En qué consiste el arte persa y su historia

Durante gran parte de la Antigüedad, la cultura persa se mezcló continuamente con la de sus vecinos, principalmente Mesopotamia, e influyó y fue influenciada por el arte sumerio y el griego, así como el arte chino a través de la «Ruta de la Seda». En esta oportunidad, te traemos toda la información que quieras saber sobre el Arte Persa y más.

ARTE PERSA

El arte persa

El arte persa en la antigüedad reflejaba su inclinación a representar la realidad de sus vidas y su historia con claridad; sin complicaciones en los mensajes que las obras de arte pretendían transmitir. En el Gran Irán que corresponde a los estados actuales de:

  • Irán
  • Afganistán
  • Tayikistán
  • Azerbaiyán
  • Uzbekistán

Así como también otros territorios próximos, dieron  comienzo a uno de los legados artísticos más valiosos del mundo, el arte persa; donde se desarrollaron varias disciplinas como:

  • Arquitectura
  • Pintura
  • Tejidos
  • Cerámica
  • Caligrafía
  • Metalurgia
  • Albañilería
  • Música

Con técnicas altamente avanzadas y expresiones artísticas imaginativas que poco a poco iremos conociendo en el desarrollo de este artículo. El arte persa era un reflejo de sus problemas cotidianos y estaba representado en todos los medios dramáticos y poéticos que podían usar. No sólo la arquitectura, la cerámica, la pintura, la orfebrería, la escultura o la platería extienden este medio de expresión a los poemas, narraciones históricas y relatos fantásticos.

Adicionalmente, se puede recalcar que los antiguos persas le atribuyeron gran importancia al aspecto decorativo de su arte, por lo que es fundamental conocer cada aspecto de su historia y sus propias características para saber exactamente el por que se originó su arte y también la forma en que lo realizaban.

Es fundamental resaltar, que  los persas exhibieron sus deseos y aspiraciones así como su particular modo de ver la vida con seguridad, autoconfianza y gran poder interior a través del abundante simbolismo y estilo decorativo de sus obras.

Historia de la manifestación del arte persa 

La historia es, obviamente, un factor muy poderoso no sólo para moldear la identidad cultural de una región, sino también para darle color e identificación local. Además, la historia contribuye a poder definir las características culturales dominantes de los pueblos de cada región y por instantes sus tendencias artísticas.

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Esta afirmación en el arte persa es muy importante de tomar en consideración, ya que en cada período de esta cultura imaginativa la expresión artística de las personas fue muy consciente de su entorno social, político y económico.

Prehistoria

El largo período prehistórico en Irán es conocido, principalmente por los trabajos de excavación realizados en algunos lugares importantes, que llevaron a una cronología de diferentes períodos, cada uno caracterizado por el desarrollo de cierto tipo de cerámicas, artefactos y arquitectura. La cerámica es una de las formas de arte persa más antiguas, y se descubrieron ejemplos de tumbas (Tappeh) que datan del quinto milenio antes de Cristo.

Para estos tiempos, el «estilo animal» con motivos de animales decorativos es muy fuerte en la cultura persa. Aparece por primera vez en la cerámica y reaparece mucho más tarde en los bronces de Luristán y nuevamente en el arte escita. A continuación, se detalla este período:

Neolítico

Los habitantes de la meseta iraní vivían en las montañas que la rodeaban, como la depresión central, ahora un desierto estaba lleno de agua en ese momento. Una vez que el agua retrocedió, el hombre descendió a los fértiles valles y estableció asentamientos. Tappeh Sialk, cerca de Kashan, fue el primer sitio en revelar arte neolítico.

Durante este período, las herramientas toscas del alfarero dieron como resultado una cerámica tosca y en estos grandes cuencos de forma irregular se dibujaron líneas horizontales y verticales imitando el trabajo de la canasta. Con el paso de los años, las herramientas del alfarero mejoraron y aparecieron copas, de color rojo, en las que se dibujaban una serie de pájaros, jabalíes e íbices (cabras montesas salvajes) con simples líneas negras.

El punto culminante en el desarrollo de la cerámica pintada iraní prehistórica ocurrió cercano al cuarto milenio antes de Cristo. Han sobrevivido varios ejemplos, como el Vaso de precipitados pintado de Susa c. 5000-4000 A.C que se exhibe hoy en el Louvre, París. Los patrones de este vaso de precipitados están muy estilizados.

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El cuerpo de la cabra montés se reduce a dos triángulos y se ha convertido en un mero apéndice de los enormes cuernos, los perros de carrera sobre la cabra montés son poco más que rayas horizontales mientras que los limícolas que circulan por la boca del jarrón se asemejan a notas musicales.

Elamita

En la Edad del Bronce, aunque ciertamente existían centros culturales en varias partes de Persia (por ejemplo, Astrabad y Tappeh Hissar cerca de Damghan en el noreste), el reino de Elam en el suroeste, era el más importante. El trabajo en metal y el arte persa de vidriar ladrillos florecieron particularmente en Elam, y de las tablillas inscritas podemos deducir que hubo una gran industria en el tejido, la tapicería y el bordado.

El trabajo de los metales elamitas fue particularmente logrado. Estos incluyen, por ejemplo, una estatua de bronce de tamaño natural de Napirisha, esposa del gobernante del siglo XIII a.C. Untash-Napirisha, y el jarrón paleoelamita de plata de Marv-Dasht, cerca de Persépolis. Esta pieza mide 19 cm de alto y data de mediados del III milenio antes de Cristo.

Adornado con la figura de pie de una mujer, vestida con una larga túnica de piel de oveja que lleva un par de instrumentos parecidos a las castañuelas, posiblemente convocando a los fieles a su copa cilíndrica. La túnica de piel de oveja de esta mujer se asemeja al estilo mesopotámico.

Otros objetos del arte persa, encontrados debajo del Templo de Inshushinak, construido por el mismo gobernante, incluyen un colgante con una inscripción en elamita. El texto registra que el rey del siglo XII a. C., Shilhak-Inshushinak, hizo grabar la piedra para su hija Bar-Uli, y la escena que lo acompaña muestra cómo se la presenta.

Mesopotamia jugó un papel importante en el arte persa elamita; sin embargo, Elam aún mantuvo su independencia, especialmente en las áreas montañosas, donde el arte persa puede diferenciarse marcadamente del de Mesopotamia.

Luristán

El arte persa de Luristán en el oeste de Irán cubre principalmente el período comprendido entre los siglos XII y VIII a. C. y se ha hecho famoso por sus artefactos de bronce grabados y piezas fundidas de adornos de caballos, armas y estandartes. Los bronces más comunes de Luristan son probablemente los adornos de los caballos y los adornos de los arneses.

Las carrilleras suelen ser muy elaboradas, a veces en forma de animales ordinarios como caballos o cabras, pero también en forma de bestias imaginarias como toros alados con cara humana.La cabeza de un león aparentemente se convirtió en la decoración más deseada en las hachas. Tener la espada saliendo de las fauces abiertas de un león era dotar al arma de la fuerza de la más poderosa de las bestias.

Muchos de los estandartes muestran al llamado «amo de los animales», una figura parecida a un humano con cabeza de Jano, en el centro luchando con dos bestias. Se desconoce el papel de estos estándares; sin embargo, es posible que se hayan utilizado como santuarios domésticos.

El arte persa de Luristán no muestra la glorificación del heroísmo ni la brutalidad del hombre, sino que se deleita en monstruos estilizados imaginarios en los que se siente la llamada de esta antigua civilización asiática.

Se cree que los bronces de Luristán fueron elaborados por los medos, un pueblo indoeuropeo que, en estrecha asociación con los persas, comenzó a infiltrarse en Persia aproximadamente en este período.  Sin embargo, esto nunca se ha probado, y otros creen que están conectados con la civilización kasita, los cimerios o los hurritas.

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Antigüedad

Durante los períodos aqueménicos y sasánida, la manifestación del arte presa a través de la orfebrería continuó su desarrollo decorativo. Algunos de los mejores ejemplos de objetos de metal son las tazas y platos de plata dorada decorados con escenas de caza real de la dinastía sasánida. A continuación se presentan las características más destacadas de cada sociedad dentro de este período de tiempo:

Los aqueménidas

Se puede decir que el período aqueménida comenzó en 549 a. C. cuando Ciro el Grande depuso al monarca medo Astiages. Ciro (559-530 aC), el inicial gran monarca persa, creó un imperio que se ampliaba desde Anatolia hasta el Golfo Pérsico incorporando los antiguos reinos de Asiria y Babilonia; y Darío el Grande (522-486 aC), que le sucedió después de varios disturbios, amplió aún más los límites del imperio.

Los restos fragmentarios del palacio de Ciro en Pasargada en Fars indican que Ciro favorecía un estilo de construcción monumental. Incorporó una decoración basada en parte en urartiano, en parte en el arte más antiguo asirio y babilónico, ya que deseaba que su imperio pareciera ser el legítimo heredero de Urartu, Assur y Babilonia.

Pasargada cubría un área de casi 1,5 millas de largo e incluía palacios, un templo y la tumba del rey de reyes. Enormes toros alados, que ya no se conservan, flanqueaban la entrada de la puerta de entrada, pero aún se conserva un relieve de piedra en una de las puertas.

Está adornado con un bajorrelieve que representa un espíritu guardián de cuatro alas en una larga prenda de tipo elamita, cuya cabeza está coronada por un complicado tocado de origen egipcio. A principios del siglo XIX todavía se podía ver y descifrar una inscripción sobre la figura:

«Yo, Ciro, rey, el aqueménida (he hecho esto)».

La sala central de uno de los palacios poseía bajorrelieves que mostraban al rey continuo de un portador pastoral. En esta representación por primera vez en una escultura iraní, surgen prendas con plises, en diferencia con la túnica lisa del espíritu custodio de cuatro alas, hecha según las tradiciones del antiguo arte oriental, que no permitía el más mínimo movimiento o vida.

