Rauschenberg , Remedios Varo Uranga, Francis Bacon , Damien Hirst, Jeff Koons.
Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (nacido el 28 de julio de 1887 – fallecido el 2 de octubre de 1968) fue un maestro del arte de vanguardia, conocido por sus extravagantes obras de arte. La obra de Marcel Duchamp desafió las tradiciones establecidas y fue discutida repetidamente en la crónica escandalosa a ambos lados del océano.
Al comienzo de su carrera, pintó cuadros al estilo postimpresionista, rindió homenaje al cubismo y al fauvismo, pero luego dejó la pintura y se interesó por crear instalaciones donde mezclaba técnicas y utilizaba materiales de diversas texturas. Las ideas revolucionarias del artista tuvieron un gran impacto en el desarrollo del arte conceptual del siglo XX.
Andy Warhol
Andy Warhol (nacido el 6 de agosto de 1928 – fallecido el 22 de febrero de 1987) fue un codiciado artista estadounidense del siglo XX, propietario de una galería. Hizo una gran contribución al desarrollo del arte pop comercial. Andy Warhol es legítimamente considerado el líder de una tendencia como el uomo universale.
Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (nacido el 22 de octubre de 1925 – fallecido el 12 de mayo de 2008) el titán del arte estadounidense del siglo XX según el periódico The New York Times, fue un destacado artista y creador, representante de impresionismo abstracto, conceptualismo, ready made y fundador del pop art.
Las pinturas de Robert Rauschenberg son collages e instalaciones, obeliscos, artículos para el hogar y otros objetos difíciles de clasificar. La obra del maestro, como su biografía, es impactante, sorprendente, repugnante y encantadora, pero no deja indiferente a nadie. Bisexual ardiente, farmacéutico frustrado, oponente de todo lo clásico y ordinario, lanzaba un desafío constante al mundo que lo rodeaba y a sí mismo.
Remedios Varo Uranga
Remedios Varo Uranga (nacida el 16 de diciembre de 1908 – fallecida el 8 de octubre de 1963) es una artista española y mexicana del siglo XX, una representante original del surrealismo. La obra de Remedios Varo va más allá del marco de la pintura clásica: los sueños, las reflexiones filosóficas, la magia, la mecánica, la historia y lo oculto se entrelazan en las obras de la surrealista.
Al mismo tiempo, las pinturas de Remedios Varo son enfáticamente líricas y femeninas, llenas de una atmósfera medieval y remiten al espectador a los orígenes del universo. Las pinturas de Remedios Varo están pobladas de extravagantes personajes de cuentos de hadas, construcciones mecánicas y naturaleza. A diferencia del surrealismo clásico, en cada una de las obras del artista se traza claramente una trama que lleva al espectador a ciertas conclusiones.
Francis Bacon
Francis Bacon (nacido el 28 de octubre de 1909 – fallecido el 28 de abril de 1992) es un maestro del expresionismo británico, uno de los artistas más ambiguos y brutales del siglo XX. La obra de Francis Bacon se reconoce por ser impactante: las creaciones más aterradoras de la fantasía humana cobran vida en sus pinturas.
Francis Bacon no recibió educación académica. Al mismo tiempo, es increíblemente solicitado y popular. Las pinturas del maestro son el último sueño tanto para las galerías privadas como para los museos más famosos del mundo, que no son en absoluto reacios a incluir su obra en la colección. Algunas de las obras maestras del artista valen decenas de millones de dólares y están incluidas en las listas de las obras de arte más caras.