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El arte persa aqueménida aquí marca el primer paso en la exploración de un medio de expresión que iban a desarrollar los artistas de Persépolis.

Las sepulturas excavadas en la roca en Pasargada, Naqsh-e Rustam y otros lugares son una valiosa fuente de información sobre los modos arquitectónicos utilizados en el período aqueménida. La presencia de capiteles jónicos en una de las primeras de estas sepulturas sugiere la seria posibilidad de que este significativo modo arquitectónico fuera introducido en la Grecia jónica desde Persia, contrariamente a lo que se supone comúnmente.

Bajo Darío, el Imperio aqueménida abarcó Egipto y Libia en el oeste y se desplegó hasta el río Indo en el este. Durante su gobierno, Pasargada fue relegada a un papel secundario y el nuevo gobernante rápidamente comenzó a construir otros palacios, primero en Susa y luego en Persépolis.

Susa era el centro administrativo más importante del Imperio de Darío, su ubicación geográfica a medio camino entre Babilonia y Pasargada era muy favorable. La estructura del palacio que fue construida en Susa se basó en un principio babilónico, con tres grandes patios interiores alrededor de los cuales estaban la recepción y las salas de estar. En el patio del palacio, paneles de ladrillos vidriados policromados decoraban las paredes.

Estos incluían un par de leones alados con cabeza humana debajo de un disco alado, y los llamados «Inmortales». Los artesanos que fabricaron y colocaron estos ladrillos procedían de Babilonia, donde existía una tradición de este tipo de decoración arquitectónica.

Aunque Darío construyó varios edificios en Susa, es más conocido por su trabajo en Persépolis (el palacio de Persépolis construido por Darío y completado por Jerjes), a 30 km al suroeste de Pasargada. La decoración incluye el uso de losas de pared talladas que representan las interminables procesiones de cortesanos, guardias y naciones tributarias de todas las partes del Imperio Persa.

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Los escultores que trabajaban en equipos tallaban estos relieves y cada equipo firmaba su trabajo con una marca distintiva de albañil. Estos relieves están ejecutados en un estilo seco y casi fríamente formal, aunque limpio y elegante, que en adelante fue característico del arte persa aqueménida y contrasta con el movimiento y el entusiasmo del arte asirio y neobabilónico.

Se suponía que este arte persa debía capturar al espectador por su simbolismo y transmitir una sensación de grandeza; Por tanto, los valores artísticos quedaron relegados a un segundo plano.

El rey es la figura dominante en la escultura de Persépolis, y parece que todo el propósito del esquema decorativo era glorificar al rey, su majestad y su poder. Así, que también podemos ver que las esculturas de Persépolis difieren de los relieves asirios, que son esencialmente narrativos y tienen como objetivo ilustrar los logros del rey.

Sin embargo, las similitudes son tales que es obvio que gran parte de la inspiración para este tipo de alivio debe haber venido de Asiria. Las influencias griegas, egipcias, urartianas, babilónicas, elamitas y escitas también se pueden ver en el arte aqueménida. Quizás esto no sea sorprendente, en vista de la amplia gama de personas empleadas en la construcción de Persépolis.

El arte persa aqueménida, sin embargo, también fue capaz de influir en el de otros y su huella es más notable en el arte primitivo de la India, con el que probablemente entró en contacto a través de Bactria. El realismo del arte persa aqueménida manifiesta su poder en la representación de los animales, como puede verse en los numerosos relieves de Persépolis.

Tallados en piedra o fundidos en bronce, los animales servían como guardianes de las entradas o, más a menudo como soportes para jarrones, en los que se agrupaban de a tres, su unión un renacimiento de las antiguas tradiciones de trípodes con patas terminadas en una pezuña o la pata de un león. Los artistas aqueménicos eran dignos descendientes de los escultores de animales de Luristán.

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El trabajo de platería, vidriado, orfebrería, fundición de bronce e incrustaciones están bien representados en el arte persa aqueménida. El tesoro de Oxus, una colección de 170 piezas de oro y plata halladas por el río Oxus datan del siglo V al IV a.C. Entre las piezas más conocidas se encuentra un par de brazaletes de oro con terminales en forma de grifos con cuernos, originalmente incrustados de vidrio y piedras de colores.

El arte persa de los aqueménida es una continuación lógica de lo que lo precedió, culminando en la soberbia habilidad técnica y el esplendor sin precedentes tan evidentes en Persépolis. El arte persa de los aqueménicos está profundamente arraigado en la época en que los primeros iraníes llegaron a la meseta, y su riqueza se ha acumulado a lo largo de los siglos para constituir, por fin, la espléndida realización del arte iraní actual.

El período helenístico

Después de que Alejandro conquistó el Imperio Persa (331 a. C.), el arte persa experimentó una revolución. Griegos e iraníes vivían juntos en la misma ciudad, donde los matrimonios mixtos se volvieron algo común. Así, dos conceptos profundamente diferentes de vida y belleza se enfrentaron entre sí.

Por un lado todo el interés se centró en modelar la plasticidad del cuerpo y sus gestos; mientras que por el otro no había más que sequedad y severidad, una visión lineal, rigidez y frontalidad. El arte greco-iraní fue el producto lógico de este encuentro.

Los vencedores, representados por la dinastía seléucida de origen macedonio, reemplazaron el antiguo arte oriental por formas helenísticas en las que el espacio y la perspectiva, los gestos, las cortinas y otros dispositivos se utilizaron para sugerir movimiento o diversas emociones, sin embargo, aún quedaron algunos rasgos orientales.

Los partos

En 250 a. C., un nuevo pueblo iraní los partos, proclamaron su independencia de los seléucidas y restablecieron un Imperio oriental que se extendió hasta el Éufrates. La reconquista del país por los partos trajo un lento regreso al tradicionalismo iraní. Su técnica marcó la desaparición de la forma plástica.

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Las figuras rígidas, a menudo muy enjoyadas, vestidas con trajes iraníes con sus cortinas enfatizadas de manera mecánica y monótona, ahora se mostraban sistemáticamente mirando al frente, es decir, directamente al espectador.

Este era un dispositivo utilizado en el arte antiguo mesopotámico solo para figuras de importancia excepcional. Sin embargo, los partos lo convirtieron en la regla para la mayoría de las figuras, y de ellos pasó al arte bizantino. Una hermosa estatua de bronce (de Shami) y algunos relieves (en Tang-i-Sarwak y Bisutun) resaltan estas características.

Durante el período parto, el iwan se convirtió en una forma arquitectónica generalizada. Este era un gran salón, abierto por un lado con un alto techo abovedado. Se han encontrado ejemplos particularmente buenos en Ashur y Hatra. En la construcción de estas grandiosas salas se utilizó mortero de yeso de fraguado rápido.

Quizás aliado al creciente uso del mortero de yeso estuvo el desarrollo de la decoración de estuco de yeso. Irán no estaba familiarizado con la decoración de estuco antes de los partos, entre los que estaba de moda para la decoración de interiores junto con la pintura mural. El mural de Dura-Europos, en el Éufrates, representa a Mitra cazando una variedad de animales.

En el área de Zagros, en el oeste de Irán, se pueden encontrar muchos ejemplos de cerámica ‘clinky’ de Partia, una cerámica roja dura que hace un ruido tintineante cuando se golpea. También es frecuente encontrar cerámica vidriada con un agradable vidriado de plomo azulado o verdoso, pintada sobre formas de inspiración helenística.

Durante este período aparecieron joyas ornamentadas con grandes incrustaciones de piedras o gemas de vidrio. Desafortunadamente, prácticamente nada de lo que los partos pudieron haber escrito ha sobrevivido, salvo algunas inscripciones en monedas y cuentas de autores griegos y latinos; sin embargo, estas cuentas estaban lejos de ser objetivas.

Las monedas partas son útiles para establecer la sucesión de reyes, se referían a sí mismas en estas monedas como «helenófilos», pero esto solo era cierto porque eran antiromanas. El período parto fue el comienzo de una renovación en el espíritu nacional iraní. Este arte persa constituye un importante trampolín de transición; que condujo por un lado al arte de Bizancio, y por otro al de los sasánidas y de la India.

Los sasánidas

En muchos sentidos, el período sasánida (224-633 d. C.) fue testigo del mayor logro de la civilización persa y constituyó el último gran imperio iraní antes de la conquista musulmana. La dinastía Sasánida, como la aqueménida, se originó en la provincia de Fars. Se vieron a sí mismos como sucesores de los aqueménicos, después del interludio helenístico y parto, y lo percibieron como su papel para restaurar la grandeza de Irán.

En su apogeo, el Imperio Sasánida se extendía desde Siria hasta el noroeste de la India; pero su influencia se sintió mucho más allá de estas fronteras políticas. Los motivos sasánidas se impusieron en el arte de Asia central y China, el Imperio bizantino e incluso la Francia merovingia.

Al revivir las glorias del pasado aqueménida, los sasánidas no eran meros imitadores. El arte persa de este período revela una virilidad asombrosa. En ciertos aspectos, anticipa características desarrolladas posteriormente durante el período islámico. La conquista de Persia por Alejandro Magno había inaugurado la expansión del arte helenístico en Asia occidental; pero si Oriente aceptó la forma exterior de este arte, nunca asimiló realmente su espíritu.

Durante el tiempo parto, ya se encontraba siendo dilucidado desenvueltamente el arte helenístico por los pueblos del Cercano Oriente, que ya para el tiempo sasánida hubo un proceso continuo de resistencia hacia él. El arte persa sasánida revivió modos y prácticas nativas de Persia; y en la etapa islámica llegaron a las orillas del Mediterráneo.

La magnificencia en el que subsistían los monarcas sasánidas está perfectamente representada por los palacios que quedaron en pie, así como los de Firuzabad y Bishapur en Fars, y la metrópoli de Ctesiphon en Mesopotamia. Asimismo de los hábitos locales, la arquitectura parta debe haber sido garante de diversas de las particularidades arquitectónicas sasánidas.

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Todos se caracterizan por los iwan con bóveda de cañón introducidos en el período parto, pero ahora alcanzaron proporciones masivas, particularmente en Ctesiphon. El arco de la gran sala abovedada de Ctesiphon atribuida al reinado de Sapor I (241-272 d. C.) tiene una luz de más de 80 pies y alcanza una altura de 118 pies desde el suelo.

Esta fastuosa estructura magnetizó a los arquitectos en los tiempos posteriores, por lo que ha sido admirada como uno de los fragmentos más significativos de la arquitectura persa. Diversos de los palacios poseen en lo interno una sala de audiencias que radica, como en Firuzabad, en una cámara perfeccionada por una cúpula.

Los persas solucionaron el problema de erigir una cúpula redonda en una obra cuadrada por el squinch. Que ni es más que un arco levantado a lo largo de cada esquina del cuadrado, transformándolo así en un octágono sobre el que es sencillo colocar la cúpula. La cámara de la cúpula del palacio de Firuzabad es el ejemplo más antiguo que se conserva del uso del squinch y, por tanto, hay buenas razones para considerar a Persia como su lugar de invención.

Entre las particularidades propias de la arquitectura sasánida, se puede mencionar su empleo emblema del espacio. El arquitecto sasánida imaginó su construcción en concepciones de volúmenes y superficies; de ahí la utilización de muros macizos de ladrillo adornados con estuco modelado o trabajado.

Las decoraciones de paredes de estuco aparecen en Bishapur, pero se conservan mejores ejemplos de Chal Tarkhan cerca de Rayy (tardío sasánida o temprano islámico en la fecha), y de Ctesiphon y Kish en Mesopotamia. Los paneles muestran figuras de animales en rondas, bustos humanos y motivos geométricos y florales.

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En Bishapur, algunos de los pisos estaban ornamentados con mosaicos que exponían hechos de diversión como en un agasajo; el predominio romano aquí es claro, y los mosaicos pueden haber sido instalados por prisioneros romanos. Los edificios también fueron adornados con pinturas murales; se han encontrado ejemplos particularmente buenos en Kuh-i Khwaja en Sistan.

Por otro lado, la escultura sasánida ofrece un contraste igualmente sorprendente con la de Grecia y Roma. Actualmente, sobreviven una treintena de esculturas de roca, la mayoría de ellas ubicadas en Fars. Al igual que las del período aqueménida, están talladas en relieve, a menudo en rocas remotas e inaccesibles. Algunas están tan profundamente socavadas que son prácticamente independientes; otros son poco más que graffiti. Su propósito es la glorificación del monarca.

Los primeros grabados rupestres sasánidas que se presentan son los de Firuzabad, vinculados al comienzo del reinado de Ardashir I y todavía ligados a los principios del arte persa parto. El relieve en sí es muy mínimo, los detalles se realizan mediante delicados cortes y las formas son cargadas y abundantes, pero no sin cierto vigor.

Un relieve, tallado en una pared de roca en el desfiladero de Tang-i-Ab cerca de la llanura de Firuzabad, consta de tres escenas de duelo separadas que expresan vívidamente el concepto iraní de la batalla como una serie de enfrentamientos individuales.

Muchos representan la investidura del rey por el dios «Ahura mazda» con los emblemas de soberanía; otros el triunfo del rey sobre sus enemigos. Es posible que se hayan inspirado en obras triunfales romanas, pero la forma de tratamiento y presentación es muy diferente. Los relieves romanos son registros pictóricos siempre con un intento de realismo.

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Las esculturas sasánidas conmemoran un acontecimiento representando simbólicamente el incidente culminante: por ejemplo, en la escultura de Naksh-i-Rustam (siglo III), el emperador romano Valeriano entrega sus brazos al vencedor Sapor I.Personajes divinos y reales están representados en una escala mayor que la de las personas inferiores. Las composiciones son, por regla general, simétricas.

Las figuras humanas tienden a ser rígidas y pesadas y hay una torpeza en la representación de ciertos detalles anatómicos como los hombros y el torso. La escultura en relieve alcanzó su cenit bajo Bahram I (273-76), el hijo de Shapur I, que fue responsable de una hermosa escena ceremonial en Bishapur, en la que las formas han perdido toda rigidez y la mano de obra es elaborada y vigorosa.

Si se considera la colección completa de esculturas rupestres sasánidas, se hace evidente un cierto ascenso y declive estilístico; a partir de las formas planas de los primeros relieves fundados en la tradición paratiana, el arte persa se volvió más sofisticado y, debido a la influencia occidental, formas más redondeadas que aparecieron durante el período de Zafiro I.

Que culminó en la dramática escena ceremonial de Bahrein I en Bishapur, luego retrocediendo a formas trilladas y sin inspiración bajo Narsah, y finalmente regresando al estilo no clásico evidente en los relieves de Khosroe II. No hay ningún intento de retratar en el arte persa sasánida, ni en estas esculturas ni en las figuras reales representadas en vasijas de metal o en sus monedas. Cada emperador se distingue simplemente por su propia forma particular de corona.

En las artes menores, lamentablemente no ha sobrevivido ninguna pintura, y el período sasánida está mejor representado por su trabajo en metal. A este período se le ha atribuido un gran número de vasijas metálicas; muchos de estos se han encontrado en el sur de Rusia.

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Tienen una variedad de formas y revelan un alto nivel de habilidad técnica con la decoración ejecutada mediante martillado, golpeteo, grabado o fundición. Los temas representados con mayor frecuencia en platos de plata incluían cacerías reales, escenas ceremoniales, el rey entronizado o banquetes, bailarines y escenas de carácter religioso.

Los recipientes se decoraron con diseños ejecutados en varias técnicas; dorado, chapado o grabado de paquetes y esmaltado cloisonné. Los motivos incluyen figuras religiosas, escenas de caza en las que el rey tiene el lugar central y animales míticos como el grifo alado. Estos mismos diseños ocurren en los textiles sasánidas. El tejido de seda fue introducido en Persia por los reyes sasánidas y los tejidos de seda persas incluso encontraron un mercado en Europa.

Hoy en día se conocen pocos tejidos sasánidas, aparte de pequeños fragmentos procedentes de varias abadías y catedrales europeas. De las magníficas telas reales fuertemente bordadas, tachonadas de perlas y piedras preciosas, nada ha sobrevivido.

Sólo se conocen a través de varias referencias literarias y la escena ceremonial del Taq-i-Bustan, en la que Khosroe II está vestido con un manto imperial que se asemeja al descrito en la leyenda, tejido en hilo de oro y tachonado de perlas y rubíes.

Lo mismo ocurre con la famosa alfombra de jardín, la «Primavera de Khosroe». Realizada durante el reinado de Khosroe I (531 – 579), la alfombra tenía 90 pies cuadrados.  Cuya descripción de los historiadores árabes es la siguiente:

«El borde era un magnífico macizo de flores de piedras azules, rojas, blancas, amarillas y verdes; en el fondo el color de la tierra se imitaba con oro; piedras claras como cristales daban la ilusión de agua; las plantas eran de seda y los frutos estaban formados por piedras de colores».

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Sin embargo, los árabes cortaron esta magnífica alfombra en muchos pedazos, que luego se vendieron por separado. Quizás la característica más distintiva del arte sasánida es su ornamento, que estaba destinado a tener una profunda influencia en el arte  islámico.

Los diseños tendían a ser simétricos y se hacía mucho uso de los medallones adjuntos. Los animales y las aves e incluso los motivos florales se presentaban con frecuencia de forma heráldica, es decir, en parejas, enfrentados o espalda con espalda.

Algunos motivos como el Árbol de la vida, tienen una historia antigua en el Cercano Oriente; otros, como el dragón y el caballo alado, revelan la constante relación amorosa del arte asiático con lo mítico.

El arte persa sasánida se extendió por un inmenso territorio que se extendía desde el Lejano Oriente hasta las orillas del Atlántico y desempeñó un papel fundamental en la formación del arte medieval europeo y asiático. El arte islámico, sin embargo, era el verdadero heredero del arte perso sasánida, cuyos conceptos iba a asimilar y, al mismo tiempo, le infundía vida fresca y renovado vigor.

Período islámico temprano

La conquista árabe en el siglo VII dC introdujo a Persia en la comunidad islámica; sin embargo, fue en Persia donde el nuevo movimiento del arte islámico enfrentó su prueba más severa. El contacto con un pueblo de altos logros artísticos y cultura ancestral causó una profunda impresión en los conquistadores musulmanes.

Cuando los abasíes hicieron de Bagdad su capital (cerca de la antigua metrópolis de los gobernantes sasánidas), llegó una vasta corriente de influencias persas. Los califas aceptaron la antigua cultura persa; también se siguió una política en las cortes de los principados locales relativamente independientes (Samánidas, Búyidas, etc.), que condujo a un renacimiento consciente de las tradiciones persas en el arte y la literatura.

Siempre que fue posible, se infundió nueva vida a la herencia cultural del arte persa y se mantuvieron o se introdujeron de nuevo costumbres completamente ajenas al Islam. El arte islámico (pinturas, trabajos en metal, etc.) estuvo fuertemente influenciado por los métodos sasánidas y las técnicas de bóveda persas se adoptaron en la arquitectura islámica.

Han sobrevivido pocos edificios seculares del período temprano, pero a juzgar por los restos, es probable que conservaran muchas características de los palacios sasánidas, como la «sala de audiencias abovedada» y «la planta dispuesta alrededor de un patio central». El principal cambio que este período trajo al desarrollo del arte fue restringir la representación de retratos realistas o representaciones de la vida real de eventos históricos.

«En el día de la Resurrección, Dios considerará a los creadores de imágenes como los hombres más merecedores de castigo»

Colección de dichos del Profeta

Como el Islam no toleraba la representación tridimensional de criaturas vivientes, los artesanos persas desarrollaron y ampliaron su repertorio existente de formas ornamentales, que luego plasmaron en piedra o estuco. Estos proporcionaron un material común en el que se basaron los artistas de otros medios.

Muchos de los motivos se remontan a las antiguas civilizaciones del Cercano Oriente: incluyen bestias fabulosas como la esfinge con cabeza humana con alas, grifos, fénix, bestias salvajes o pájaros enganchados a sus presas, y dispositivos puramente ornamentales como medallones, vides, motivos florales y el rosetón.

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Los creyentes musulmanes más tolerantes eran menos estrictos con la representación del arte figurativo y en las casas de baño, las pinturas de caza o escenas de amor para el entretenimiento de los clientes rara vez suscitaban objeciones.

Sin embargo, en los establecimientos religiosos, solo se toleraban indicios indistintos de formas humanas o animales. Los persas apreciaron rápidamente el valor decorativo de la escritura árabe y desarrollaron todas las variedades de adornos florales y abstractos. El adorno persa generalmente se distingue del de otros países islámicos.

El tratamiento del arabesco tendía a ser más libre en Persia que en otros lugares y, por lo general, aunque no siempre, conservaba formas vegetales naturales y reconocibles. También se producen palmetas, trastes, guilloches, entrelazados y elaboradas figuras geométricas como la estrella poligonal.

La caligrafía es la forma de arte más alta de la civilización islámica y, como todas las formas de arte que entraron en contacto con Irán, los persas la mejoraron y desarrollaron. Ta’liq, «escritura colgante» (y su derivado Nasta’liq) se formalizó en el siglo XIII; aunque había existido durante siglos antes de esto, y se afirma que se deriva de la antigua escritura sasánida preislámica.

La página escrita también fue enriquecida por el arte del «Iluminador» y en algunos manuscritos por el del pintor, quien agregó ilustraciones a pequeña escala. La tenacidad de la tradición cultural de Persia es tal que, a pesar de siglos de invasiones y dominio extranjero por parte de árabes, mongoles, turcos, afganos, etc. Su arte persa revela un desarrollo continuo, al tiempo que preserva su propia identidad.

Durante el dominio árabe, la adhesión de la población local a la secta chiíta del Islam (que se oponía a la rígida observancia ortodoxa) jugó un papel importante en su resistencia a las ideas árabes. Cuando la ortodoxia se afianzó, mediante la conquista de los selyúcidas en el siglo XI, el elemento persa se había arraigado tan profundamente que ya no podía ser desarraigado.

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Período de abadás

Una vez que pasó el impacto inicial de la invasión árabe, los iraníes se pusieron manos a la obra de asimilar a sus vencedores. Los artistas y artesanos se pusieron a disposición de los nuevos gobernantes y las necesidades de la nueva religión, y los edificios musulmanes adoptaron los métodos y materiales del período sasánida.

El tamaño de los edificios y las técnicas de construcción en el período abasí muestran un renacimiento de la arquitectura mesopotámica. Los ladrillos se utilizaron para paredes y pilares. Estos pilares actuaron luego como soportes aislados para las bóvedas que se utilizaron repetidamente en todo el mundo musulmán, debido a la escasez de madera para techos.

La amplia variedad de arcos en la arquitectura abasí lleva a uno a creer que sus variadas formas tenían fines ornamentales más que requisitos estructurales.

De todas las artes decorativas, la cerámica realizó los avances más notables durante el período abasí. En el siglo IX se desarrollaron nuevas técnicas en las que se pintaban diseños atrevidos con un fuerte pigmento azul cobalto sobre un fondo blanco. A veces se combinaban varios tonos de brillo sobre un fondo blanco, incluidos el rojo, el verde, el dorado o el marrón.

Hacia finales del siglo IX, los diseños de siluetas de animales y humanos se volvieron bastante comunes, sobre un fondo liso o densamente cubierto. La cerámica de finales del período abasí (siglo XII a principios del XIII) incluye:

  • Lámparas talladas o moldeadas, quemadores de incienso, mesitas de suelo y baldosas con esmalte verde turquesa.

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  • Frascos y cuencos pintados con motivos florales, galones, animales o figuras humanas, etc., bajo un esmalte verde o transparente.
  • Tarros, cuencos y azulejos pintados con un brillo marrón oscuro sobre un esmalte verdoso claro; el brillo a veces se combina con líneas azules y verdes.

Se conocen pinturas de la era abasí temprana por los fragmentos excavados en Samarra, en las afueras de Irán occidental (aproximadamente a 100 kilómetros al norte de Bagdad, Irak).

Estas pinturas murales se encontraron en las salas de recepción de las casas burguesas y en las partes no públicas de los palacios, especialmente en los barrios del harén, donde no se llevó a cabo ninguna función religiosa.

Un lugar favorito de tales decoraciones eran las cúpulas sobre pasillos cuadrados. Buena parte de las imágenes tienen elementos helenísticos, como lo demuestran los bebedores, bailarines y músicos, pero el estilo es básicamente sasánida en espíritu y contenido. Muchos se han reconstruido utilizando monumentos sasánidas como relieves en roca, sellos, etc.

En el este de Irán, una pintura de la cabeza de una mujer (finales del siglo VIII o principios del IX) encontrada en Nishapur tiene un gran parecido con el arte de Samarra; sin embargo, apenas se ve afectado por las influencias helenísticas.

El arte persa pictórico (miniaturas) en el período final antes de la destrucción del califato se encuentra principalmente en manuscritos que ilustran obras científicas o literarias y se restringió principalmente a Irak.

ARTE PERSA

Los samánides

Con la disminución del poder de los califas en los siglos IX y X, los señores feudales volvieron gradualmente al poder, estableciendo principados independientes en el este de Irán; uno de los más importantes fue gobernado por los samánidas. Los gobernantes samaníes fueron grandes mecenas del arte persa y convirtieron a Bukhara y Samarcanda en Transoxiana en famosos centros culturales.

La documentación más completa del arte persa samaní se encuentra en sus cerámicas, y durante el siglo IX, las mercancías de Transoxiana fueron muy populares en las provincias orientales de Persia. La cerámica más conocida y más refinada de este tipo de Samarcanda es la que tiene grandes inscripciones en cúfico (la primera versión de la escritura árabe utilizada en el Corán, que lleva el nombre de la ciudad de Kufa en Irak) pintada en negro sobre un fondo blanco.

La decoración de figuras nunca apareció en estos artículos de Transoxiana y los motivos a menudo se copiaban de textiles como rosetas, rondas y «ojos» de cola de pavo real. Por otro lado, la cerámica de Khorasan del período samánida conocida principalmente por el material excavado en Nishapur, no eliminó la forma humana, y hay ejemplos de figuras humanas sobre fondos abundantes en animales, flores e inscripciones.

Desafortunadamente, prácticamente no queda nada de pinturas o miniaturas de samánida, aparte de algunos fragmentos de pinturas murales que se encuentran en Nishapur. Uno de esos fragmentos representa una imagen a tamaño natural de un cetrero a caballo, cabalgando a un «galope volador» de acuerdo con modos derivados de la tradición sasánida. El cetrero se viste al estilo iraní con influencias de la estepa, como las botas altas.

En cuanto a los textiles, lo que han sobrevivido son varios ejemplos de tiraz (tira de tela utilizada para decorar la manga) de Merv y Nishapur. Nada queda de la vasta producción de los talleres textiles de Transoxiana y Khorasan, excepto el célebre fragmento de seda y algodón conocido como el «Sudario de St. Josse».

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Esta pieza está decorada con elefantes enfrentados resaltados por cenefas de caracteres cúficos y filas de camellos bactrianos. Está inscrito en Abu Mansur Bukhtegin, un alto funcionario de la corte samaní que fue condenado a muerte por Abd-al-Malik ibn-Nuh en el año 960. Es casi seguro que la tela sea del taller de Khorasan. Aunque las figuras son bastante rígidas, los modelos sasánidas se han seguido de cerca, tanto en la composición general como en los motivos individuales.

Los selyúcidas

El período selyúcida en la historia del arte y la arquitectura se extiende por alrededor de dos siglos desde la conquista selyúcida en el segundo cuarto del siglo XI hasta el establecimiento de la dinastía Ilkan en el segundo cuarto del siglo XIII. Durante este período, el centro de poder dentro del mundo islámico se trasladó de los territorios árabes a Anatolia e Irán, y los centros tradicionales ahora residen en las capitales selyúcidas: Merv, Nishapur, Rayy e Isfahan.

A pesar de los invasores turcos, esta era de renacimiento persa comienza con la publicación del «Shah-namah» de Firdawsi, constituye para Persia un período de desarrollo artístico intensamente creativo. La pura productividad de estos siglos en las artes visuales en comparación con el arte de siglos anteriores, representa un gran salto adelante.

La importancia del arte persa selyúcida es que estableció una posición dominante en Irán y determinó el desarrollo futuro del arte en el mundo iraní durante siglos. Las innovaciones estilísticas introducidas por los arquitectos iraníes de este período tuvieron, de hecho, grandes repercusiones, desde la India hasta Asia Menor. Sin embargo, existe una fuerte superposición entre el arte selyúcida y las agrupaciones estilísticas de los Búyidas, Gaznávidas etc.

En muchos casos, los artistas del período selyúcida consolidaron y en ocasiones perfeccionaron, formas e ideas que se conocían desde hacía mucho tiempo. Debe recordarse que el panorama no es tan claro como debería ser, con la escala masiva de excavaciones ilegales en Irán durante los últimos cien años.

El rasgo característico de los edificios de este período, es el uso decorativo de ladrillos sin revocar. Se suspendió el uso anterior de revestimientos de estuco en los muros exteriores, así como en el interior (para disimular la inferioridad del material de construcción), aunque reapareció más tarde.

Con el establecimiento de los turcos selyúcidas (1055-1256) se introdujo una forma distintiva de mezquita. Su característica más llamativa es el nicho abovedado o iwan que había ocupado un lugar destacado en los palacios sasánidas y era conocido incluso en el período parto. En este plan de mezquita llamado «cruciforme», se introduce un iwan en cada una de las cuatro paredes circundantes de la corte.

Este plan fue adoptado para la reconstrucción de la Gran Mezquita de Isfahan en 1121 y fue ampliamente utilizado en Persia hasta tiempos recientes. Un ejemplo notable es la Masjid-i-shah o Mezquita Real fundada por Shah Abbas en Isfahan en 1612 y terminada en 1630. La decoración de figuras apareció en la cerámica selyúcida desde mediados del siglo XII en adelante.

Al principio, la decoración estaba tallada o moldeada, mientras que el esmalte era monocromático, aunque en el lakabi (pintura) se utilizaron artículos tallados de varios colores. A veces, la decoración se aplicaba en la maceta, pintada en engobe negro bajo un esmalte transparente o de color para crear un efecto de silueta.

Grandes pájaros, animales y criaturas fabulosas forman la mayor parte de las imágenes, aunque en la silueta aparecen figuras humanas. Las figuras de la silueta suelen ser independientes, aunque es habitual que las formas humanas y animales siempre se presenten 0 se superpongan sobre un fondo de follaje.

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El último cuarto del siglo XII vio la creación de la espléndida y elaborada cerámica minai (esmalte), realizada mediante una técnica de doble cocción para colocar el barniz sobre el esmalte. Este tipo de cerámica, que se originó en Rayy, Kashan y quizás Saveh, muestra detalles ornamentales similares a la cerámica pintada con brillo de Kashan. Algunas composiciones representan escenas de batalla o episodios extraídos del Shah-namah.

Las miniaturas selyúcidas de las que quedan pocos rastros debido a la destrucción generalizada por las invasiones mongolas, también deben haber sido extremadamente ornamentadas, como otras formas de arte persa de la época, y ciertamente deben haber mostrado características similares a la pintura de cerámica.

El centro principal de la pintura de libros en los siglos XII y XIII fue Irak, pero esta pintura tuvo una marcada influencia iraní. Han sobrevivido varios buenos ejemplos de coranes selyúcidas, y se destacan por su magnífica pintura en la portada, a menudo de marcado carácter geométrico, con la escritura cúfica tomando el papel principal.

Durante el período selyúcida, la metalurgia estaba particularmente extendida con niveles extremadamente altos de mano de obra. El bronce fue, con mucho, el metal más utilizado durante los siglos XI y XII (siendo el bronce una adición posterior).

Los artefactos fueron fundidos, grabados, a veces con incrustaciones de plata o cobre o ejecutados en calados, y en algunos casos incluso adornados con decoraciones de esmalte. En el siglo XII, las técnicas de repujado y grabado se añadieron a las de incrustaciones de bronce o latón con oro, plata, cobre y niel.

Un ejemplo notable es el cubo de bronce con incrustaciones de plata y cobre que ahora se conserva en el Museo Hermitage de Leningrado. Según su inscripción, se realizó en Herat en 1163.

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En ese momento se produjeron una amplia gama de objetos como los quemadores de perfume por lo general en forma de animales, espejos, candelabros, etc. y parece probable que algunos de los mejores artesanos viajan mucho para ejecutar encargos con piezas finas enviadas a largas distancias.

El período selyúcida fue sin duda uno de los períodos, más intensamente creativos de la historia del mundo islámico. Este mostró logros espléndidos en todos los campos artísticos, con sutiles diferencias de una región a otra.

Los mongoles e  ilkanato

Las invasiones mongolas en el siglo XIII cambiaron la vida en Irán de manera radical y permanente. La invasión de Genghis Khan en la década de 1220 destruyó vidas y propiedades en el noreste de Irán a gran escala. En 1258, Hulagu Khan nieto de Genghis Khan, completó la conquista de Irán y consolidó su control sobre Irak, Irán y gran parte de Anatolia.

Con su capital en Maragha en el noroeste de Irán, fundó el reino de Ilkhanid, nominalmente sujeto al Gran Khan, Qubilai, gobernante de China y Mongolia.

La dinastía Ilkan que duró desde 1251 hasta 1335, representa en el arte persa (pinturas, cerámica y orfebrería) el período de mayor influencia del Lejano Oriente. Los ilkanatos posteriores intentaron reparar parte de la destrucción causada por su devastadora invasión a principios del siglo XIII, construyendo nuevas ciudades y empleando funcionarios nativos para administrar el país.

La arquitectura ilkania no constituyó un estilo nuevo en su época, pero continuó los planes y técnicas selyúcidas. La arquitectura selyúcida de doble cúpula fue muy popular entre los ilkanatos y las exhibiciones de ladrillos decorativos, aunque no completamente abandonadas, dieron paso a un uso cada vez mayor de cerámica vidriada.

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En Irán, las grandes superficies interiores y exteriores se cubrieron por primera vez con grandes mosaicos de loza (mosaico de azulejos) de motivos geométricos, florales y caligráficos en el siglo XIII. La técnica probablemente fue reimportada en ese momento de Asia Menor, donde los artistas persas habían huido antes de la invasión mongola. Uno de los primeros monumentos iraníes con grandes áreas de mosaicos de loza es el Mausoleo de Oljeitu en Sultaniya.

En lo que respecta a la cerámica, toda actividad en Rayy cesó tras la destrucción de los mongoles en 1220, pero la cerámica de Kashan se recuperó inmediatamente de las penurias sufridas en 1224.

Las baldosas se utilizaron ampliamente tanto en decoración arquitectónica como en mihrab y en la Imamzada Yahya de Varamin, que tiene un mihrab que data de c. 1265, con la firma del famoso alfarero kashan Ali ibn-Muhammad ibn Ali Tahir. Estos fueron llamados kashi por su centro de producción en Kashan.

Hay dos tipos de alfarería más asociados con los ilkanatos, uno es el «Sultanabad» (cuyo nombre fue tomado de donde se descubrieron las primeras piezas en la región de Sultanabad) y el otro «Lajvardina» (un simple sucesor de la técnica minai) . El sobrepintado dorado sobre un esmalte azul intenso hace que la vajilla Lajvardina sea una de las más espectaculares jamás producidas en Persia.

En contraste con esto, la loza de Sultanabad está fuertemente en macetas y hace uso frecuente de engobe gris con contornos gruesos, mientras que otro tipo muestra pintura negra bajo un esmalte turquesa. El dibujo es de una calidad indiferente, pero la cerámica en su conjunto tiene un interés especial como ejemplo clásico de la forma en que los motivos chinos invadieron la tradición cerámica persa.

La metalurgia que había florecido en el noreste de Persia, Khurassan y Transoxiana, también sufrió terriblemente por la invasión mongola; sin embargo, no se extinguió por completo. Después de una brecha en la producción de casi un siglo, que puede tener un paralelo cercano en la arquitectura y la pintura, la industria revivió. Los centros clave estaban en Asia Central, Azerbaiyán (el centro principal de la cultura mongol) y el sur de Irán.

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La combinación del estilo persa con mesopotámico y mameluco es característica de toda la orfebrería ilkanatos. La incrustación de metal mesopotámico parece haberse inspirado en las técnicas del arte persa, que desarrolló y perfeccionó. El bronce fue sustituido cada vez más por el bronce, y las incrustaciones de oro sustituyeron al cobre rojo.

También hubo una tendencia en el trabajo mesopotámico a cubrir la superficie completa mediante patrones ornamentales minuciosos y las figuras humanas y animales siempre estaban bien definidas. Sin embargo, las obras persas mostraron preferencia por una técnica de incrustación y grabado que evitaba los contornos rígidos y precisos. También hubo renuencia a cubrir toda la superficie con adornos.

Hacia finales del siglo XIII, la influencia del Lejano Oriente se hace evidente tanto en el estilo persa como en el mesopotámico en el tratamiento más naturalista de los ornamentos vegetales (entre los que aparece la flor de loto…) y la forma humana típicamente alargada.

Los timúridas

Ciento cincuenta años después de que los mongoles invadieron Irán por primera vez, los ejércitos de Timur el Cojo (Tamerlán, un conquistador apenas menos temible que su antepasado Genghis Khan) invadieron Irán desde el noreste. Los artesanos se salvaron de las masacres y fueron transportados a su capital Samarcanda, que embellecieron con edificios espectaculares, incluidos palacios ahora derrotados con pinturas murales que representan las victorias de Timur.

En la época de ShahRukh y Oleg Begh, el arte persa de la miniatura alcanzó tal grado de perfección que sirvió de modelo para todas las escuelas posteriores de pintura en Persia. La característica más notable del nuevo estilo timurí (aunque derivado del período Ilkan anterior) es una nueva concepción del espacio.

En la pintura en miniatura, el horizonte se coloca alto de manera que se forman diferentes planos en los que se disponen casi en perspectiva: objetos, figuras, árboles, flores y motivos arquitectónicos. Esto permitió al artista pintar grupos más grandes con mayor variedad y espaciado, y sin hacinamiento. Todo está calculado, estas son imágenes que exigen mucho al espectador y no revelan sus secretos a la ligera.

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Dos de las escuelas más influyentes estaban en Shiraz y Herat. Así que bajo el patrocinio del sultán Ibrahim (1414 – 35), la escuela de Shiraz, basándose en el estilo timurí anterior, creó una forma de pintar muy estilizada en la que predominaban los colores brillantes y vigorosos. Las composiciones eran sencillas y contenían pocas figuras.

La misma ciudad fue más tarde un centro importante para el estilo turcomano apodado después de la dinastía gobernante del oeste y sur de Irán. Las características de este estilo son los ricos colores dramáticos y el diseño elaborado, que hacen que todos los elementos del cuadro se conviertan en parte de un esquema casi decorativo. Este estilo se extendió hasta principios del período safávida, pero parece haberse desvanecido hacia mediados del siglo XVI.

Las obras más importantes de la escuela son las 155 miniaturas del Khavar-nama de Ibn-Husam, que datan de 1480. Las primeras miniaturas de Herat estaban en forma, una versión más perfecta del estilo timurí temprano, que había florecido a principios de siglo. Bajo el patrocinio del último príncipe timurí, el sultán Hussain ibn Mansur ibn Baiqara (1468 – 1506), Herat floreció como nunca antes y muchos creen que fue aquí donde la pintura persa alcanzó su clímax.

Su estilo se distingue por colores suntuosos y una precisión de detalle casi increíble, una perfecta unidad de composición, una caracterización individual llamativa de la figura humana y una máxima sensibilidad para transmitir la atmósfera desde lo solemne hasta la alegría de la pintura narrativa.

Las grandes obras maestras de la escuela de Herat que sobreviven incluyen dos copias de Kalila wa Dimna (una colección de fábulas de animales con aplicaciones morales y políticas), el Golestan (‘Rose Garden’) de Sa’di (1426) y al menos un Shah -nama (1429).

Como en otros períodos del «arte del libro», la pintura fue solo uno de los aspectos de la decoración islámica. La caligrafía siempre se consideró una de las formas de arte más elevadas en el Islam, y fue practicada no solo por calígrafos profesionales sino también por los propios príncipes y nobles timúridas.

El mismo artista practicaba a menudo las artes de la caligrafía, la iluminación y la pintura. Mirak Naqqash, por ejemplo, comenzó como calígrafo, luego iluminó manuscritos y finalmente se convirtió en uno de los más grandes pintores de la escuela de la corte de Herat.

Los calígrafos persas sobresalieron en todos los estilos de escritura cursiva; el elegante muhaqqaq grande, el rihani más fino (ambos con finales afilados), el ghubar como el crepúsculo y la pesada y flexible escritura thuluth. A finales del siglo XIV, ‘Umar Aqta’ (con la mano amputada), escribió un Corán en miniatura para Timur, que era tan pequeño que podía colocarse bajo el encaje de un anillo de sello.

Cuando Timur lo desaprobó porque, según una tradición profética, la Palabra de Dios debía escribirse en letras grandes, el calígrafo produjo otra copia, cada una de cuyas letras medía un codo de largo.

Esta fue también una época de gran desarrollo en las artes decorativas: textiles (en particular alfombras), trabajos en metal, cerámica, etc. Aunque no ha sobrevivido ninguna alfombra, las miniaturas ofrecen una amplia documentación de las hermosas alfombras hechas en el siglo XV. En estos, parecían preferidos los motivos geométricos a la moda turco-asiática.

De la dinastía Timurí ha sobrevivido relativamente poca orfebrería de alta calidad, aunque de nuevo las miniaturas de la época (cuyo detalle obsesivo las convierte en una excelente guía para los objetos contemporáneos) muestran que en esta época se desarrollaron jarras con largos caños curvos.

Unos pocos objetos espectaculares pero aislados dan una pista de esta industria en gran parte desaparecida, que incluye una base de candelabro formada por cabezas de dragón anudadas y un par de enormes calderos de bronce.

De trabajos en oro y plata se salvo unas pocas piezas, nada ha sobrevivido de lo que debió ser una magnífica producción de artículos y adornos en metales preciosos. Las miniaturas muestran joyas de oro a veces incrustadas con piedras.

El uso de piedras preciosas y semipreciosas para objetos domésticos se generalizó bajo la influencia directa de los modelos chinos. El jade en particular se empleó para pequeños cuencos, jarras con asas en forma de dragón y anillos de sello. Investigaciones recientes han demostrado que la cantidad de cerámicas timúridas supervivientes no es tan pequeña como se pensaba. En el período timurí temprano no se conoce ningún centro de producción de cerámica.

Sin embargo, es cierto que las capitales timúridas (Mashad y Herat en Khurassan, Bukhara y Samarcanda en Asia Central) poseían grandes fábricas, donde no solo se producían los magníficos azulejos que decoraban los edificios de la época, sino también la cerámica.

La porcelana china azul y blanca (principalmente cuencos y platos grandes de borde ancho), introducida en Persia en la segunda mitad del siglo XIV, inició una nueva moda que dominó la producción de cerámica durante todo el siglo XV.

Sobre el fondo blanco, se dibujaron flores de loto, nubes en forma de cinta, dragones, patos en ondas estilizadas, etc., en varios tonos de azul cobalto. Este estilo continuará hasta el siglo XVI, cuando se desarrollaron motivos más atrevidos con paisajes y grandes figuras de animales.

Desde un punto de vista arquitectónico, se hicieron pocas innovaciones durante el período timurí con mezquitas cimentadas sobre un antiguo plan selyúcida. La contribución más significativa de la arquitectura timúrida; sin embargo, está en su decoración.

La introducción del mosaico de loza (mosaico de azulejos) transformó todo el aspecto de la arquitectura timúrida y, junto con el uso de ladrillos estampados, se convirtió en el rasgo más característico de la decoración arquitectónica. Se decoraron enormes superficies con revestimientos de arabescos tallados y azulejos vidriados. El esmalte era turquesa o azul profundo, con blanco para las inscripciones.

La miniatura persa

La pintura persa en miniatura comenzó en el período mongol a principios del siglo XIII, cuando los pintores persas estuvieron expuestos al arte chino y los pintores chinos trabajaron en las cortes de Ilkan en Irán. No se sabe si los artistas persas fueron a China antes del siglo XV; pero es cierto que los artistas chinos, importados por los gobernantes mongoles fueron a Irán, como los que Arghun solía pintar las paredes de los templos budistas.

Desafortunadamente, las obras de estos artistas, así como toda la colección de pinturas murales seculares, se perdieron. La pintura en miniatura de alto nivel artístico, fue la única forma de pintura que sobrevivió a este período.

En las miniaturas ilkanidas, se encuentran la figura humana que anteriormente había sido representada de manera robusta y estereotipada, ahora se muestra con más gracia y proporciones más reales. Así como, los pliegues de las cortinas daban la impresión de profundidad.

Los animales fueron observados con más atención que antes y perdieron su rigidez decorativa, las montañas perdieron su apariencia suave y los cielos se animaron con nubes blancas típicamente rizadas con formas de guirnaldas retorcidas. Estas influencias se fusionaron progresivamente con las pinturas iraníes y finalmente se asimilaron a nuevas formas. El principal centro de la pintura de Ilkan fue Tabriz.

Algunos de los efectos de la influencia china se pueden ver en la pintura de Bahram Gur «La batalla con el dragón» del famoso Demotte «Shah-namah» (El libro de los reyes), ilustrado en Tabriz en el segundo cuarto del siglo XIV. Los detalles de las montañas y el paisaje son de origen del Lejano Oriente como, por supuesto, el dragón con el que el héroe está enzarzado en combate.

Al usar el marco como una ventana y colocar al héroe de espaldas al lector, el artista crea la impresión de que el evento realmente está sucediendo ante nuestros ojos.

Menos obvia pero más importante, es la relación vaga e indefinida entre el primer plano inmediato y el fondo distante, y el corte abrupto de la composición en todos los lados. La mayoría de las miniaturas de Demotte Shah-namah deben considerarse entre las obras maestras de todos los tiempos, y este manuscrito es una de las copias más antiguas del poema épico inmortal de Ferdowsi.

El Shah-namah fue ilustrado con frecuencia en el período Ilkhanid, probablemente porque los mongoles desarrollaron un marcado gusto por la epopeya durante los siglos XIII y XIV. Los escribas e iluminadores ilkanatos llevaron el arte del libro a un primer plano.

Las escuelas de Mosul y Bagdad rivalizaban con el mejor trabajo de Mamluke y, de hecho, pueden haber sentado las bases para ello. La característica de esta escuela es el uso de hojas muy grandes (hasta 75 x 50 cm, 28 «x 20») de papel Bagdad y la escritura correspondiente a gran escala, especialmente muhaqqaq.

Los safávidas

Se considera generalmente que la dinastía safávida, de origen turco, duró desde 1502 hasta 1737, y bajo el gobierno de Shah Ismail se impuso la doctrina chiíta como religión estatal. Los safávidas continuaron los intentos de los ilkaníes de fomentar lazos diplomáticos más estrechos con las potencias europeas, con el fin de cimentar alianzas contra los otomanos. Como resultado de esta relación más estrecha, los safávidas abrieron la puerta a la influencia europea.

De la descripción de los viajeros occidentales se sabe que alguna vez existieron pinturas murales; con escenas de batalla en Shiraz que muestran la captura de Ormuz de los portugueses, así como escenas eróticas en Julfa, y escenas pastorales en el palacio Hazar Jarib en Isfahan.

En el interior de los palacios safávidas, la decoración pictórica se utilizó junto con las decoraciones tradicionales en Kashi o cerámica. La pintura de los primeros safávidas combinó las tradiciones de Timúrida, Herat y Turkoman Tabriz para alcanzar un pico en la excelencia técnica y la expresividad emocional, que para muchos es la mejor época de la pintura persa.

Artes del libro

La obra maestra de la época es el Shahnama-yi Shahi (El Libro de los Reyes del Rey, formalmente conocido como el Houghton Shah-nama) con sus 258 pinturas, que fue el Shah-nama más abundantemente ilustrado registrado en toda la historia persa.

Herat fue el gran centro de pintura en miniatura iraní del período timúri, pero en 1507 después de su captura por los safávidas los principales artistas emigraron, algunos a la India y otros a la capital Safávida, Tabriz, o la capital Shaybanida Bukhara.

Una de las principales innovaciones de los miniaturistas de Bukhara fue la introducción de motivos vegetales y animales en los márgenes de sus miniaturas. Fue en Tabriz, el otro centro principal en miniatura del período, donde en 1522 Shah Ismail nombró al famoso director de su biblioteca en Behzad.

Los rasgos característicos de la escuela de Tabriz se pueden ver en las ilustraciones de un manuscrito del Khamsa de Nezami; ejecutado entre 1539 y 43 por Aqa Mirak de Isfahan, su alumno Sultan Muhammad, los artistas de Tabriz Mir Sayyid ‘Ali, Mirza’ Ali y Muzaffar ‘Ali. Las miniaturas de Tabriz explotan la gama cromática completa, y sus composiciones son complejas y llenas de figuras que llenan el espacio.

El sucesor de Shah Ismail, contrató a Shah Tahmasp él mismo pintor ampliando el taller real. Sin embargo, durante la última parte del siglo XVI, Shah Tahmasp se convirtió en un extremista religioso, perdió el interés por la pintura y dejó de ser patrocinador. Este fue el principio del fin del libro de lujo.

Muchos de los mejores artistas dejaron la corte, algunos se fueron a Bukhara, otros a la India donde fueron fundamentales en la formación de un nuevo estilo de pintura, la Escuela Mughal. Los artistas que se quedaron pasaron de la producción de manuscritos ricamente ilustrados a dibujos y miniaturas separados para patrocinadores menos ricos.

Hacia fines del siglo XVI, con el traslado de la capital a Shiraz (1597), se produjo una desregulación oficial del código tradicional de la pintura de libros. Algunos pintores recurrieron a otros medios, experimentando con portadas de libros en lacas o con óleos de cuerpo entero.

Si las pinturas anteriores habían sido sobre el hombre en su entorno natural, las de finales del siglo XVI y principios del XVII tratan sobre el hombre mismo. El trabajo de este período está dominado por la representación a gran escala de derviches sórdidos, jeques sufíes, mendigos, comerciantes… con la sátira como fuerza impulsora detrás de la mayoría de estas imágenes.

Algunos de los mismos artistas prestaron su talento a un género de pintura completamente diferente, la sensual y la erótica, con escenas de amantes, mujeres voluptuosas, etc. Fueron extremadamente populares y se produjeron mecánicamente con el mínimo de esfuerzo.

Dos factores principales influyeron en los artistas entre 1630 y 1722; las obras de Riza y el arte europeo. En los dibujos de Riza, el contorno de formas básicas va acompañado de una obsesión por los pliegues, que normalmente sirven para enfatizar la sensual curvatura de la forma corporal, pero que en muchas ocasiones llegan al punto de la completa abstracción.

En un país con una poderosa tradición caligráfica, la escritura y el dibujo siempre están interconectados, pero en este momento el vínculo parece haber sido particularmente fuerte, de modo que el dibujo adquiere la apariencia física de la caligrafía Shikastah o Nasta’liq.

Hacia la segunda mitad del siglo XVII, cuando Shah Abbas II envió al pintor Muhammad Zaman a estudiar a Roma, se despertó en los artistas la necesidad de encontrar nuevas formas de expresión. El propio Muhammad Zaman regresó a Persia completamente bajo la influencia de las técnicas de pintura italianas. Sin embargo, esto no supuso un gran avance en su estilo de pintura. De hecho, sus miniaturas para el Shah-nama son en general banales y carecen de sentido del equilibrio.

En lo que respecta a la arquitectura, el lugar de honor es la expansión de Isfahan, ideada por Shah Abbas I a partir de 1598, que es uno de los esquemas de planificación urbana más ambiciosos y novedosos de la historia islámica.

En la decoración arquitectónica se le dio gran importancia a la caligrafía, que se transformó en un arte de inscripciones monumentales, un desarrollo de particular mérito artístico en el arte del kashi. Su principal exponente fue Muhammad Riza-i-Imami que trabajó en Qum, Qazvin y sobre todo, entre 1673 y 1677 en Mashad.

Cerámica

La muerte de Shah Abbas I en 1629 marcó el comienzo del fin de la edad de oro de la arquitectura persa. Detalle de ladrillo esmaltado en la Mezquita de Sheikh Lutfullah en Isfahan, mostrando texto coránico en estilizados caracteres cúficos.

La última década del siglo XVI vio un vigoroso resurgimiento de la industria de la cerámica en Irán. Los alfareros safávidas desarrollaron nuevos tipos de cerámica policromada azul y blanca Kubachi de inspiración china, debido quizás a la influencia de los trescientos alfareros chinos y sus familias que se establecieron en Irán (en Kerman) por Shah Abbas I.

Las baldosas cerámicas se produjeron especialmente, en Tabriz y en Samarcanda. Otros tipos de cerámica incluyen botellas y frascos de Isfahan.

La alfombra persa

Los textiles se desarrollaron en gran medida durante el período safávida. Isfahan, Kashan y Yezd produjeron sedas e Isfahan y Yezd satén, mientras que Kashan era famoso por sus brocados. La ropa persa del siglo XVII a menudo tenía una decoración floral sobre un fondo claro y los antiguos motivos geométricos dieron paso a la representación de escenas pseudo-realistas llenas de figuras humanas.

Las alfombras ocupan la posición principal en el campo textil, con centros de tejido clave en Kerman, Kashan, Shiraz, Yezd e Isfahan. Había una gran variedad de tipos como la alfombra de caza, la alfombra de animales, la alfombra de jardín y la alfombra de florero. El fuerte carácter pictórico de tantas alfombras safávida debe mucho a la pintura de libros safávida.

Metalurgia

En metalistería, la técnica de grabado desarrollada en Khurassan en el siglo XV conservó su popularidad hasta bien entrada la época de Safávida. El trabajo en metal de Safávida produjo importantes innovaciones en forma, diseño y técnica.

Incluyen una especie de porta antorchas alto octogonal sobre un pedestal circular, un nuevo tipo de jarra de inspiración china y la casi total desaparición de las inscripciones árabes en favor de las que contienen poesía persa, a menudo de Hafez y Sa’di.

En el trabajo de oro y plata, Safávida Irán se especializó en la producción de espadas y dagas, y de vasijas de oro como cuencos y jarras, a menudo engastadas con piedras preciosas. La metalurgia safávida, como tantas otras artes visuales, siguió siendo el estándar para los artistas posteriores en los períodos Zand y Qajar.

Períodos Zand y Kayar

La dinastía Kayar que gobernó Persia desde 1794 hasta 1925, no fue una continuación directa del período safávida. La invasión de las tribus afganas Ghilzai con la ocupación en 1722 de la capital de Safávida, Isfahan, y el eventual colapso del Imperio Safávida en la década siguiente sumieron a Irán en un período de caos político.

Con la excepción del intervalo de Zand (1750-79), la historia del Irán del siglo XVIII se vio empañada por la violencia tribal. Esto terminó con la coronación de Aqa Muhammad Khan Kayar en 1796, que marcó el comienzo de un período de estabilidad política que se caracterizó por un renacimiento de la vida cultural y artística.

Pintura kayar

Los períodos Zand y Qajar vieron una continuación de la pintura al óleo introducida en el siglo XVII y la decoración de cajas de laca y encuadernaciones. También se produjeron manuscritos históricos ilustrados y retratos de una sola página para una variedad de mecenas, en un estilo consistente con el de Muhammad Ali (hijo de Muhammad Zaman) y sus contemporáneos.

Si bien el uso excesivo de sombras a veces confiere a estas obras una cualidad oscura, muestran una mejor comprensión del juego de luces (proveniente de una sola fuente) en formas tridimensionales.

La evolución del arte persa en los siglos XVIII y XIX se puede dividir en distintas fases, comenzando con el reinado de Karim Khan Zand (1750-79), Fath Ali Shah (1797-1834) y Nasir ad-Din Shah (1848-96).

Durante el período Zand, Shiraz se convirtió no solo en la capital sino también en el centro de excelencia artística en Irán, y el programa de construcción de Karim Khan en la ciudad intentó emular el Isfahan de Shah Abbas. Shiraz estaba dotado de fortificaciones, palacios, mezquitas y otras comodidades civiles.

Karim Khan también fue un destacado mecenas de la pintura, y la tradición safávida-europea de la pintura de figuras monumentales revivió bajo la dinastía Zand, como parte de un renacimiento general de las artes. Los artistas de Zand eran tan versátiles como sus predecesores.

Además de desarrollar pinturas de tamaño natural (murales y óleos sobre lienzo), manuscritos, ilustraciones, acuarelas, trabajos de laca y esmaltes de la dinastía Safávida, agregaron un nuevo medio el del dibujo al agua.

Sin embargo, en sus pinturas los resultados a menudo parecían rígidos, ya que los artistas de Zand para corregir lo que consideraban un énfasis excesivo en la tridimensionalidad, intentaron aligerar la composición mediante la introducción de elementos decorativos. A veces se pintaban perlas y varias joyas en el tocado y la ropa de los sujetos.

Retratos reales

Karim Khan, que prefirió el título de Regente (Vakil) al de Shah, no exigió que sus pintores embellecieran su apariencia. Estaba feliz de ser mostrado en una reunión informal y sin pretensiones en un entorno arquitectónico modesto. El tono de estas pinturas de Zand contrasta fuertemente con las imágenes posteriores de Fath Ali Shah (el segundo de los siete gobernantes de la dinastía Qajar) y su corte.

Hay una herencia incuestionable de Zand en el arte persa temprano de Kayar. Se sabe que el fundador de la dinastía Kayar, Aqa Muhammad Khan, decoró su sala de audiencias de Teherán con pinturas saqueadas del palacio Zand y Mirza Baba (uno de los artistas de la corte de Karim Khan) se convirtió en el primer pintor laureado de Fath ‘Ali Shah.

Fath Ali Shah fue particularmente receptivo a las antiguas influencias iraníes, y se tallaron numerosos relieves en roca en estilo neo-Sasánida, que representan al soberano Kayar con la apariencia de Khosroe. Los relieves más conocidos se encuentran en Chashma-i-Ali, en Taq-i-Bustan y en las cercanías de la Puerta del Corán en Shiraz.

Bajo Fath Ali Shah hubo un claro retorno a la tradición. Sin embargo, al mismo tiempo el estilo de la corte europea de finales del siglo XVIII apareció en los palacios de Teherán. Las influencias europeas también se mezclan con temas sasánidas y neo-aqueménidas en el estuco figurativo tallado de este período (como se puede ver en muchas casas en Kashan).

Este además también usó frescos y lienzos a gran escala para crear una imagen personal imperial. Se utilizaron retratos de príncipes y escenas históricas para adornar sus nuevos palacios y, a menudo tenían la forma de un arco para encajar en un espacio con la misma forma en una pared. Fath Ali Shah también distribuyó varias pinturas a potencias extranjeras como Rusia, Gran Bretaña, Francia y el Imperio Austro-Húngaro.

La interacción del estilo popular y la influencia europea es aún más evidente en la pintura, con elementos flamencos y florentinos que aparecen en la pintura del bailarín «Mazda» de Madhi Shirazi (1819-20). Con la introducción de la impresión y la pintura a gran escala, algunos de los mejores artistas en miniatura de Kayar se dedicaron al trabajo de laca, como: encuadernaciones de libros, ataúdes y estuches para bolígrafos (qalamdan).

El estilo es particularmente cosmopolita y característico de una corte que intentó combinar los estilos de Persépolis, Isfahán y Versalles.

En la segunda mitad del siglo XIX, Nasir al Din Shah además de coleccionar obras de arte europeas, apoyó una escuela local de retratos que abandonó el estilo de Fath Ali Shah en favor de un estilo académico de influencia europea. Las obras de estos artistas locales iban desde retratos estatales al óleo hasta acuarelas de un naturalismo sin precedentes.

La fotografía comenzó ahora a tener un impacto profundo en el desarrollo de la pintura persa. Poco después de su introducción en Irán en la década de 1840, los iraníes adoptaron rápidamente la tecnología. El ministro de publicaciones de Nasir-al Din Shah, I’timad al-Saltaneh, afirmó que la fotografía había servido en gran medida al arte del retrato y el paisaje al reforzar el uso de luces y sombras, proporciones precisas y perspectiva.

En 1896 Nasir al-Din Shah fue asesinado y en diez años Irán tuvo su primer parlamento constitucional. Este período de cambio político y social vio a los artistas explorar nuevos conceptos, tanto dentro como más allá de los confines del retrato imperial.

En el retrato doble de Muzaffar al-Din Shah, se muestra al gobernante prematuramente envejecido descansando un brazo en un bastón y el otro en el brazo de apoyo de su premier. El artista aquí transmite tanto la frágil salud del Monarca como la Monarquía. El artista más importante de finales del período ajar fue Muhammad Ghaffari, conocido como Kamal al-Mulk (1852-1940), quien defendió un nuevo estilo naturalista.

Azulejos

Los azulejos de Kayar suelen ser inconfundibles. El repertorio de las denominadas tejas de cuerda seca muestra una desviación completamente nueva del de la época safávida. Por primera vez, las representaciones de personas y animales constituyen el tema principal.

También hay escenas de caza, ilustraciones de las batallas de Rostam (el héroe de la epopeya nacional, Shah-nama), soldados, funcionarios, escenas de la vida contemporánea e incluso copias de ilustraciones y fotografías europeas.

La técnica Kayar por excelencia, de nuevo impulsada por la influencia europea, en este caso el vidrio veneciano, fue el espejo. Las celdas de Mugarnes enfrentadas a espejos produjeron un efecto original y espectacular, como puede verse en el palacio de Golestán en Teherán o en el Salón de los Espejos en el Santuario de Mashad.

Tejidos

En el campo de las artes aplicadas, solo el tejido siguió teniendo una importancia que se extendió más allá de las fronteras de Irán, y durante el período Kayar, la industria de las alfombras revivió gradualmente a mayor escala. Aunque se conservaron muchos diseños tradicionales, se expresaron de diferentes maneras, a menudo en menor escala que sus prototipos de Safávida, con el uso de una gama de colores más brillante.

Música

La música persa original contiene lo que es el Dastgah (sistema modal musical), melodía y Avaz. Este tipo de  contúsica ha existido antes de la cristiandad y llegó principalmente de boca en boca. Las partes más agradables y fáciles se han mantenido hasta ahora.

Este tipo de música influyó a la mayor parte de Asia Central, Afganistán, Pakistán, Azerbaiyán, Armenia, Turquía y Grecia. Además, cada uno de ellos también contribuyeron a la formación de la misma. Entre los famosos músicos persas del antiguo Irán, se encuentran:

  • Barbod
  • Nagisa (Nakisa)
  • Ramtin

Las tallas en las paredes de la cueva antigua muestran el interés de los iraníes por la música desde los tiempos más remotos. La música tradicional iraní, como se menciona en los libros ha influido en la música mundial. La base de la nueva nota musical europea está de acuerdo con los principios de Mohammad Farabi, un gran científico y músico iraní.

La música tradicional persa de Irán es una colección de canciones y melodías creadas durante siglos en este país y refleja la moral de los iraníes. Por un lado, la elegancia y la forma especial de la música persa persuaden a los oyentes a pensar y llegar al mundo inmaterial. Por otro lado, la pasión y el ritmo de esta música tienen sus raíces en el espíritu antiguo y épico de los iraníes, que conduce al oyente a moverse y esforzarse.

Literatura

Literatura persa es conjunto de escritos en persa nuevo, la forma de la lengua persa escrita desde el siglo IX con una forma ligeramente extendida del alfabeto árabe y con muchos préstamos árabes. La forma literaria del nuevo persa se conoce como farsi en Irán, donde es el idioma oficial del país está escrito con alfabeto cirílico por tayikos en Tayikistán y Uzbekistán.

Durante siglos, el nuevo persa también ha sido un idioma cultural de prestigio en Asia central occidental, en el subcontinente indio y en Turquía. La cultura iraní es quizás mejor conocida por su literatura, que surgió en su forma actual en el siglo IX. Los grandes maestros del idioma persa:

  • Ferdowsi
  • Neẓami Ganjavi
  • Ḥafeẓ Shirazi
  • Jam
  • Moulana (Rumi)

Quienes siguen inspirando a los autores iraníes en la era moderna. La literatura persa indefinida estuvo profundamente influenciada por las tradiciones literarias y filosóficas occidentales en los siglos XIX y XX, pero sigue siendo un medio vibrante para la cultura iraní. Ya sea en prosa o en poesía, también llegó a servir como vehículo de introspección cultural, disensión política y protesta personal para escritores iraníes tan influyentes como:

  • Sadeq Hedayat
  • Jalal Al-e Ahmad
  • Sadeq-e Chubak
  • Sohrab Sepehri
  • Mehdi Akhavan Saales
  • Ahmad Shamlu
  • Forough Farrokhzad.

Caligrafía

Como se ha mencionado en todo el contenido anterior, la caligrafía en el arte persa en sus comienzos fue empleada con carácter meramente decorativo, por lo que era muy común que los artistas utilizarán a esta para dejar este tipo de artes en: vasijas de metal, cerámica, así como también en las diversas obras arquitectónicas antiguas. El escritor e historiador estadounidense Will Durant, dio una muy breve descripción sobre esta:

«La caligrafía persa contaban con un alfabeto de 36 caracteres, que para plasmarlos los antiguos iraníes generalmente utilizaban lápices, una placa de cerámica y pieles».

Entre los primeros trabajos con gran valor en el presente, en el que además se utilizó este tipo de técnica delicada de ilustraciones y caligrafía, podemos mencionar :

  • El Corán Shahnameh.
  • Divan Hafez.
  • Golestan.
  • Bostan.

La mayoría de estos textos están guardados y preservados en diversos museos y por coleccionistas alrededor del mundo, entre las instituciones que custodian estos están:

  • El Museo del Hermitage de San Petersburgo.
  • Galería Freer en Washington.

Adicionalmente, es importante recalcar que el arte persa en esta categoría empleó varios estilos de caligrafía entre los que se destacan:

  • Shekasteh
  • Nasta’liq
  • Naskh
  • Muhaqqaq

Azulejos decorativos

Los azulejos era una pieza fundamental para la arquitectura persa en cuanto a la construcción de mezquitas, por ello puede visualizarse el predominio de este elemento, por ejemplo, en Isfahan donde el favorito fue el de tonalidades azules. Entre los lugares antiguos más destacados por la producción y uso del azulejo persa, se encuentran Kashan y Tabiz.

Motivos

El arte presa ha demostrado durante un largo período de tiempo, una creación única de diseños que han sido empleados para adornar diversos objetos o estructuras, estos han sido motivados posiblemente por:

  • La tribus nómadas, que poseían una técnica para crear diseños geométricos muy empleados en los diseños kilim y gabbeh.
  • La idea sobre la geometría avanzada influenciada por el Islam.
  • La consideración de los diseños orientales, que también se reflejan en India y Pakistán.

Otras artesanías vinculadas al arte persa

El arte persa también puede verse reflejado en otras sociedades que debido a la cercanía con Persia fueron influenciadas por esta cultura, aunque en alguna de ellas en el presente no se cuente con objetos palpables de su manifestación artística, se puede reconocer la existencia de la misma y la contribución de su arte. Entre estas sociedades, podemos mencionar:

  • Los arios o iraníes indoeuropeos, que llegaron a la meseta durante el segundo milenio antes de Cristo, en Tappeh Sialk.

  • La cultura pastoril de Marlik.
  • Los habitantes del antiguo distrito cercano a Persia, Mannai.
  • Los medos, una tribu indoeuropea que como los persas había entrado en el oeste de Irán.
  • Los gaznávidas, que toma su nombre de la dinastía fundada por el sultán turco Sabuktagin, cuyos líderes gobernaban desde Gazni (en lo que hoy es Afganistán).

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